ABADÍA DE THELEME

Martin Newell

2012-01-17T22:47:00.001+01:00

Para ser sincero descubrí a Martin Newell en el año 1993 cuando sacó el fantástico disco "The Greatest Living Englishman" facturado con el nunca mi bien ponderado Andy Partridge de los XTC.

Encargado de trasmitir las historias, leyendas y poemas de su tierra; ejemplificando durante todos estos años esa cualidad de ser el excéntrico almacén de toda la esencia pop inglesa heredada de los Beatles, Kinks, Syd Barret…; buenas canciones hechas espontáneamente, sin estar sobreproducidas, y con letras llenas de modestas viñetas de todas esas pequeñas cosas de la vida británica que son salvables y que están desapareciendo, cada vez más rápidamente: la cortesía, la campiña y la vida rural , el cambio de las estaciones…

Una discografía complicada de seguir la de este maravilloso y honesto artisa debido a que grababa su material en cintas que distribuía en el mercado alternativo y el mundo fanzine de los 80 con su grupo Cleaner from Venusy no fué hasta el año 87 en el que grabó su primer EP en vinilo "Mind How You Go as Cleaners from Venus".

Disfruten de la aparente sencillez de las canciones de este gran artista, aquí va la gran canción "Before the Hurricane" contenida en el mencionado album del comienzo de este árticulo. Una pieza llena de sutiles y delicadas melodías. POP con mayúsculas con el que muy bien se podría hacer una sinfonía.

Finalmente una actuación en el Colchester Arts Centre realizada en el verano del año 2003, se trata del tema "Clarendon Lane" en el que se puede ver a este artista en su medio.

Sala virtual J.L. Borra

2012-01-02T00:17:00.000+01:00

Comenzamos esta nueva singladura un año más en nuestra pequeña Abadía, con la inauguración de una pequeña exposición en una nueva sala virtual en la que se puede contemplar parte de mi obra, disfrútenla.

Feliz Año Nuevo a todos

"Por la secreta escala disfrazada", misticismo universal

2011-12-14T20:03:00.001+01:00

"Por la secreta escala disfrazada", es la obra que podéis contemplar a la izquierda -realizada por un servidor, única obra pictórica de la exposición- y que ha podido ser vista por aquellos que habéis tenido la amabilidad y posibilidad de acudir a la exposición de infografías en la AAPGA y de la que hago mención en este mismo blog con referencia al 10 de noviembre.

Inspirada en las canciones de "La noche oscura" del gran místico español Juan de la Cruz, puede apreciarse la ascensión de alma (una paloma) y su transformación y unión con la Divinidad -el Cosmos- a medida que alcanza la perfección. Dentro de la simbología San Juanista, el color verde significa esperanza y sosiego espiritual, es por ello que predimina dicho color en todo el cuadro con ligeros y sutiles deslizamientos hacia el blanco que es la la perfección y purificación total.

La obra viene acompañada de un sucinto desglose infográfico que inspira la obra pictórica final.

Una obra, que tan sólo pretende ser una tibia sombra de lo que tan hermoso poema me inspiró en su día, independientemente de las creencias religiosas de cada uno. La mística no entiende de credo, y es por tanto universal.

Hasta este viernes todavía podéis contemplar la exposición.

La noche oscura

Canciones del alma que se goza de haber llegado al alto estado de la perfección, que es la unión con Dios,
por el camino de la negación espiritual.

En una noche oscura,

con ansias en amores inflamada,

(¡oh dichosa ventura!)

salí sin ser notada,

estando ya mi casa sosegada.

A oscuras y segura,

por la secreta escala disfrazada,

(¡oh dichosa ventura!)

a oscuras y en celada,

estando ya mi casa sosegada.

En la noche dichosa,

en secreto, que nadie me veía,

ni yo miraba cosa,

sin otra luz ni guía

sino la que en el corazón ardía.

Aquésta me guïaba

más cierta que la luz del mediodía,

adonde me esperaba

quien yo bien me sabía,

en parte donde nadie parecía.

¡Oh noche que me guiaste!,

¡oh noche amable más que el alborada!,

¡oh noche que juntaste

amado con amada,

amada en el amado transformada!

En mi pecho florido,

que entero para él solo se guardaba,

allí quedó dormido,

y yo le regalaba,

y el ventalle de cedros aire daba.

El aire de la almena,

cuando yo sus cabellos esparcía,

con su mano serena

en mi cuello hería,

y todos mis sentidos suspendía.

Quedéme y olvidéme,

el rostro recliné sobre el amado,

cesó todo, y dejéme,

dejando mi cuidado

entre las azucenas olvidado.

El pensamiento Único

2011-12-01T13:24:00.001+01:00

El pensamiento único parece ser el neoliberalismo, sólo existe la economía, el ser humano es irrelevante, estro es lo que parece imperar, sin más contestación que las tímidas protestas populares, absolutamente contestadas por los medios "oficiales", como las del 15 M en España.

Un mundo en el que se tratan de imponer nuevas dictaduras, las de los militares parecen haber pasado a la historia, ahora se imponen otras más sutiles bajo los paraguas de los "tecnócratas" -salvapatrias banqueros y empresarios- o las todavía más sutiles puesto que se hacen por parte de políticos elegidos democráticamente, son las de los "gobiernos de concentración nacional", como si no huebiera alternativa política posible.

Afortunadamente todavía se escriben libros como el de los economistas Vicenç Navarro, Juan Torres y Alberto Garzón titulado "Hay alternativas" y que se puede descargar en formato pdf desde este link, y del que pongo a manera de pequeña golosina unas líneas contenidas en el prólogo escrito por Noam Chomsky -quien ya escribió sobre las diez estrategias de la manipulación mediática y que podéis leer en el singuiente enlace.

"Si fuera verdad que las medidas neoliberales consiguen realmente lo que dicen que van a conseguir, se permitiría su discusión abierta y plural porque sus defensores podrían demostrar

de forma fehaciente que bajar salarios o reducir el gasto social aumenta el empleo, o que privatizar las pensiones o los servicios públicos aumenta su cobertura y calidad, como dicen.

Lo que hacen, sin embargo, es imponerlas sin respetar las preferencias sociales, sin que haya un auténtico debate democrático sobre ellas. Evitan el debate y las imponen como si fueran directrices técnicas inapelables porque saben que no es cierto lo que mantienen, que nada de lo que afirman se puede demostrar."

Infografías

2011-11-10T16:17:00.000+01:00

Comencé esta serie de infograbados siguiendo unas pautas de automatismo psíquico -a la manera de la escritura automática- que curiosamente me llevaron a una línea absolutamente coherente, de manera para nada consciente, con una intención que percibí a posteriori, cuando junté todas las obras y las observé en conjunto.

Nos encontramos en un periodo de crisis, y claro está inebitablemente ésto ha influido de manera clara e inconsciente en el proceso creativo de esta serie que denomino "Ciclos".

Hay ciertas tesis histórico-filosóficas, como Toynbee, que precisamente hacen hincapé en el movimiento cíclico de la historia con un sentido de caída y recuperación de un sistema, de una sociedad, de una religión, etc. Ésto es lo que finalmente salió, la representación simbólica del comienzo de una crisis y el advenimiento final de un nuevo mundo, con el empleo de un simbolismo que considero fácil de interpretar, la conciencia se encuentra en la Estatua de la Libertad -sucia, llena de culpabilidad, temerosa al cmienzo y luminosa y radiante al final- con el advenimiento del nuevo estatus; el estado divino del ser humano consciente, observador y creador al mismo tiempo en los globos oculares, el halo creador en esas nebulosas fractales como las nebulasas galácticas en las que se generan estrellas y nuevos mundos, etc.

"Ciclos", una miniserie confecionada por un servidor y que, junto con los artistas Francisco Marcos y Emilio Gazo, podréis ver en la sala de exposiciones de de la Asociación de Artistas Plásticos Goya de Zaragoza - Avda Goya 87 desde el próximo día jueves 17 de noviembre que tendrá lugar la inauguración a partir de las 7:30 de la tarde hasta mediados del mes de diciembre.

Ésta es una muestra no exaustiva de lo que allí va a estar expuesto. Y como no podía ser de otra manera el puntito musical no ha de faltar, así que he elegido un temazo del último trabajo de Tom Waits, de su álbum "Bad as Me" el tema con el que se abre, imponente, enmergético y lleno de rabia contenida con la sabiduría de un maestro de ceremonias inigualable, "Chicago".

Indian Highway en el MAXXI de Roma

2011-10-21T18:57:00.003+02:00

¿Roma, Idian Highway? Sí arte contemporáneo en la ciudad de Roma, arte procedente de la India y que puede contemplarse hasta el 29 de enero de 2012. Una muestra en la que puede realizarse un itinerario colectivo que, mediante una vasta selección de obras de soportes variados, presenta el panorama multiforme de la escena artística de India. Con 30 artistas, 60 trabajos incluyendo 4 instalaciones. Reúne nombres más conocidos, como Subodh Gupta o Bharti Kher, y jóvenes promesas, como Jitish Kallat, y sus obras reivindicativas, o Prajakta Potnis y su onírico universo. Esta versión de Indian Higway cuenta además con una sección dedicada a las instalaciones de Studio Mumbai, ganadores de una mención especial de la Bienal de Arquitectura de Venecia 2010.

La expossición comienza de una forma un tanto Kitch mezclando tración y modernidad y muy pronto nos encontramos con un intenso olor a incienso, procedente de una de las instalaciiones consistente en miles de barritas de incienso colgadas dando una una sensación de bosque mágico e impenetrable. Entre las obras expuestas se pueden destacar el gran cuadro de Fida Husain (conocido como el Picasso de la India, recientemente fallecido), Shilpa Gupta con sus 100 Mapas de la India dibujados a mano. Una escultura que me impresionó fue un hermoso camión a tamaño natural confecconado con millares de chapas de acero dobladas y soldadas con infinita paciencia perteneciente a Valaya Shendi y titulada "Transit" que contrasta con el "Autosuarus Tripous", esqueleto de un tradicional rickshaw confeccionado con resina huesos de Jitish Kallat.

En definitiva, una exposición que si os encontrais por Roma y os apetece ver algo diferente sería bueno pasarais por el MAXXI a daros una vuelta y así, de paso, contemplais el hermoso edificio de Zaha Hadid -artífice del pabellón puente de la Expo de Zaragoza-, amén de una, más que interesante incursión en el mundo de la arquitectura contemporánea china que muy bien merecería un intenso artículo y que quizás retomemos en otro momento.

Para los que no podáis pasaros por esas tierras, aquí os dejo un pequeño vídeo para poder realizar una pequeña visita virtual, además de la mano de algunos de sus protagonistas.

Arrabalesque

2011-10-02T21:25:00.002+02:00

Don Fernando Arrabnal, insigne y surrealista personaje de la cultura contemporánea, ideológo fundador del movimiento pánico junto con Alejandro Jodorowsy, poeta del mileniarismo y un provocador nato, en su blog titulado a la manera de Magritte o Duchamp "Ceci n'est pas un blog", como buen intelectual no puede abstraerse de uno de los males más dramáticos que nos persiguen, el paro. Y en un artículo titulado "como plato principal", haciendo gala de un sarcasmo y una sátira genial, ofrece una alternativa imaginativa para su solución.

En él, don Fernado escribe cosas tan curiosas como las que aquí os dejo de manera resumida, y que os invito a que degustéis de manera íntegra en su blog.

"Qué latosa se ha vuelto la vida (¡y la veda!) en los países más prósperos. Nos sentimos acorralados por parados dispuestos a apuntarnos con la mano tendida. ¡Qué manera de importunar al ciudadano menos chinchoso! Con sus problemas (¡privados!) terminan por enojarnos a todos. Y muy especialmente a los solidarios (¡de mentirijillas!) sindicatos oficiales. ¿A quién puede sorprender que les “ninguneen” a la hora (¡y siempre es diana!) de sus manifestaciones, reivindicaciones y huelgas?...

El hombre de bien se pregunta: “¿Qué se puede hacer para que los parados sirvan al interés general, o consigan incorporarse a la vida social? ¿Cómo impedir que estos seres, incapaces de asegurar su subsistencia, representen sistemáticamente la misma escena de rositas?”

...Se ha comprobado que los parados no pueden vivir de la corrupción, de la rapiña, del banditismo, de la droga o de la prostitución. Las únicas veces que, abocados y avalados por la necesidad, se han propuesto abrazar la dificilísima ciencia de la delincuencia, lo han hecho de forma torpe y deslucida: a todas luces nada profesional.

Por otra parte la tentativa para inscribirles en las cotizaciones de la Bolsa ha sido infructuosa: como la Osa (tanto la mayor como la menor), es un producto que no se puede negociar.

Mi proposición (que tanto debe a la “Modesta memoria” de mi venerado maestro irlandés), estoy convencido de que no levantará objeción alguna:

Los parados pueden y deben constituir la base y el plato principal de nuestra alimentación.

La vianda de parado puede y debe sustituir las carnes impropias al consumo, debido a la epidemia de “las vacas locas”.

...Mi plan permitirá que a los humanistas (¡y a los rentistas!) nadie les pueda acusar de insolidaridad con el sector más indigente y desamparado de la sociedad, ¡puesto que habrá desaparecido!

Yo también puedo afirmar, como el autor de Viajes de Gulliver, que no tengo ningún interés personal en promover esta obra necesaria. E incluso añadir que no saborearé el renacimiento gastronómico que origine mi panacea nada fea: ¡Soy vegetariano"

Desde Brooklyn con amor Chin Chin nos presenta el tema "Appetite" que nos sireven en un plato lleno de groove y elegante acid-jazz que espero disfrutéis y que nos sireve muy bien como despedida musical, bon appetite.

Edwuard Hopper

2011-09-17T14:16:00.002+02:00

Durante mi último paseo por el Museo Thyssen en Madrid me topé con hermoso cuadro de Hopper, "Habitación de hotel" y por supuesto me sirvió de excusa para incluir a este gran artista en el blog.

Le pavillon de flore

Edwuard Hopper (Nyack 1882 - New York1967), artista estadounidense, el pintor del silencio, cuya obra marcó un hito en la historia del realismo americano pues logró plasmar en su arte esa sensibilidad particular del siglo XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el aislamiento, la soledad y la melancolía.


Habitación de hotel

Permaneció al margen de las experimentaciones cubistas y abstractas, pero sí le influyeron Diego Velázquez, Francisco de Goya, Honoré Daumier o Édouard Manet, cuya obra había conocido a través de sus profesores de Nueva York.

Las pinturas de su primera época, como "Le pavillon de flore" (1909, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York), siguen una línea realista y muestran algunas de las características básicas que mantendría durante toda su carrera artística, composición basada en formas geométricas grandes y sencillas, áreas de color planas y utilización de elementos arquitectónicos para introducir en sus escenas fuertes líneas verticales, horizontales y diagonales. En 1931 pintó "Habitación de hotel" (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España) donde se entrecruzan varios de los motivos recurrentes en Hopper, el del hotel, el de la figura aislada en un interior y el del viajero. Su estilo simple y esquemático fue uno de los que influyó en la vuelta al arte figurativo posterior y en el Pop Art.

Aquí os dejo un hermoso video en el que poder contemplar la obra de Hopper y con fondo musical a cargo de la osquesta de Benny Goodman.

La sociedad del miedo

2011-09-05T15:34:00.001+02:00

El ser humano tiene una atracción irresistble hacia lo catastrófico, siempre han vendido muy bien las películas de grandes catástrofes, huracanes, terremotos, aviones estrellados o cómo no, la estrella de las catástrofes el fin del mundo el apocalipsis y si además le añaden un poco de morbo extra del tipo canibalismo o algo similar mejor. Esto es así nos guste o no, los poderes lo saben bien y los noticiarios televisivos o escritos ejercen el poder del miedo cada vez con más descaro y contundencia.

¿Quien sabía de la existencia de "agencias de valores" -agencias privadas para más inri ¿que son controladas por quién?- y mucho menos que tenían ese poder tan gigantesco de rebajar los tipos de interés a las deudas de un país, la existencia de categorías AAA, AAA1...de países que precisamente afectan a esos intereses, el IBEX en la bolsa...?. El terror de la economía de mercado es el que actualmente nos atenaza ya que parece que el terror "islamista" ha disminuido. Si tienes miedo a la vida, al trabajo o a su falta, etc, eres más "manejable",mejor consumidor o consumidora y por supuesto de esta manea se pueden atacar de manera más eficaz los derechos personales y sociales que supuestamente garantizan las constituciones de cualquier país democrático y que sus gobiernos deberían defender.

¿Qué hacer ante este miedo? Evidentemente hay que perderlo, no hay que tener miedo a no tener, a esa locura que nos invade, cuando tenemos que elegir entre hacer y no hacer algo, siempre es mejor hacer aún a riesgo de equivocarnos, al menos ganaremos en experiencia y si no hacemos la frustración está garantizada.

Lo fácil es culpar al sistema de todos nuestros males, pero no nos damos cuenta que el sistema está formado por todos y cada uno de nosotros, por lo tanto el cambio en la mentalidad de la mayoría es lo único capaz de transformar la sociedad.

Siouxie and the Banshees son mi despedida musical con el tema "Happy House".

Proyecto Z

2011-08-17T21:42:00.000+02:00

El próximo jueves 25 de agosto se inaugurá en el Centro de Historia de Zaragoza (ahora rebautizado como de Historias) un proyecto, mascado por Susana Vacas y la Casa de Zitas, consistente en lo que esta letra podría sugerir a diferentes artistas que estuvieran vinculados con la ciudad.

Cuando se me presentó la posibilidad de participar en el mismo, hace mas de un año, lo recibí con una mezcla de entusiasmo y excepticismo, ¿qué me podría sugerir una Z?, mi ciudad fué lo primero que se me ocurrió, ¿un camino zigzageante?, ¿el final de algo?...eureka una cebra (zebra en inglés) sí, eso es una cebra multicolor, pero no una cebra que simbolizara el fin de algo sino más bien el comienzo ilusionante y colorido de algo diferente, la revolución contra el código de barras que nos invade.

"La zeta es una letra muy atractiva. Consonante toda ella, riza el rizo del alfabeto encerrándolo y dándole la vuelta. Curioso zigzagueo.

En eso estábamos en Zaragoza y se nos ocurrió esto que contamos. Proyecto Z lo llamamos. Fue esto y empezar a surgir zetas. Zetas por doquier y zetas al poder.

Las instrucciones consistían en desarrollar algo en que la letra Zeta propiciara algún tipo de impulso artístico, concebir una imagen, un texto, un sonido, un símbolo, lo que fuera. Poner a trabajar a ángeles y demonios, a cordura y locura para que con ese dígito, la última letra del abecedario, y procurando no “rizar el rizo”, fuéramos capaces de tirar de nuestra sensibilidad para ver si algún planteamiento novedoso daba pelos y señales.

Zoreando, zozobrando, zancochando, autores varios zetas nos fueron entregando. Grandes y chiquitas, sonoras o plásticas, literarias también.

La Casa de Zitas y Susana Vacas pensaron qué hacer con semejante abecedario de una letra. ¿Lo enseñamos? ¿Lo catalogamos? Y eso hicimos."

Momento musical de despedida Mr. Zappa, don Frank y su maravilloso Bobby Brown.

Paul Verlaine

2011-08-02T01:33:00.000+02:00

Ya dedicamos unas líneas al insigne poeta maldito Rimbaud y ahora me apetecía hacerlo con otro que estuvo íntimamente ligado con él, se trata de Paul Verlaine. No voy a entretenerme en ecribir una detallada biografía del Sr. Verlaine, con una azarosa y un tanto atormentada vida -como parece acompañar en demasidas ocasiones al espíritu creador de un artista-, prefiero sencillamente dejar un par de poemas de éste gran poeta para ser degustados a placer.

Mujer y gata

La sorprendí jugando con su gata,
y contemplar causóme maravilla
la mano blanca con la blanca pata,
de la tarde a la luz que apenas brilla.

¡Como supo esconder la mojigata,
del mitón tras la negra redecilla,
la punta de marfil que juega y mata,
con acerados tintes de cuchilla!

Melindrosa a la par por su compañera
ocultaba también la garra fiera;
y al rodar (abrazadas) por la alfombra,

un sonoro reír cruzó el ambiente
del salón... y brillaron de repente
¡cuatro puntos de fósforo en la sombra!

Mi sueño

Sueño a menudo el sueño sencillo y penetrante
de una mujer ignota que adoro y que me adora,
que, siendo igual, es siempre distinta a cada hora
y que las huellas sigue de mi existencia errante.

Se vuelve transparente mi corazón sangrante
para ella, que comprende lo que mi mente añora;
ella me enjuga el llanto del alma cuando llora
y lo perdona todo con su sonrisa amante.

¿Es morena ardorosa? ¿Frágil rubia? Lo ignoro.
¿Su nombre? Lo imagino por lo blando y sonoro,
el de virgen de aquellas que adorando murieron.

Como el de las estatuas es su mirar de suave
y tienen los acordes de su voz, lenta y grave,
un eco de las voces queridas que se fueron...

Por supuesto no podía terminar sin mi habitual apunte musical, apunte que en esta ocasión lo vamos a dedicar a una hermosa canción de tintes lisérgicos titulada "En el río" de los madrileños Vetusta Morla.

Y para finalizar lo vamos a hacer de la mano de un grupo parisino llamado We are Enfant Terrible, con sonidos actualizados del elctro-punk más rabioso y bailable, el tema es "Flthy Love".

Yayoi Kusama

2011-07-10T20:37:00.000+02:00

Artista polifacética de la avant-garde japonesa, en 1957 abandonó Japón para vivir en los Estados Unidos donde participó indirectamente y a su manera en la cultura hippie psicodélica y el arte Pop. Cansada mentalmente, regresa a Japón de manera definitiva en 1973, donde vive desde su regreso, en un hospital psiquiátrico.

Yayoi Kusama con sus instalaciones encuadtradas dentro de lo que ella titula como Infinity Mirror Room, pinturas, colages, esculturas infinitas llenas de referencias fálicas, nos sumerge en ese mundo -su mundo- salido de un pais mágico lleno de celebraciones de los no cumpleaños y en el que se plasma esa necesidad por dar a conocer los sentimientos y obsesiones más íntimas. Una artista inconformista, a caballo entre occidente y oriente, extremadamente sensible que nos invita a las más sugerentes evocaciones oníricas.

"Quiero explorar mi propia humanidad y la visión del mundo. Establecer un camino para mi búsqueda de la verdad" dice Yayoi, sus obras, llenas de vitalidad y que incorporan el concepto de repetición estereotipada y acumulación, han inspirado a muchos artistas.

En el Museo Reina Sofía de Madrid puede contemplarse hasta el 12 de septiembre esta magnífica exposición, que no dejará indiferente al expectador y, que a buen seguro, le llenará de optimismo.

OPN Studio

2011-07-04T14:59:00.000+02:00

'New Core Cineticográficas' es la breve -tan sólo 8 obras- y elegante propuesta que se nos ofrece hasta el 24 de julio de 2011 en el encantador Espacio dedicado al arte Adolfo Domínguez, situado en C.C. Puerta Cinegia de Zaragoza.

Susana Ballesteros y Jano Montañés, dos jóvenes creadores que bajo el nombre de OPN Studio se atreven a innovar con las nuevas tecnologías. Recientemente premiados en el Festival Internacional Incubarte 2011”, celebrado en Valencia con su obra “Dual” cineticográficas.

La verdad es que nos es muy grato encontrar creaciones artísticas cuidadas, atrevidas, elegantes y situadas al frente de la vanguardia creadora. No hay nada mejor para poder apreciar el arte que ir a verlo in situ, cosa que les recomiendo fervorosamente, si tienen la oportunidad, hacerlo, y para todos aquellos que no puedan aquí les dejo la dirección del blog de Eugenio Mateo -comisario y coordinador del ECAD - en la que podrán ver más fotografías y explicaciones de lo allí expuesto.

Como colofón les dejo un vídeo de su trabajo "Sincrónica".

Inspired Flight

2011-06-07T00:12:00.000+02:00

La creación de este dúo de San Diego "Weall want to fly" es un disco que une a la perfección la electrónica en downtempo, las armonías vocales, el rap, el dub y, porqué no, los sonidos más alternativos del pop.

Inspired Flight está compuesto por Gabe Lehner, más conocido como "Chavez", compositor, guitarrista y vocalista y Eric Poline -"OpenOptics"-, encargado de los platos y multinstrumentista.

La suma ha dado como resultado uno de los mejores discos de trip-hop de los últimos años en el que podemos encontrar once temas sin ningún desperdicio en los que podremos descubrir influencias de gente tan distante como "The Beatles", "Gorillaz", "Pink Floyd", "Miles Davis", "Radiohead", "Thievery Corporation" o "Telefon Tel Aviv".

Aquí va el magnífico tema "It Always Takes", un corte lleno de sugerentes ensoñaciones que invita al movimiento de las caderas de una manera realmente irrefrenable si que uno se dé cuenta, disfrútenlo.

Otro estumpendo ejemplo de lo que depara este trabajo de los Inspired Flight es este magnífico "Pull, Push, Let Go" con el que nos despedimos.

Carta abierta en defensa de la pluralidad y convivencia de poéticas

2011-06-02T20:00:00.002+02:00

Se ha abierto un blog que expone una carta en defensa de la pluralidad y convivencia de las diferentes poéticas y para todo el que quiera entrar sólo tiene que pinchar aquí.

"Las tentativas de encerrar el lenguaje literario dentro de límites inamovibles han dado como resultado estructuras cerradas de pensamiento que trabajan en contra de la propia y esencial condición de la palabra."

Me parece una preciosa iniciativa y un aviso a navegantes con tentaciones "autoritarias", en un periodo en el que parece estar de moda prohibir y regular en exceso por un supuesto bien común.

Leonora Carrington

2011-06-01T19:13:00.000+02:00

Amiga de la española Remedios Varo, artista a la que dedicamos ya un artículo en esta abadía, falleció el pasado día 25 de mayo.

Pintora y escritora de origen inglés que se inicia en el surrealismo de la mano de Max Ernst y desarrolla la mayor parte de su vida y obra en México. En 1937 conoce a Max Ernst con el que marcha a París y la introduce en el círculo de los surrealistas, estilo del que será una gran intérprete, expone con los surrealistas en París y Amsterdam. Al comienzo de la II Guerra Mundial, en 1939, marcha a España y Portugal, donde conoce al diplomático mexicano Renato Leduc, amigo de Pablo Picasso, con quien se casa en 1941 y viaja a Nueva York.

En 1942 llegan a México y tras divorciarse, en 1943, conoce a Edward James, mecenas de los surrealistas y máximo coleccionista de su obra. En 1985 huyendo del terremoto que destruyó parte de la ciudad, se estableció en Nueva York y más tarde en Chicago (1988), regresando finalmente a México (1991), donde pasó sus últimos años de vida.

"Me gustaría deshacerme de las ilusiones. A mí lo que me fascina es tratar de acercarme a lo real, pero no sabemos nada. Y hoy vivo entre el aburrimiento y la vergüenza de pertenecer a un género animal como el ser humano. Por eso me gustaría ser un elefante, pero salvaje, no dejarme de nadie; aunque la tortura continúa, dentro de la poca libertad que logré", Leonora Carrington.

El tigre de Esnapur y La tumba India

2011-05-19T11:08:00.001+02:00

Hubo un tiempo en que los niños podían abrir, con sólo apretar un botón, ventanas a mundos lejanos e insólitos. Para los que, en aquellos tiempos remotos de un solo canal , se podía descubrir el oasis de color hindú del díptico languiano en un mar de imágenes planas en blanco y negro, la inolvidable danza de Debra Paget y la cobra, la caza del tigre de Esnapur, las reveladoras telarañas y los agudos claroscuros, constituirán siempre un sinónimo de cine con mayúsculas.

Frtitz Lnag, el crerador de Metrópolis o ese inolvidable Dr Mabuse y uno de los principales artífices del cine negro, al final de su vida nos deleitó con un hermoso díptico, "El tigre de Esnapur" (1958) y "La tumba india" (1959), en el que un arquitecto alemán es invitado al palacio del maharajá de Esnapur para llevar a cabo un importante proyecto arquitectónico, éste conoce a una bella bailarina, igualmente invitada por el regente, y entre los dos surge una fuerte atracción, tras lo cual ambos descubrirán que entre las pretensiones de maharajá está la de casarse con ella.

Constituye un placer volver a recorrer los subterráneos del palacio, la magia de los paisajes de Rajastan (India), lo difícil hecho sencillo, la memoria hecha sentimiento. Un díptigo, éste de Lang, realmente maravilloso que si no conocías vale la pena descubrir y en todo caso siempre está bien volver a ser niños y recrearse en ese mundo enigmático de la India fantaseada y el oriente pleno de exotismo idealizado.

Dissidenten y Marlon Klein nos presentan Bajka como despedida musical.

Anselm Kiefer

2011-05-09T15:46:00.000+02:00

Pintor alemán (Donaueschingen, 1945), representante de la nueva vanguardia y adscrito al Neoexpresionismo, una de las corrientes del arte postmoderno surgida en los años 80. Kiefer realizó estudios de pintura, derecho y lengua francesa en Dusseldorf. Conocido sobre todo por su arte "matérico”, utiliza telas de gran tamaño que impregna con materiales diversos e inscripciones sobre temas que hacen referencia a la cultura y mitología alemana.

Preocupado de los grandes temas cosmológicos, míticos e históricos, la herencia de su maestro Josep Beuys es evidente en su obra, como lo es también la de la algunos filósofos, como Heidegger o Foucault, este último, profeta, como Kiefer mismo, de la "desaparición del hombre".

Desde que en sus fotoseries, tituladas Ocupaciones y publicadas en 1969, apareció él mismo haciendo el saludo fascista, testimoniando su consternación y vergüenza por el pasado nazi de su país, su trabajo se ha concentrado en gestos, símbolos, mitos y temas o autores literarios relacionados con el nacionalismo teutónico del siglo XIX. Su trabajo ha sido con frecuencia mal interpretado, lo que demuestra el estigma que la cultura alemana sufre como consecuencia del chauvinismo del XIX y del fascismo del XX.

Osang Gwon y Yong Ho Ji (Asia emergente)

2011-04-12T16:16:00.001+02:00

Asia parece haber despertado ya definitivamente económicamente y como no podía ser de otra manera está tomando las riendas artísticas y creando vanguardia de altísima calidad. En esta ocasión nos vamos a centrar en dos artistas de origen coreano que tienen en común la tridimensionalidad escultural pero desde dos puntos de vista muy diferentes y sin embargo convergentes en la concepción básica "pop" de la obra de arte.

Yong Ho Ji , artista del reciclaje, saca un partido realmente sorprendente e insospechado a los neumáticos, creando unos elementos mutantes fantásticos que muy bien podían aparecer en una película de ciencia ficción.

Por otro lado, Gwon realiza a partir de múltiples tiradas con su máquina fotográfica "eculturas mutantes fotográficas", con unos resultados realmente espectaculares. Ha mostrado su trabajo por todo el mundo, colaborado en una portada de disco con el grupo británico Keane y realizado encargos publicitarios para grandes marcas como Fendi y Nike.

En el siguiente vídeo podéis ver el trabajo de estos dos jóvenes creadores con el fondo musical de Massive Attak.

Homenaje a Picasso en Aragonia

2011-04-05T23:13:00.000+02:00

El Centro de Ocio y Comercio Aragonia organiza una exposición sobre uno de los artistas más famosos del país: Pablo Ruiz Picasso. Con motivo del 130 aniversario del nacimiento del pintor malagueño, 40 creadores de la Asociación Artistas Plásticos de Zaragoza homenajearán a Picasso haciendo referencia al artista en sus creaciones.

Obra de la izquierda, "Ensoñación π (Pi)", autor Juan Luis Borra, una pequeña broma picassiana.

La exposición tendrá lugar del 6 de abril al 1 de mayo en el Centro de Ocio y Comercial ARAGONIA // Zaragoza (España).

Zdzisław Beksiński

2011-04-04T01:42:00.003+02:00

Una vida trágica la de este artista nacido en 1929 y asesinado en el año 2005. Su obra plasma esas tragedias que acompañan su vida sobre todo al final, muerte de su mujer, suicidio de su hijo y finalmente su propio asesinato (todo ello en un paréntesis temporal de tan sólo de siete años).

Un claro ejemplo en el que, vida y obra se confunde y fusiona, no sabiéndose hasta que punto es la mente la que atrae sus experiencias vitales o es precisamente lo contrario la vida la que le hace pesimista y oscuro. Personalmente me quedo con la primera de las apreciaciones.

Su actividad artística oscila desde llas incursiones abstractas de su juventud a un realismo fantástico de claras influencias surrealista que plasmará a partir de los años 60 y evolucionando a partir de los 80 y hasta el final hacia un mundo cada vez más oscuro y monocolor con una estética claramente "gótica".

Para finalizar, una versión del tema "Hey You" de los Pink Floyd en el siguiente video en el que se puede apreciar parte de la obra de este gran e inquietante artista polaco.

Te veré en mis sueños

2011-03-26T23:22:00.000+01:00

Una bonita pieza de los años 20 ésta de "I'll See You in My Dreams", compuesta por Isham Jones, con letra de Gus Kahn y publicada originalmente en 1924 con The Ray Miller Orchestra.

Un servidor se fijó en ella en el mejor homenaje hecho nunca a ningún artista y del que se sacó un delicioso DVD -Concert for George-, emtivo donde los halla, lleno de cariño y en el que como despedida Joe Brown al uquelele y voz le rinde la mejor despedida posible a su amigo George Harrison.

La letra de la canción reza así:

"Te veré en mis sueños,

te esperaré en mis sueños.

Alguien te sacó de mis brazos,

aún siento la emoción de tus encantos.

Labios que una vez fueron míos,

tiernos ojos que brillan ,

esta noche se ilumina mi camino,

te veré en mis sueños.

Ahora!

Te veré en mis sueños,

te esperaré en mis sueños.

Alguien te sacó de mis brazos,

aún siento la emoción de tus encantos.

Labios que una vez fueron míos,

tiernos ojos que brillan,

Se ilumina mi camino esta noche,

te veré en mis sueños.

Ahora!

Te veré en mis sueños,

te veo en mis sueños."

Aquí va en primer lugar, como no podía ser de otra manera la versión original de "Ill See You in My Dreams" con Ray Miller Orchestra y Isham Jones, casi un siglo media entre la grabación y nuestro presente:

A continuación la versión de uno de los grandes del Jazz Django Reinhardt y una guitarra realmente encantadora, todo un bonito dulce para nuestros oidos.

Finalmente, de entre la multitud de versiones que hay del tema, tenía que cerrar esta pequeña sesión, como no podía ser de otra manera, con Joe Brown, pero en un concierto dado en Holanda en el año 2008 con los Bruvvers. Que tengáis felices sueños.

Premio de Pintura Delegación del Gobierno en Aragón

2011-03-14T23:00:00.001+01:00

Con motivo de la entrega de Diplomas del IX Premio de PIntura de la Delegación del Gobierno en Aragón, tendrá lugar la inauguración de la exposición colectiva con los cuadros seleccionados el próximo día viernes 18 de marzo a las 19.00 horas en el Museo IberCaja Camón Aznar -C/ Espoz y Mina 23- Zaragoza-.

Obra de un servidor, Subterráneo, una escena cotidiana del metro parisino en tonalidades azules

Momentos

2011-03-12T12:49:00.001+01:00

Tras mi último viaje por Londres -ciudad en la que lo que en la localidad de uno es casi excepcional se convierte en cotidiano- he reflexionado y he querido plasmar de alguna manera esa marea de pensamientos que nos abordan, seleccionado la parte construtiva de éstos. Afrontar cada instante con dignidad, esperanza y sentido de realidad; superar una crisis no es volver a TENER sino conseguir SER.

George Bernard Shaw escribió, "Algunos hombres observan el mundo y se preguntan ¿por qué?.Otros hombres observan el mundo y se preguntan ¿por qué no?" tú con ¿quién te identificas?, personalmente prefiero encontrarme entre los del segundo grupo.

Igualmente Erich Fromm, destacado psicoanalista y filósofo humanista estadounidense, nos dejó una interesante reflexión:

'Sé quien en verdad eres.
Descubre tus talentos y tu propósito en la vida.
Esto te llevará a hacer lo que amas
y porque haces las cosas con amor,
obtendrás lo que necesitas'.

Pequeñas reflexiones positivas, éstas, para estos oscuros nubarrones que parecen querer cegarnos en estos días en los que telediarios y prensa escrita se empecinan en darnos "alegrías" con crisis, terremotos y todo tipo de desgracias. ¿Acaso no hay nuevos avances científicos o creadores en cualquier rama del arte que nos ofrezcan algo positivo?.

Pinker Tones, unos catalanes que triunfan en la Gran Manzana neoyorkina, obtimismo en este "Happy Everywhere"

Finalmente ahí va un trailer de la película de culto psicodélico "Psych out" de Richard Rush, para estos tiempos en los que parece estar de moda prohibir.

Poemas para reflexionar

2011-02-20T04:33:00.000+01:00

Unos poemas para la reflexión del escritor zaragozano Ángel Guinda

El viaje interior (de Conocimiento del medio)
Fuera de ti no esperes encontrar
lo que dentro de ti nunca has buscado.
No es más hermoso el sol de otros lugares,
por lejanos que estén:
lo que importa es la luz que da vida a tus ojos.

No fatigues tus días
en recorrer países en busca de otros mundos.
No tardes en emprender el viaje a tu interior,
no vaya a ser que pronto sea tarde:
no estás de ti tan cerca como crees,
ni es tanto el tiempo de que aún dispones
para descubrirte y conquistarte.

Nuevo orden (de Poemas para los demás)

Urge cambiar el desorden del mundo.
Se declara estado de crisis permanente.
Desde ahora los niños nacerán con vivienda.
Toda la población es emigrante.

La sociedad prioriza al individuo.
Se legalizan las drogas naturales.
Se subvenciona la solidaridad.
Se concede a los jóvenes pensión devolutiva.
Los ancianos serán privilegiados.

La vida se proclama asignatura.
La muerte recupera valor espiritual.
Se restringe el presupuesto de defensa.
Fronteras franqueables hasta su desaparición.

Si la fidelidad daña la salud mental,

se desbloquea la fórmula pareja.
El ejercicio del Poder se renueva anualmente.
Se habilitan las islas eclesiásticas.

Se suprime el consumo más superfluo.
Se debe trabajar para vivir.
Nadie viva para trabajar.
Se permite soñar con otra realidad.
Etcétera, etcétera, etcétera.

Lucian Freud, el pintor de la lentitud.

2011-02-08T01:08:00.000+01:00

Uno de los máximos referentes –junto a Francis Bacon- de la llamada “Escuela de Londres”. La pintura de Freud se rebela contra todos los cánones de la pintura anterior, no sólo en lo relacionado con la belleza, sino también contra la abstracción del expresionismo abstracto dominante en la época.

Pintor británico de origen alemán, hijo del arquitecto Ernst Ludwig Freud y nieto del creador del psicoanálisis. Su evolución pictórica se dirige hacia una figuración, próxima a los planteamientos de Otto Dix y Oscar Kokoschka en la "Nueva Objetividad", aunque no lograría su lenguaje más genuino hasta que afianzó la relación con Auerbach y Bacon.

Fue Francis Bacon quien le animó a sumergirse en la materia pictórica con absoluta libertad de las exigencias del dibujo. Sus pinceladas se volvieron rudas y angulosas, sin que ello supusiera traicionar su gusto por el detalle. Trabaja de manera deliberadamente lenta, limpiando su pincel en un paño después de cada movimiento. La obra de Freud es íntima, desgarrada, de una atracción "apabulladamente" desoladora, si se me permite la expresión y absolutamente perturbadora.

Como pequeño apunte musical añadiremos una hermosa canción, toda una oda al té de la mano lisérgica de Kula Shaker -uno de esos grupos enigmáticos que van y vienen sin previo aviso, dignos herederos del Harrison más psicodélico de la India y que el año pasado nos lo obsequiaron con un hermoso disco titulado Pilgrims Progress-; por el amor de Dios, beba té, "Drink Tea (for the Love of God!)".

Entralegorías, nueva exposición

2011-01-22T15:56:00.000+01:00

Nueva exposición, con este acrónimo, "Entralegorías" nos presentamos en la Sala Exposición Artistas Plásticos Goya de Zaragoza tres artistas plásticos bien distintos: Juan Luis Borra, Blas Laborda y Carmen Santaliestra.

La exposición tendrá lugar entre los días 26 de enero y 24 de febrero en la citada Sala.

Como elemento común encontramos esa figua un tanto ambigua de la alegoría; se podrá encontrar pintura abstracta, figurativa y colages , así como un despligue apabullante de colorido, esperando que entre la variedad expuesta se despierten los sentidos.

En el caso de mis pinturas, dentro de la diversa temática que expongo, se pueden encontrar pinturas con paisajes decadentes industriales y urbanas, con las que pretendo, en una catarsis colorista y espiritual ,que puede parecer un tanto hiriente en ocasiones, decir adiós a un pasado vital y dar una bienvenida un futuro incierto. Igualmente se puede encontrar algún pequeño homenaje al movimiento fundado por Marinetti, una de las primeras vanguardias del siglo XX, el "futurismo" y por supuesto ciertos guiños al "surrealismo".

Siempre me ha fascinado observar en las exposiciones, cómo reaccionan los individuos ante una obra de arte. Podemos encontrar el detectivisco que se acerca, frunce el ceño se aleja y vuelve a acercarse buscando muchas veces no sabe el qué, también está el indiferente que piensa para sus adentros -y a veces lo exterioriza- "no es para tanto, eso lo podría hacer yo", el de mirada asombrada recreándose y dejándose llevar de las sensaciones que allí emanan, los gupos que como robots van de la mano de un guía que no hace otra cosa que repetir una y otra vez frases frías, calculadas, carentes de emoción. En definitiva todo un mundo diverso como la humanidad misma.

La origianlidad, ya se sabe que es muy dificil tenerla, por no decir imposible. Un servidor no podía ser menos, y me encontré con que esto que me gusta hacer de manera regular, ya lo habín filmado, concretamente Pavel Kogan, con el corto "Look at the face"(miren el rostro) de 1966. En el mismo, mediante cámara fija se ven multitud de caras mirando una obra maestra en el museo de Hermitage, concretamente La Madonna Litta de L. da Vinci.

Iinicialmente la intención del mismo era con afán crítico e irónico plasmar las caras de los personajes que por allí pasaban y poco a poco se fue tornando hasta que llegó a encontrar ciertos mimetismos entre el cuadro expuesto y las caras de algunos sensibles expectadores. Como cierre aquí os dejo el corto.

Un lugar en el bosque

2011-01-16T21:29:00.000+01:00

Esta historia nos cuenta un cuento de un famoso rabino jasídico: Baal Shem Tov. Se trata del cuento titulado "Un lugar en el bosque".

Baal Shem Tov era conocido dentro de su comunidad porque todos decían que él era un hombre tan piadoso, tan bondadoso, tan casto y tan puro que Dios escuchaba sus palabras cuando él hablaba.
Se había hecho una tradición en este pueblo:

Todos los que tenían un deseo insatisfecho o necesitaba algo que no habían podido conseguir iban a ver al rabino. Baal Shem Tov se reunía con ellos una vez por año, en un día especial que él elegía. Y los llevaba a todos juntos a un lugar único, que él conocía, en medio del bosque. Y una vez allí, cuenta la leyenda, que Baal Shem Tov armaba con ramas y hojas un fuego de una manera muy particular y muy hermosa, y entonaba después una oración en voz muy baja... como si fuera para él mismo.

Y dicen... que a Dios le gustaban tanto esas palabras que Baal Shem Tov decía, se fascinaba tanto con el fuego armado de esa manera, quería tanto a esa reunión de gente en ese lugar del bosque... que no podía resistir el pedido de Baal Shem Tov y concedía los deseos de todas las personas que ahí estaban.
Cuando el rabino murió, la gente se dio cuenta de que nadie sabía las palabras que Baal Shem Tov decía cuando iban todos juntos a pedir algo...

Pero conocían el lugar en el bosque. Sabían cómo armar el fuego. Una vez al año, siguiendo la tradición de Baal Shem Tov había instituido, todos los que tenían necesidades y deseos insatisfechos se reunían en ese mismo lugar en el bosque, prendían el fuego de la manera en que habían aprendido del viejo rabino, y como no conocían las palabras cantaban cualquier canción o recitaban un salmo, o sólo se miraban y hablaban de cualquier cosa en ese mismo lugar alrededor del fuego. Y dicen... que Dios gustaba tanto del fuego encendido, gustaba tanto de ese lugar en el bosque y de esa gente reunida... que aunque nadie decía las palabras adecuadas, igual concedía los deseos a todos los que ahí estaban.

El tiempo ha pasado y de generación en generación la sabiduría se ha ido perdiendo...
Y aquí estamos nosotros.
Nosotros no sabemos cuál es el lugar en el bosque.
No sabemos cuáles son las palabras.
Ni siquiera sabemos cómo encender el fuego a la manera que Baal Shem Tov lo hacía...
Sin embargo hay algo que sí sabemos:
Sabemos esta historia.
Sabemos este cuento...

Y dicen... que Dios adora tanto este cuento...que le gusta tanto esta historia...que basta que alguien la cuente...y que alguien la escuche...para que Él, complacido, satisfaga cualquier necesidad y conceda cualquier deseo a todos los que están compartiendo este momento...
Amén... (Así sea...)

Trish Keenan descanse en paz fallecida el pasado 14 de enero, en su honor va este vídeo de su grupo Broadcast:

Arte Callejero

2011-01-02T17:19:00.001+01:00

El graffiti cuyo origen se encuentra ya en el lejano mundo del Imperio Romano y que lleva acompañando al hombre desde los tiempos de las cabernas en la lprehistoria, llegó a su máxima expresión con el mundo del RAP que transformó y adaptó, en principio como medio identitario y de reveldía a mediados de los años 80 y que desde mediados del los años 90 se ha transformado en el "street art" o, de forma más específica, Post-Graffiti.

El término "Arte callejero se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso graffiti.

El uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París, en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del personaje de circo Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

Nunca me dejará de sorprender la capacidad creativa de la gente. En esta ocasión, plasmada a través del proyecto 6emeia llevado a cabo por los artistas Leonardo Delafuente y Anderson Augusto, en el que le dan un nuevo aspecto a las alcantarillas de su ciudad (Sao Paulo) y una de sus creaciones la podéis apreciar en esa maravillosa alcantarilla fumadora.

Este otro engendro viene de New York y es un homenaje pixelado a la informática del creador Kelly Goeller.

Por desgracia la mayoría de estas propuestas quedan algunas veces en el anonimato como estas graciosas y ágiles cebras que encontré en las calles de París y podés apreciar a la izquierda.

Uno de los más afados artistas callejeros es el británico Banksy, provocador nato, con un sentido del humor muy particular y siempre crítico con la sociedad. Aquí os dejo algunos ejemplos realmente encantadores como esta señorita de la limpiza o los polis dándose un "delicado" beso.

No podía por menos que hacer alguna mención a mi ciudad natal y de residencia -Zaragoza-, así que ahí va un maravilloso ejemplo que se encuentra en uno de los barrios más creativos de la ciudad, "La Magdalena". Se trata de un Mural realizado por Skount y Laguna para el 5º festival de arte urbano en el Coso bajo, un mural con una factura llena de imaginación y muy cercano al surrealismo, una propuesta llena de originalidad.

Ya sabéis que me gusta poner siempre una nota de color musical a mis intervenciones en este foro, así que ahí van mis propuestas. La primera va ser mi pequeño homenaje a, quien fuera durante largo tiempo compañero y amigo de danazas radiofónicas, Germán Larone -músico y locutor visionario del RAP zaragozano, tristemente desaparecido-, el video elegido es de uno de sus últimos proyectos musicales llamado Misión Hispana y un ejemplo de tolerancia real y no sólo de un "bien quedar" social, educado y lleno de hipocresía. Aquí va "El son del Americano".

Y para finalizar voy a hacerlo con, también, un tema lleno de positividad del italiano Lorenzo Jovanotti Cherubini y el tema "Penso positivo". ¡¡Feliz año nuevo a todos!!.

Calidad y cantidad

2010-12-20T08:57:00.002+01:00

“No se enamoró de ella, sino de su sombra. La iba a visitar al alba, cuando su amada era más larga”, este es tan sólo uno de los dardos titulado precisamente "calidad y cancantiad" que presenta el prestidigitador, psicomago, director de cine y creador incansable Alejandro Jodorowsky en su libro "El tesoro de la sombra"

y que publicó en 2003.

Los textos, todos cortos, son de temas variados, hablando de la naturaleza humana, filosofando un poco y narrando elementos fantásticos; "El tesoro de la sombra"es la suma de dos libros, el que le da título y “El paso del ganso” e introducen al lector en más 200 relatos “breves”, que no por tales son menos densos y peligrosos.

Una invitación a la reflexión y ese ejercicio tan "peligroso" del bien pensar.

“Un yesero carga un Cristo para llevarlo a una iglesia. Ve que a su paso por la calle los ciudadanos se prosternan. Cree que es un homenaje dedicado a su persona. Se siente divino. Quiebra la escultura y abre los brazos. No comprende por qué lo apedrean” (Delirio de Grandeza).

"Un arquero quiso cazar a la luna. Noche tras noche, sin descansar, lanzó sus flechas hacia el astro. Los vecinos comenzaron a burlarse de él. Inmutable, siguió lanzando sus flechas. Nunca cazó la luna, pero se convirtió en el mejor arquero del mundo" (Ideal loco).

La anécdota musical, no va ser otra que un homenaje celta a Led Zeppelin, con esta versión de "Escalera hacia el cielo" y una versión realizada por Jacky Mouliere del clásico de los Beatles "She Loves You" y que cantan como "Elle táime".

Navidad

2010-12-02T20:03:00.004+01:00

Se acerca la Navidad (del latín navitas "nacimiento") y quería mandar un "Chirstamas" a todo aquel que tenga la amabilidad de entrar en estea pequeñona abadía.

La Navidad no fue oficialmente reconocida hasta el año 345, cuando por influencia de San Juan Crisóstomo y San Gregorio Nacianzeno se proclamó el 25 de diciembre como fecha de la Natividad.

Una fiesta Cristiana en la que los buenos deseos imperan y que actualmente parecen prevalecer más los crterios comerciales, pareciendo marcar el calendario festivo las luces y anuncios de los grandes almacenes de turno más que el simbolismo auténtico de las fiestas.

Festividad de origen pagano y que ya celebraban los romanos bajo el nombre de "Natalis Solis Invicti" -Nacimiento del sol invicto-, asociada al dios Apolo,el 25 de diciembre, así como el festival de Sturnalia, en honor a Saturno que duraba cerca de siete días e incluía el solsticio de invierno. Por esta celebración los romanos posponían todos los negocios y guerras, había intercambio de regalos, y liberaban temporalmente a sus esclavos. Tales tradiciones se asemejan a las actuales tradiciones de Navidad y se utilizaron para establecer un acoplamiento entre los dos días de fiesta.

También los pueblos germánicos y eslavos tenían sus estividades coincidentes con el solsticio de invierno, y así el 26 de diciembre celebraban el nacimiento de Frey (hijo de Njörðr y el hermano de Freyja, dios del sol naciente o diosa de la prosperidad), en las que adornaban un árbol perenne - ¿les suena eso de adornar un pino o abeto?- que representaba a Yggdrassil o árbol del Universo.

En el continente americano también seguían sus celebraciones y así los mexicas celebraban el advenimiento de Huitzilopochtli (dios Azteca del Sol y la guerra) y los Incas celebraban el renacimiento de Inti (dios del Sol y el ancestro de los Incas) en la fiesta de Cápac Raymi o Fiesta del sol poderoso.

Éstos son, tan sólo unos ejemplos de "coincidencias" festivas al rededor del mundo y otras culturas y que, a buen seguro, usted estimado y avispado lector podría muy ampliar.

Así que seamos humildes, reconozcamos nuestra poca originalidad y esta extraña unión intercultural que hace tan pequeña y tan semejante a la humanidad, un saludo fraterno a todos, apartemos las aparentes diferencias culturales y démonos un gran abrazo universal en estos oscuros días de crisis que se ciernen sobre nosotros.

Para finalizar como no podía ser de otra manera, lo vamos a hacer con música, en primer lugar un ecléctico villancico de la mano de Ringo Star y un tema titulado "Pax Um Biscum" perteneciente a un hermoso disco titulado "I wanna be Sanata Claus", en el que se felicita las navidades o más bien desea la paz en difernetes idiomas (iglés, español, sánscrito, latín, ebreo y árabe entre otros).

Otro gran disco de villancicos es "A Christmas Gift For You - from Phil Spector" del que he selecionado "Christmas" interpretado por Darlene Love.

Y para finalizar no podía por menos que hacerlo con mis adorados XTC y su alterego naviño The Three Wise Men el tema es "Thanks for Christmas" y con el que quiero daros las gracias a todos por entrar en esta pequeña abadía a lo largo de este año.

Premio de Pintura “Delegación del Gobierno en Aragón”

2010-11-16T22:14:00.002+01:00

En su novena edición, ahora convertido en bianual, el Premio de Pintura “Delegación del Gobierno en Aragón” ha realizado la selección de 28 artistas de entre los más de 100 presentados. Tengo el honor de estar incluído entre los mismos con la obra titulada "Subterráneo", inspirada en el metro de París y que podéis apreciar a la izquierda en tonos azules. El certamen ha dado por vencedora a la artista María José Laplana con la obra "Humedad en el aire" en la que aparecen unos niños en una tierna escena de verano.

La exposición en Zaragoza tendrá lugar del 14 de abril hasta el 22 de mayo de 2011 y se celebrará en el Museo Ibercaja Camón Aznar. Circulará por la Comunidad Autónoma de Aragón (España) inaugurándose en la localidad de Alcañiz -Sala de Exposiciones Ibercaja- el 16 de diciembre, donde permanecerá hasta el 31 de enero de 2011, pasando posteriormente a Huesca en el Palacio de Villahermosa de Ibercaja entre los meses de febrero y marzo.

Salud y larga vida al ARTE.

Sufismo o el camino del amor

2010-11-11T22:09:00.002+01:00

En esta ocasión querría hacer una pequeña incursión en el movimiento sufí -camino del corazón o del amor-. Es un modo de experimentar la vida y el universo como un todo, respondiendo a un plan Único, de acuerdo a unas Leyes Universales o Fundamentales, un acercamiento amoroso a la realidad. Personas incómodas dentro del mundo islámico que son perseguidas y asesinadas, el mundo de la luz frente al de la oscuridad -una historia tan vieja como la humanidad-..

La literatura sufí, compuesta en su mayría por cuentos y poemas, sigue la tradición Bíblica judeo-cristiana avanzada en el "Cantar de los cantares". Dentro de la tradición Judía lo encontramos en los cuentos jasídicaos, por ejemplo, y en la Cristiana con los grandes poetas místicos como Juan de la Cruz o Teresa de Ávila. Una gran oda al amor, amor a lo espiritual, un enamoramiento similar al carnal. Se puede estar toda la vida buscándolo y no aparecer y cuando lo hace se produce el éxtasis.

No es mi intención profundizar sobre el tema en este momento; tan sólo unas pinceladas son las que quería transmitir y qué mejor que hacerlo con algunos poemas del gran maestro otomano del siglo XII Mohamemmad Djalâl ud-Din Rûmi o símplemente Jalaludín Rumí:

“Ningún enamorado llega a su amante

si el amante no le desea.
Sólo el mismo amor que dobla en dos al enamorado

da gozo y felicidad al bien amado.
Si sientes esta gracia del amor,

no dudes que esta gracia viene también de él.”

"Cuando estoy contigo, estamos despiertos toda la noche
Cuando no estas, no puedo dormir
¡Que Dios bendiga estas dos insomnias!
y la diferencia entre ellas"

"Durante años, copiando a los demás, traté de conocerme
Desde dentro no podía decidir que hacer
Incapaz de ver, escuche mi nombre
Luego, salí afuera"

Y de lo divino vamos a lo humano y profano. Me quiero despedir con música, pero debido a la temática tratada, no podía por menos que hacerlo con algo un tanto especial. Se trata de un compositor de música "clásica contemporánea"; el neoyorkino Steve Reich, uno de los máximos creadores de la música conocida como minimalista, caracterizada por un uso de las frases rítmicas a modo de pequeños mantras que parecen repetirse hasta el infinito. Dentro del mundo anglosajón tiene una gran relevancia al ser considerado como uno de los grandes compositores del siglo XX. Se trata de la composición "Music for mallet instruments, voices and organ" del año 1973.

La cuarta dimensión.

2010-10-25T00:26:00.001+02:00

"Corpus hipercubicus", un cuadro fascinante de don Salvador Dalí y que él mismo definió como "un sensacional cuadro, un Cristo explosivo, nuclear e hipercúbico, un trabajo metafísico...".

Es un cuadro de 1954 y se encuentra expuesto en el MOMA de New York.

Sin duda es uno de los trabajos de su experimentación clásica trascendental más elaborados y uno de mis cuadros favoritos - de su etapa mística, quizás por mi "deformación" cientifica-. En él, un Cristo demasiado humanizado (como el pintado en 1951), sin heridas, ni sangre, siguiendo la ley renacentista de la Divina Protección, los supuestos clavos se observan en forma de pequeños cubos, equidistantes entre sí y flotando, la cabeza del mártir se encuentra dirigida hacia la izquierda con cierta hiperextensión.

Abajo, mirando fijamente, Gala, expectante, con un tratamiento del ropaje y de la luz que muy bien podría recordar a pintores clásicos como Zurbarán o Murillo.

La composición de la cruz, sus cubos, la posición del Cristo -desplazado para que la sombra se situe en el centro- y los demás elementos parecen querer ir un paso más allá que en el cuadro " El Cristo de San juan de la Cruz" que pintara tres años antes -se encuentra expuesto en la Art gallery, Glasgow- en el que Dalí se inspira en un dibujo que el místico español realizó basado en una de sus visiones. Ésta cobra un aspecto inmaterial y ultra-terrestre queriendo unir ciencia, religión y arte con un resultado verdaderamente magistral, un Cristo que trasciende la tridimensionalidad humana adentrándose en la cuarta dimensión (en física el tiempo y en matemática espacio euclídeo).

Para todos aquellos que no estéis familiarizados con las matemáticas aquí os dejo una pequeña explicación. Geométricamente, un hipercubo o teseracto se constituye en una figura formada por dos cubos tridimensionales desplazados en un cuarto eje dimensional -hablando pronto y mal, un cubo expresado en 4 dimensiones, 8 caras cúbicas de 24 cuadrados-, inimaginable para cualquiera que no esté familiarizado con las matemáticas avanzadas.

Su desarrollo tridimensional puede observarse en éste cuadro cuya estructura básica -la cruz-, se constituye por 8 cubos unidos por sus caras, suspendida en el espacio.

Solomon Burke

2010-10-11T14:16:00.001+02:00

Se nos fue este gran artista del alma. El soul cada vez se está quedando con menos alma, descanse en paz Solomon. Un ataque repentino al corazón se lo llevó a los 70 años mientras viajaba en avión, su último viaje, nos dejó afortuandamente un puñado de grandes canciones en sus más de 30 albunes.

!Viva por siempre Solomon¡

Arthur Rimbaud

2010-10-11T00:41:00.000+02:00

Ángel o demonio, indudablemente un genio absolutamente inclasificable de la literatura y concretamente de la poesía. Confesos seguidores y declaradamente influenciados por el poeta son Pierre Paolo Passolini en el cine o Patti Smith, Jim Morrison en la música. El mismo Van Morrison compuso el tema "Tore Down A La Rimbaud".

El movimiento surrelaista a través, en especial, de A. Bretón y a partir de las lecturas de "Iluminaciones" y "Una temporada en el infierno" se apreciarán algunas de las influencias que recibieron de éste el grupo surrealista francés.

Vaya desde aquí este pequeño recuerdo para A. Rimbaud.

Sensación

"Iré, cuando la tarde cante, azul, en verano,
herido por el trigo, a pisar la pradera;
soñador, sentiré su frescor en mis plantas
y dejaré que el viento me bañe la cabeza.

Sin hablar, sin pensar, iré por los senderos:
pero el amor sin límites me crecerá en el alma.
Me iré lejos, dichoso, como con una chica,
por los campos , tan lejos como el gitano vaga."

Primera velada

"Desnuda, casi desnuda;
y los árboles cotillas
a la ventana arrimaban,
pícaros, su fronda pícara.

Asentada en mi sillón,
desnuda, juntó las manos.
Y en el suelo, trepidaban,
de gusto, sus pies, tan parvos.

-Vi cómo, color de cera,
un rayo con luz de fronda
revolaba por su risa
y su pecho -en la flor, mosca ,

-Besé sus finos tobillos.
Y estalló en risa, tan suave,
risa hermosa de cristal.
desgranada en claros trinos...

Bajo el camisón, sus pies
-¡Basta, basta!» -se escondieron.
-¡La risa, falso castigo
del primer atrevimiento!

Trémulos, pobres, sus ojos
mis labios besaron, suaves:
-Echó, cursi, su cabeza
hacia atrás: «Mejor, si cabe...!

Caballero, dos palabras...»»
-Se tragó lo que faltaba
con un beso que le hizo
reírse... ¡qué a gusto estaba!

-Desnuda, casi desnuda;
y los árboles cotillas
a la ventana asomaban,
pícaros, su fronda pícara."

Como momento musical especial me apetece poner al grupo Massive Attack con su album , del año 2010, "Heligoland" y concretamente el inquietante tema y no menos inquietante vídeo "Paradise Circus", un bonito nombre para un circo ¿verdad?. Siempre nos quedará el Paraíso.

Hang drum

2010-10-07T16:21:00.000+02:00

Parece que todo está inventado y afortunadamente no es así. Durante varios años los investigadores suizos Felix Rohner y Sabina Schärer estudiaron diversos instrumentos de todo el mundo como los gongs, gamelan, el ghatam, los tambores, las campanas... y llegaron en el año 2000 de manera oficial a dar a luz al Hang.

El hang drum es un instrumento de percusión armónico y melodioso que irradia una magia especial como consecuencia de la resonancia que en su interior produce el sonido en aire al ser percutido en esas mebranas metálicas que se aprecian en la fotografía.

Artistas que han grabado con este instrumento son por ejemplo, Bahnu, Randy Granger, Morgan Doctor o Joshua Samson por ejemplo.

Lo mejor es escucharlo así que ahí van algunos ejemplos.

Este es Dante Bucci con el tema "fanfare", video en el que se puede apreciar como toca este novedoso instrumento.

Otro ejemplo es éste en el que se mezclan intrumentos del siglo XXI y otros ancestrales del continente austtraliano eldidgeridoo. Un ejemplo maravilloso de fusión del pasado más remoto de la edad de piedra y la última tecnología de la civiliazación occidental de la mano de Wadhom y el tema "au brio".

Pierre Henry

2010-09-23T13:15:00.002+02:00

Pierre Henry es uno de los creadores de la música concreta -consistente en grabar o generar en cinta magnetofónica originalmenta, ahora sintetizadores y ordenadores, sonidos de cualquier índole, ruidos concretos y procesados electrónicamente para crear música- junto con Pierre Schaffer en 1948.

Músico excéntrico y que para todos aqullos que ya tengáis una edad podéis encontrarlo en sintonías de programas (españoles) como por ejemplo "Estudio Abierto" de José María Íñigo o en programas más recientes y ya de manera internacional como la serie de dibujos "Futurama".

Es precisamente el tema "Psyché Rock" el tema con el que vamos a empezar el recuerdo de este artista, tema que se utilizó en el programa señalado de don José María Íñigo como sintonía y posteriormente con ligeros cambios en la serie "Futurama" y que artistas como Fatboy Slim también ha remezclado de manera muy acertada.

Otro gran tema es el titulado "Tintonic", lleno de sensaciones groove y por supuesto de evocaciones sicodélicas propias de la época

Para finalizar esta incursión lo vamos a hacer con otro temazo "Too Fortiche", grabado en esta ocasión con otro gran artista llamado Michael Colombier.

Todos estos temas los podéis encontrar en un album realmente maravilloso de 1968 titulado "Mass for the Present Time". Otros álbunes destacdos son "Cremony" sacado en 1970 junto a Spooky Tooth, éste de tintes más progresivos y oscuros. Y si lo vuestro es la línea dura de la música concreta quizás no podáis resistiros al album de 1973 "Machine Dance".

Nadaduría

2010-09-15T16:45:00.000+02:00

(A Amor)

Aquella bañista que lucía una estrella de mar tatuada en el omoplato derecho, mientras nadaba a braza - y llevaba ya un buen rato subiendo y bajando rítmicamente sobre el cuerpo desnudo del agua, disfrutando de sus caricias- sintió un dulce estremecimiento en un eslabón inconcreto de su médula espinal. Luego, unos cuantos largos después, le sobrevino otro, que tuvo algo de pequeño movimiento sísmico interior; otro un poco más tarde, todavía más intenso que los anteriores; y, por último, apenas unas brazadas después, otro mucho mayor que le abrasó la espalda hasta fundirse con el calor que inundaba todo su cuerpo y que le obligó, de puro extenuada e incapaz de asimilar tanto placer, a detenerse junto a la corchera, agarrarse a ella, y permanecer allí, a unos metros de la orilla, enajenada de sí e inmóvil, como una sirena varada.

Autor nadaduría: Ángel Ortín, Dibujo: Juan Luis Borra

Sachiko Kodama

2010-08-16T21:35:00.001+02:00

El arte de lo efímero es lo que confecciona esta artista, ciencia y tecnología al servicio del arte con unos resultados espectaculares.

Esta artista japonesa utiliza para la confección de estas ersculturas dinámicas y efímeras las características magnéticas especiales de los ferrofluidos (seguramente Salvador Dalí se llevaría las manos a la cabeza quien ya dijo en una ocasión sobre Calder "...los cornudos que adjudicaron el premio de escultura a Calder. ¡Ni tan siquiera ha sido dadaísta, pero así lo creyeron todos, y nadie pensó en decirle que lo menos que puede exigirse de una escultura es que no se mueva! - del libro "los cornudos del viejo arte moderno-").

A través de un sistema informático, la artista controla la fuerza de estos campos magnéticos para graduar con precisión la respuesta del líquido.

Un ferrofluido es un material líquido que se polariza bajo la presencia de campos magnéticos. Éstos se componen de minúsculas partículas ferromagnéticas suspendidas en un fluido emulgente, que comúnmente es una solución orgánica.Estas nanopartículas no muestran ferromagnetismo, pues no retienen su magnetización cuando se interrumpe el campo magnético aplicado de manera externa.

Los ferrofluidos se comportan de formas muy extrañas bajo la acción de los campos magnéticos y Sachiko Kodama ha sacado partido a estas características.

Su trabajo es un ejemplo de cómo la investigación científica puede expandir el vocabulario expresivo de los artistas hoy.

"Morpho towers" , es el trabajo que se nos presenta en el siguiente vídeo. Con todos ustedes Sachiko Kodama:

Fela en New York

2010-07-31T19:19:00.005+02:00

La incombustible New York -la ciudad que nunca duerme, y doy fe de ello-, en mi última y, de momento, única incursión por la misma me ofreció, entre otros, un hermoso regalo ¡un espectáculo en Broadway sobre Fela Kuti!. Una vida azarosa la de este artista que intentaré brevemente reproducir en lo que siempre será una incompleta síntesis.

Fela Anikulapo Kuti (1938-1997), nigeriano de nacimiento cuya madre Funmilayo Ransome Kuti -activista feminista y perteneciente al movimiento anticolonialista- tuvo una influencia decisiva en su reveldía. Multiinstrumentista, cantante, compositor y creador del "Afrobeat" (síntesis de la música del oeste africana y del jazz).

En 1958 Kuti se mudó a Londres para estudiar Medicina pero cambió de planes y se anotó en el Trinity College of Music. Una vez comenzados sus estudios musicales formó una banda llamada Koola Lobitos, en 1961 Fela se casó con su primera esposa, Remilekun (Remi) Taylor, . En 1963 Fela se mudó a Nigeria y volvió a formar la disuelta banda Koola Lobitos, mientras que comenzó a trabajar como productor radial. En 1969 Fela llevó a la banda a Estados Unidos, en donde descubrió al movimiento Poder Negro y al Partido de los Panteras Negras lo que influenció radicalmente en su música y en su visión política; rebautizó a su banda como Nigeria 70. Debido a su activismo, la oficina de inmigración de Estados Unidos comenzó los trámites de deportación por lo que Fela Kuti y su banda, rebautizada Africa'70 -No deja de ser una pardoja que el país que deportó a Fela le rinda homenaje y pleitesía en Brodway, los tiempos cambian-.

Regresaron a Nigeria y fundó Kalakuta Republic, desafiando al poder establecido en Nigeria, cooperativa que "naturalmente acabó siendo asaltada. La policía intentó involucrarlo en un asunto de drogas poniendo marihuana en sus ropas, fue encarcelado pero cuando le hicieron el análisis fecal logró darle a la policía las heces de otro detenido que no había consumido drogas y logró salir de prisión; tema que quedó inmortalizado para siempre con la edición de un disco en el que quedó grabado para siempre: "Expensive shit" (‘mierda carísima’).

En 1978 Fela se casó con 27 mujeres, muchas de ellas cantantes y bailarinas, conmemorando el aniversario del ataque a Kalakuta Republic, asalto que por supuesto dió lugar al glorioso disco "Zombie" un ataque directo a los soldados nigerianos, utilizando el término zombie para referirse metafóricamente a los métodos del ejército. El disco fue tan exitoso que el gobierno lanzó diversos ataques en contra de la banda, con redadas y ataques armados a la cooperativa Kalakuta Republic; en uno de ellos, 1.000 soldados atacaron la cooperativa y Fela fue herido gravemente y su abuela de 82 años fue lanzada por una ventana, lo que le ocasionó la muerte. El estudio fue destruido totalmente y allí también desaparecieron cientos de grabaciones originales.

Formó su propio partido político, al cual llamó "Movimiento del pueblo" y en 1979 se postuló para presidente, tema que también le sirvió para fabricar la gloriosa canción "Black president".

Todas estas anécdotas y muchas más quedan plasmadas de manera realmente magistral en el musical "Fela" de Broadway y que si tenéis oportunidad no debéis perderos, el musical que se ofrece en el Eugine O'Neill Theatre, no tiene desperdicio y ha sido considerado como el mejor musical del pasado año 2009.

Aquí os pongo un pequeño aperitivo de lo que allí se ofrece.

Y por supuesto no podía faltar el original, aquí está el grandioso y auténtico Fela en plena forma en 1971.

Una noche de verano

2010-07-05T16:20:00.001+02:00

El verano llegó y con él el dulce calor, los amores incandescentes, la alegría de vivir y para muchos las ansiadas vacaciones.

NOCHE DE VERANO

"Pulsas, palpas el cuerpo de la noche,
verano que te bañas en los ríos,
soplo en el que se ahogan las estrellas,
aliento de una boca,
de unos labios de tierra.

Tierra de labios, boca
donde un infierno agónico jadea,
labios en donde el cielo llueve
y el agua canta y nacen paraísos.

Se incendia el árbol de la noche
y sus astillas son estrellas,
son pupilas, son pájaros.
Fluyen ríos sonámbulos.
Lenguas de sal incandescente
contra una playa oscura.

Todo respira, vive, fluye:
la luz en su temblor,
el ojo en el espacio,
el corazón en su latido,
la noche en su infinito.

Un nacimiento oscuro, sin orillas,
nace en la noche de verano,
en tu pupila nace todo el cielo."

(Octavio Paz)

Historias breves, como esos efímeros y tórridos amores adolescentes del verano, son las que vamos a incluir en unos grandes cortos de animación. Como por ejemplo esta película animada de Louis Clichy, que con la excusa de una hermosa canción de Edit Piaf "A qois ça sert l'amour?" (¿para qué sirve el amor?). nos invita a un precioso viaje imaginario a través de las calles de París. Un tierno corto lleno de encanto y sentido del humor.

Otro ejemplo lleno de imagianción es este corto de Mike Dacko con un exótico fondo musical de la mano de los fantásticos estadounidenses Thiervery Corporation y una una pequeña historia que narra el viaje de unas intrépidas gotitas de cera.

Para finalizar esta incursión veraniega, no podemos por menos que hacerlo con una historia de amor, sí pero una historia un tanto particular, se trata de un ventilador. Una histaria desarrollada en un tórrido día veraniego neoyorkino, la música nos la brinda Krakatoa, el título del corto es Fan (a love history).

Martínez Tendero

2010-07-02T10:07:00.000+02:00

José María Martínez Tendero (Albacete 1947), zaragozano de adopción desde 1970, pintor que se interesa por el impresionismo y posteriormente por el hiperrealismo. Muchos han calificado su trabajo en ocasiones de "fantasía surrealista caracterizada por su plasticidad", y en otras, de "íntima, con colores suaves, densa, pero de gran coherencia, donde el ritmo cruzado de las líneas aporta aún mayor delicadeza al conjunto".

Tiene desde el pasado 12 de mayo y hasta el 18 de julio una exposición retrospectiva, en el Palacio de Sástago de Zaragoza, de su obra que abarca desde la abastración, su transición al hiperrealismo y esa figuración urbana mágica que caracteriza sus últimas obras. Una exposición verdaderamente imprescindible en la que, hasta el ojo poco avezado en las técnicas pictóricas, puede descubrir el magistral uso de la "veladura" o "el pincel seco", con uso del dibujo verdaderamente impecable. Fuerza y sutileza en un equilibrio mayestático en una exposición imprescindible.

Un sueño 4

City 4

Espacio creación

Psicodelia, la gran desconocida

2010-06-25T17:54:00.003+02:00

Vamos a rescatar canciones llenas de exotisnmo lisérgico que pasaron prácticamente desapercibidas en los albores de esa maravillosa erupción volcánica, llena de creatividad que supuso la década de los años 60.

Para ello vamos a comenzar con un grupo llamado 101 Strings Band, proyecto formado por Jerry Cole -guitarrista de surf procedente de la banda "The Animated Egg"- que decidió pasarse a la psicodelia-lounge de la mano de un maravilloso disco titulado "Astro-Sounds from Beyond the Year 2000". He querido seleccionar una canción representativa de ese exotismo que he mencionado al comienzo del "post", se trata del tema "Karma sitar", todo un jugoso pastelito relleno de pistachos babilónicos y jugosa miel procedente de la región de Cachemira, con el instrumento mágico, para mi, por excelencia, el sitar.

Una colección maravillosa, llena de sitares -influencia clara de los Beatles, por el gusto de Harrison por dicho instrumento a través de su amigo Ravi Shankar-, es la colección de 9 volúmenes titulada Electric Psychedelic Sitar Headswuirlers. De ésta, en el volumen 5 dedicado a la voz femenina, he selecionado del grupo Saffron el tema "Vision is a Loneley world".

Para finalizar lo quiero hacer con un poquito más de "marcha", y para ello qué mejor que un poquito de garage-psicodélico, con The Hallmarks y su "Soul Shakin Psychedelic Sally"

Namasté.

Exposición en la ASOCIACION CULTURAL YEMAYA

2010-06-18T18:59:00.002+02:00

El pasado día 12 de junio se inauguró la Exposición colectiva de la Asociación de artistas plásticos GOYA de Aragón en la Sala de exposiciones de la Asociación Cultural Yemayá sitta en el madrileño barrio de La Latina, Calle Calatrava nº 16. En ella podréis ver diversas obras en pequeño formato de varios artistas de la Asociacion Goya, entre los que me incluyo, y estará hasta el próximo 30 de junio.

París Toma 0 (Juan Luis Borra)

Bisou (Juan Luis Borra)

Litografía (Reiner Izquierdo)

Nadadurías (Ángel Ortín Pascual)

2010-06-15T23:51:00.000+02:00

"La reverberación del agua juega con el dibujo simétrico y racional del fondo de la piscina igual que las drogas psicodélicas con la mente de quien las toma."

"Meterse poco a poco en al agua azul de la piscina, entrando en ella vertical y sintiendo la temperatura amable del cuerpo líquido que nos acoge, recuerda ese momento primero al hacer el amor en el que los miembros de la pareja se fusionan para convertirse en un ser único y bicéfalo, ese dejar de ser dos para bracear acompasados en un mar de caricias y oleaje tranquilo al margen del paso del tiempo, a los que el dulce cansancio, el placer compartido y, sobre todo, el milagro del orgasmo les hará creerse, por un momento, inmortales."

SHULMAN: Small Grey Creatures

"La encontré en una calle de la piscina.
La seguí, a cierta distancia, durante unos cuantos largos.
Me gustaba su forma de nadar.
Cuando el reloj del fondo marcaba casi la una del mediodía, se metió en un portal, cogió el ascensor, y desapareció de mi vida para siempre."

Marscape1 / Psychedelic Zen Guitar - Aqua.

Antonio Muñoz Legrain

2010-06-05T18:54:00.000+02:00

Antonio Muñoz Legraín (Valencia 1840 - Málaga 1924) desconocido por el gran público, este pintor valenciano de nacimiento y malagueño de adopción merece ser recordado como es debido. Inicia, por decisión paterna, estudios de arquitectura, pero pronto emprenderá su aprendizaje artístico, estudiando en la Academia de San Carlos, especializándose en el paisaje. Su estilo se podría calificar como ecléctico, una mezcla de romanticismo tardío, impresionismo y modernismo.

Se traslada a Málaga, instalándose en la ciudad andaluza donde será maestro de Picasso. Trata los temas con gran imaginación y ciertas implicaciones simbolistas. Al final de su vida, pinta con pinceladas cortas y vivas, de un cierto impresionismo tardío. En 1884 realizará su obra maestra, "Los Amantes de Teruel" . Desde 1898 ocupa la cátedra de paisaje de la Academia de San Fernando, hasta su fallecimiento en Málaga en 1924.

Muñoz Legraín, un artista de los que podríamos calificar como "modestos", imprescindibles y sin los cuales los genios no podrían existir.

En Zaragoza podéis ver un hermoso cuadro del autor en el que unas señoritas recitan un examen ante un jurado en un ambiente "brumoso" o mejor dicho "penumbroso", con unos tonos verdes-esmeralda, un cuadro lleno de delicadeza y del que me enamoré a primera vista que se encuentra en el museo provincial de la ciudad y al que os invito a que realicéis una visita, así mismo si mal no recuerdo en el museo Camón Aznar también se puede contemplar algún paisaje.

El Líbano desde el mar (1909)

Un rincón de Valencia (1914)

La gruta de los profetas (1912)

Los amantes de Teruel

El coloso de Rodas

Concurso de pintura Francisco Pradilla

2010-05-16T01:40:00.001+02:00

Seleccionado en el concurso de pintura señalado, puede contemplarse la exposición colectiva correspondiente al mismo del 15 al 30 de mayo en la sala de exposiciones "Francisco Pradilla" del Centro Cultural Unión Villanovense de Villa Nueva de Gállego (Zaragoza) con la obra "Evanescencia". Obra intimista y onírica sobre la contemplación descarnada de una realidad incómoda.

"Clara fuente de luz, nuevo y hermoso.

rico de luminarias, patrio Cielo,

casa de la verdad sin sombra o velo,

de inteligencias ledo, almo reposo:

¡o cómo allá te estás, cuerpo glorioso,

tan lejos del mortal caduco velo,

casi un Argos divino alzado vuelo

de nuestro humano error libre y piadoso!

¡Oh patria amada!, a ti sospira y llora

esta en su cárcel alma peregrina,

llevada errando de uno a otro instante;

esa cierta beldad que enamora,

suerte y sazón me otorgue tan benina

que, do sube el amor, llegue el amante. "

Poema de Francisco Aldan (1537-1578), extraído del libro Antología de poesía mística española de Antonio Fernández Molina , editado por Libros del Innombrable

Greensleeves

2010-05-01T20:07:00.001+02:00

El primer recuerdo que tengo de "Greensleeves" procede de mi tierna infancia y está inevitablemente unido al Western y esa gran superproducción titulada "La Conquista de Oeste" entre cuyos directores se encontraba el gran Jhon Ford .

Una canción y melodía tradicional del folklore inglés y que la leyenda, muy extendida, asegura que fue compuesta por el Rey Enrique VIII de Inglaterra (1491-1547) para su amante y futura reina consorte Ana Bolena. Ana, que era la hija más joven de Tomás Bolena, primer conde de Wiltshire, rechazaba los intentos de Enrique de seducirla. A este rechazo aparentemente se alude en la canción, cuando el autor escribe «cast me off discourteously» («me repudias descortésmente»).

He querido rendir un pequeño homenaje a este gran tema que tantas, grandes y variadas versiones a dado. Desde el Jazz (John Coltrain), la psicodelia The Lords o James Last), el surf (The Trsashmen) o el folk , "Greensleeves" siempre estará en mi corazón.

Aquí van algunas muestras y en primer lugar voy a hacerlo con Adagio Trio, una versión clásica con dos instrumentos asociados a las hadas y el mundo mágico como son el harpa y la flauta.

A continuación una magnífica versión de la mano de John Coltrain, un poquito de Jazz.

La versión que viene a continuación es una irreverente incursión en el pop sicodélico de la mano de The Lords.

Y para finalizar me apetece hacerlo con mi rubia favorita, Olivia Newton John.

Os invito a que sigais buscando versiones, algunas pistas ya he dado al comienzo del post. ¡Viva las grandes canciones, por las que nunca pasa el tiempo!

XTC

2010-04-19T12:50:00.000+02:00

Perfectas armonías, enrevesadas melodías, ritmos imposibles e inteligentes y surrealistas letras. XTC, anagrama de la palabra éxtasis en inglés (ecstasy), quizás el grupo más inteligente nacido de aquel volcán creativo de finales de los 70, el punk y rápidamente tranformado en la "Nueva Ola".

Con el irreverente cantante-compositor Andy Partridge al frente de la nave y acompañado siempre por el no menos importante Colin Moulding (los McCartney y Lennon de la New Wave). Me parecía justo hacer una referencia a esta magnífica banda que siempre me ha acompañdo y sobre todo en los agitados años de la tierna e incipiente juventud cuando todavía aletea la adolescencia y las ganas de vivir se apoderan de manera incosnciente a la experiencia que todavía está por venir.

Aquí va una de esas hermosísimas cancianes con las que nos deleitaron los XTC, "Dear God", una canción de desengaño y desesperación ante acontecimientos que nos superan y somos incapeces de entender, una canción de madurez en la evolución de la banda, una carta a Dios que todos en algún monmento de nuestra vida hemos podido escribir, si bien después las reflexiones y experiencias vitales sucesivas nos han podido llevar a otro tipo de conclusiones y reflexiones. Pero no vamos a divagar con reflexiones metafísicas, por otro lado muy interesantres sobre la existencia o no de..., aquí dejo la traducción de esta gran canción con su correspondiente vídeo.

DEAR GOD

Querido Dios, espero que recibas esta carta
... y rezo para que lo hagas mejor aquí abajo. No me refiero exactamente a que baje el precio de la cerveza. Sino a que veas a toda esa gente que hiciste a tu imagen morirse de hambre porque Dios no les envía lo suficiente para comer.
No puedo creer en ti.

Querido Dios, perdón por molestarte pero
Creo que lo que tengo que decir debe ser dicho alto y claro. Necesitamos una reducción en el número de lágrimas. Y que veas a toda esa gente que hiciste a tu imagen luchar en las calles porque no pueden ponerse de acuerdo en lo que piensan sobre Dios.
No puedo creer en ti.

¿Tú creaste la enfermedad y el diamante?
¿Tú creaste a la humanidad después de que nostros te crearamos?
¡Y también al diablo!.

Querido Dios no sé si te has dado cuenta pero...
tu nombtre está en un montón de citas del libro y nosotros los locos humanos lo escribimos. Deberías echarle un ojo. Y toda la gente que creaste a tu imagen sigue creyendo uqe tal basura es verdad. Yo sé que no y tú, querido Dios, también.

No puedo creer en. No creo en. No creeré en el cielo ni en el infierno. Ni en los santos, ni en los pecadores ni en el demonio. Ni en las puertas de perla ni en la corona de espinas.
Siempre abandonas a los humanos con las guerras que traes, con los niños que ahogas, con los que se pierden en el mar y no se encuentran. Y pasa lo mismo en todo el mundo.

Si hay algo en lo que no creo
es en tí, querido Dios.

Aquí van otros dos aperitivos, el siguiente es un grandísimo tema que muy bien podía haber sido un éxito de The Police, se trata de "This World Over" pertenciente a su album Big Express.

Para finalizar esta pequeña incursión en el mundo de esta inquietante e injustamente poco conocida banda vamos a hacerlo de la mano de uno de sus alteregos o quizás más propiamente, como decía Fernando Pessoa heterónimos. Se trata de The Dukes of Stratosphear, una magistral incursión en el mundo de la psicodelia con el tema "The Mole from the Ministry"

Delia Derbyshire

2010-04-06T20:55:00.001+02:00

Ann Delia Derbyshire (seudónimos: Harper Russe/ Li de la Russe/Li de la Red/ Doris Hays) 1937-2001. Pionera en el ámbito de la música electrónica, compositora de música concreta; experimentó con diversos sonidos para la radio, la televisión, el teatro y el cine.

Su biografía como composositora y colaboradora en diferentes proyectos es inmensa, colaboradora con la BBC, tanto en radio como en televisión, fundadora del proyecto Unit Delta Plus (organización fundada para poder crear música electrónica y promover su utilización en la radio, la televisión, el cine, el teatro y la publicidad; creada en 1966 junto con Brian Hudgson y el inventor Peter Zinovieff), componente del grupo White Noise (psicodelia futurista en el recomendadabilísimo LP An Electric Storm), y un sinfin que si estáis interesados podéis ver en el enlace de Delia.

Entre otros artistas colaboró con The Beatles en, por ejemplo, el tema experimental de "Carnival Of Light", pieza experimental inédita del grupo The Beatles; la cual fue grabada el 5 de enero de 1967 después de la grabación vocal de sonido de la canción “Penny Lane”.

Personaje inquieto, transgresor y que os invito a que buceéis en su biografía si no habías reparado en su existencia y como no hay mejor homenaje que oir y ver su trabajo aquí va una pequeña muestra y sí los años de realización y composición son los que podéis ver.

En el siguiente vídeo encontramos el tema musical realizado para la serie británica de ciencia ficción Doctor Who producida por la BBC de Londres en 1963 y que por su puesto es obra de esta excepcional y visionaria artista.

Otro ejemplo del trabajo de esta genial artista es su trabajo con White Noise del que podéis oir lel tema "Love Without Sound" compuesto en 1969 para el disco An Electric Storm.

Antonio Fernández Molina

2010-03-25T21:32:00.003+01:00

Antonio Fernández Molina (Ciudad Real, 1927 - Zaragoza,2005), poeta, pintor, crítico de arte, dramaturgo. Creador infatigable y siempre atento a cualquier manifestación artística. Supo transmitir en su obra la misma riqueza y libertad que testimoniaba en su vida diaria. Redactor jefe de la revista Despacho Literario, creada por Miguel Labordeta y secretariode redacción de la revista Papeles de Son Armadans de Camilo José Cela.

MUSSIC-HALL

Agita sus brazos

en cualquier rincón

sujetando con su manos la nada.

Mas allá

las cabezas ausentes

el humo oculta los espejos

y ríen, ríen sin consideración

dos mandíbulas africanas

y dos mejillas japonesas.

El vaivén de las largas trompetas

se aleja por la puerta entornada

hacía el fondo marino de la calle

por la que llegan hombres transparentes

y muchachas de edad incierta

con atuendos zoológicos.

Ríen los globos eléctricos

y en el rincón agita sus brazos

la dueña de los que ya se han ido

de viaje para no volver nunca.

La dueña

de los que han bajado el escalón.

Ahora son presencia.

Trailer del documental de Ester Fernández y Luis Vidal: A. F. Molina un poeta incómodo.

Alex Chilton

2010-03-18T15:28:00.000+01:00

Nos ha dejado este artista, este pequeño-gran orfebre del pop que con apenas 17 añitos ya estuvo en lo que pasaría a ser una legendaria banda, The Box Tops, y sólo sería el principio porque llegados los 70 en una maravilloso banda llamada The Big Star inventó junto con Chris Bell (el otro cantante-compositor principal de la banda) un pop enérgico lleno de esquisitas melodías que sentarían las bases de lo que luego se llamó el power pop.

Gracias Alex por habernos dejado un puñado de hermosas canciones.

"La delicia y el perfume de mi vida

es el perfume de esas horas

en que encontré y retuve el placer

tal como lo deseaba.

Delicias y perfumes de mi vida,

para mi que odié

los goces y los amores rutinarios"

(Konatantino Kavafis)

Aquí dejo un par de vídeos, el primero con una canción realmente emblemática de los Box Tops, todo un clásico "The Later" y el segundo una deliciosa canción de los Big Star titulada "Lady Sweet".

Las 100 vistas de ...

2010-03-12T09:40:00.000+01:00

Katsushika Hokusai sacó una delicada obra de orfebrería con forma de libro inicialmente ilustrado con 36 vistas del monte Fuji y posteriormente ampliado a 100 miradas del mismo. Un hermoso viaje al mundo interior del autor a través de este volcán mágico. Una metáfora apuballante de los estados de ese moundo interior que algunos llaman alma.

Inspirado en esta historia, el artista zaragozano Vicente Pascual editó "Las 100 vistas del Monte Interior" del que ya hemos hablado, y os invito a que pinchéis en en el enlace si tenéis curiosidad, en este pequeño cuaderno de bitácora.

"Me dijo un antiguo anciano

que el reflejo aquí del gran silencio es el sonido pulcro.

Decía cosas raras,

aquel joven anciano".

Una excusa perfecta ésta, para presentar un vídeo lleno de sentimiento en el que se hace constancia que las nuevas tecnologías puestas al servicio del arte pueden... Mejor mirarlo vosotros mismos y dejaros llevar por los sentidos. Es Andrew Bird un delicado artesano pop nacido en los Estados Unidos, lleno de delicadas emocones que espero disfrutéis. Se trata del tema "Imitosis".

Equipo Crónica

2010-03-01T22:48:00.002+01:00

El Equipo Crónica es quizás el grupo artístico más representativo del Pop Art en España. Procedentes de la Estampa Popular Valenciana y marcados por una preocupación social que les lleva a convertirse en cronistas de los hechos sociales, culturales y politicos que sacudían el país.

Fundado en 1964, estaba formado en un principio por Manuel Valdeé (1942), Rafael Solbes (1940-1981) y Juan Antonio Toledo (1940), que abandonará pronto el grupo, a partir de las propuestas teóricas del crítico de arte Tomás Llorens. Toma del Pop Art el uso de las tintas planas, y colores vivos, el dibujo despersonalizado y el arte como medio de comunicacion de masas.

La nueva figuración española a partir de los años 80 no se entendería sin la obra de este grupo de origen valenciano, obra que adquiere mayor relevancia con el paso del tiempo. y que puede observarse con la desaparición del mercado de la producción pictórica del Equipo Crónica, limitada a 17 años y que va pasando a engrosar las principales colecciones públicas de España y Europa.

Actualmente se puede ver parte de su extensa obra, así como de otros destacados artistas figurativos valencianos en el Centro de Exposiciones y Congresos de IberCaja (Patio de la Infanta) de Zaragoza bajo el título “Realismo valenciano (1963-2009), la memoria fotográfica” así como en La Lonja con motivo de un homenaje a don Luis Buñuel por su obra "Un Chien Andaluz", exposiciones que no hay que perderse.

Aquí os dejo un vídeo en el que se puede apreciar la obra de estos artistas.

No puedo por menos que hacer referencia a otros grandes artistas valencianos como son Antonio Felpe (1965) del que os dejo un enlace en su nombre, destacado artista pop contemporáneo y otro veterano al que admiro como es Juan Genovés (1930) del que en Madrid podéis ver la escultra "El abrazo" y del que os dejo un vídeo en el que se le puede ver en acción.

Matisse

2010-02-12T17:01:00.003+01:00

Goustave Morau exclamó de Henri Matissse “usted va a simplificar la pintura. Con ello no simplificará la naturaleza, ni la reducirá. La pintura ya no existirá más...No me haga caso. Lo que usted hace es más importante que que yo digo. No soy más que un profesor, no entiendo nada”.

Matisse, pintor del color extremo y padre del “fauvismo”, pintó en 1904 la obra “lujo, calma y voluptuosidad”, considerada como la obra síntesis del postimpresionismo y un manifiesto de lo que sería el fauvismo poco después.

La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo, su desinterés por el acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica en aquel entonces (crítica absolutamente miope y que como muy acertadamente Salvador Dalí denominó "los cornudos del arte" en una obra homónima, si bien de todos es conocida su animadversión hacia los dadístas, fauvistas y ya no digamos la pintura abstracta), cosa que encumbró a los fovistas como movimiento de vanguardia con pintores como Vlamick o Derain. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión ante todo., expresión salvaje, sin medida. Quizás el pintor impresionista que más influyera en ellos fuera Gaugin del que aprendieron la libertad en el uso del color así como la liberación del temperamento y el instinto personal .

Matisse, ese hombre de apariencia “normal” -como recién salido con la vestimenta de unos grandes almacenes-, una vida familiar y apariencia pseudoburguesa, pero con una enorme y muy intensa vida interior , una mirada infantil que plasmaba magistralmente en sus cuadros.

Vaya desde aquí un pequeño y rendido homenaje a este gran artista con un pequeño vídeo en el que se puede apreciar parte de su obra con una obra magistral para piano de Chopin "Prelude in E-Menor (opus 28 Nº 4).

Hugh Cornwell y The Stranglers

2010-02-05T14:45:00.000+01:00

Mucho tiempo ha pasado ya desde aquellos años del irreverente "punk". Uno de sus máximos exponentes fueron the Stranglers, uno de mis gurpos favoritos de mi más tierna adolescencia y juventud. Hugh Corwell daba la voz cantante, esa tan peculiar voz nasal, al gurpo hasta que llegaron las desavenencias propias del cansancio de los años y the Satranglers aunque continúan, ya nunca han vuelto a ser los mismos.

EL otro día me puse uno de mis discos "fetiche" de the Stranglers, el psicodélico y experimental "The Meninblack", quizás el disco más oscuro del grupo y no he podido resistir la tentación colgar algunos videos de este grupo que acompañó la sintonía de uno de mis programas de radio, en aquellos años en los que la radio "pirata" como a mi siempre me ha gustado llamar, se intentaba, de manera altruista, dar conocimiento sobre las nuevas tendencias culturales y las inquietudes sociales que poca cabida tenían en los medios de comunicación oficiales.

En primer lugar he decidido colgar un vídeo, no oficial pero que creo lleva muy bien el espíritu de la canción, del tema Waltzinblack que abre precisamente el album que antes he mencionado.

Continuamos con, esta vez sí, un vídeo oficial dela canción estrella del grupo y que sólo por ella merecen estar en el Olimpo, se trata de "Golden Brown".

Para finalizar me apetece hacerlo con Hugh Cornwell, un Cronwell desnudo emocionalmente y realmente apubullante en una excelente versión acústica de "Strange little girl", un dulce caramelo que espero os deje un buen sabor de boca.

Jean François Millet

2010-01-24T18:45:00.001+01:00

He querido rendir un pequeño homenaje a este gran pintor del alma y que durante mucho tiempo ha sido relegado a un segundo plano, a mi juicio de manera totalmente injusta y cuya obra se puede ver fundamentalmente en el Museum of Fine Arts de Boston y el Musée d'Orsay de París.

Pintor francés (Gruchy 1814 - Barbizon 1875), la pobreza material definió tanto su pintura como su vida. Pintor del alma campesina y la dureza de la vida rural. En 1948 ,amigos artistas le animan a participar en el salón de París de 1948, cosa que hace con la obra "El cribador", actualmente expuesta en el museo del Louvre. Así y todo no fue hasta 1959, con su obra "El Ángelus", que no obtuvo la fama y el reconocimiento que se merecía.

Influyó de manera decisiva en pintores como Van Gogh o Pissarro. Dalí estuvo obsesionado toda su vida con "El Ángelus", llegando a escribir un libro entre 1932 y 1935 titulado "El ángelus de Millet", es en él en el que Dalí realiza la descripción de su método "paranoico-crítico" y en el que se pueden encontrar revelaciones verdaderamente sorprendentes.

Serge Gainsbourg: la película

2010-01-12T01:29:00.004+01:00

Este año se va a estrenar una película biográfica de este polémico personaje de la cultura francesa. Serge Gainsbourg, compositor, cantante, actor, director de cine...y sobre todo polémico. Uno de los pocos personajes que ha tenido el honor de tener alguna obra censurada en uno de los países que más a gala tiene el ser símbolo de la tolerancia, Francia censuró la canción "je t'aime mois non plus" -honor que compartió con la película de don Luis Buñuel "Un chien Andaluz" que no pudo verse en las pantallas del país galo durante más de 40 años. Autor de irreverentes canciones, sedujo a las mujeres más hermosas del planeta y fumador empedernido, cuya vida ha sido plasmada en una película encargada al humorista francés Joann Sfar y que protagoniza Eric Elmosnino.

La película ya ha empezado de manera controvertida con la censura del cartel promocional que podéis ver colgado aquí, debido al humo del cigarrillo, que según los censores invita a los ciudadanos a fumar, ¿qué habrán hecho con todas las escenas del film. La película está previsto ser estrenada en Francia el 20 de enero de este año 2010 (en España se estrena e en el mes de junio.

Aquí os dejo un anuncio promocional de la película en el que se puede apreciar el parecido más que razonable de Gainsbourg y protagonistas como la que fuera su mujer Jane Birkin (Lucy Gordon) o alguno de sus "afairs" amorosos como Brigitte Bardot (Leatitia Casta).

Con la excusa de Gainsbourg no puedo resistirme a la tentación de poner algún vídeo del mismo ,así como de su hija Charlotte. En primer lugar va un tema titulado "la horse" correspondiente a la BSO de la película homónima protagonizada por Jean Gabin en 1970 y que en nuestro país se tituló "Justicia sin palabras" (mafia policías, intrigas...)

Para finalizar un vídeo lleno de color correspondiente a la canción del año 2003 "If" de Etienne Daho junto con Charlotte Gainsbourg.

Groove

2010-01-04T16:13:00.006+01:00

Vamos a volver con música para inaugurar este nuevo año y lo vamos a hacer con un poco de groove realizando una pequeña incursión en los ambientes "psycho-funk", en el mercado discográfico encontramos multitud de recopilaciones. Vamos a poner un tema titulado "sexopolis" interpretado y compuesto por Jean Pierre Mirouze y que encontramos en una recopilación de canciones pertenecientes al psychedelic funk realizado entre los años 1968 y 1973, pertenecientes en su mayoría a bandas sonoras de películas de la época la mayoría de ellas de ambientación extremadamente sensual, titulada Shake Sauvage.

Y aquí va otro bombón retro de la mano de Chris Joss que no transporta mágicamente a otra época con el tema Discotheque Dancing.

VIII Premio de Pintura Delegación del Gobierno de Aragón

2009-12-13T20:34:00.010+01:00

En la 8ª edición, del Premio de pintura Delegación del Gobierno, tengo el placer de comunicaros que he sido seleccionado para formar parte de la exposición que se inaugura el día 17 de diciembre en el Museo Camón Aznar de Zaragoza con la obra "El secreto de la libélula". La libélula, ese ser mágico y misterioso a los ojos de cualquier niño -al menos lo resultaba para mi-, con sus vivos colores y ese peculiar vuelo que recuerda al de un helicóptero. Con esta obra he querido plasmar la visión inversa, es decir, cómo una libélula ve a un par de niños absortos en sus juegos sin más preocupación que el presente de la manera más inocente, sin contaminaciones ni perturbaciones mentales. La magia de la inocencia infantil, que no estupidez, llena de ilusiones, curiosidad, descubrimientos y colorido.

La exposición la podéis ver todos aquellos que estéis interesados entre el 17 de diciembre y el 31 de enero en el mencionado museo de Zaragoza. La obra ganadora es de otra artista zaragozana que ya hemos nombrado en este blog, se trata de Ana Maorad, y causalmente de temática muy similar con la obra "Mares de sueño". La exposición tendrá su continuidad a lo largo del año entrante en Huesca y Teruel.

Si tenéis interés en ver el catálogo con las obras seleccionadas, he puesto un enlace arriba, que lo disfrutéis.

Para cerrar este artículo lo vamos a hacer con unos versos del libro "Las 100 vistas del Monte interior" de Vicente Pascual:

"Que sube y que baja,
de aquel reino a éste,
de los sentidos doloridos.
De un mundo de formas sensibles
hacia aquella Hurqalya, tan famosa"

Federico García Lorca

2009-12-02T18:32:00.010+01:00

Simbología mágica en Lorca, algo que surge de manera natural; sólo asequible a seres hipersensibles y especiales, "cosas de artistas" de locos, truhanes y gente de mal vivir, bohemios e incómodos seres pensantes.

Así era Federico y lo pagó caro en una época turbia, estanque en el que se reflejaba a la luz de la luna un jinete incómodo cabalgando un negro caballo.

Tenía ganas de poner en el blog algún poema de Federico, difícil tarea elgir uno, ya no digamos un extracto de este creador, este mago y alquimista de la metáfora.

Me he decidido finalmente por un extracto de "los encuentros de un caracol aventurero", en el que se desarrolla una discusión metafísica sin importancia, la existencia después de la muerte de ...
Una crítica magistral al pensamiento unívoco y teledirigido que algunos pretenden imponer.

No sólo escritor y amante de la música, era Federico, también, dibujante de sentimientos y emociones. Un tanto naif en su facturación, dibujos que parecieran salir de la mano de un niño inquieto, travieso. Dibujos en los que plasmaba su realidad mágica y simbólica, corceles negros que simbolizan la muerte, la luna símbolo de la receptividad femenina y también de la llegada de la muerte, el sol creador y dador de vida, la metamorfosis y resurrección simbólica de la mariposa.

LOS ENCUENTROS DE UN CARACOL AVENTURERO

Ante el bosque sombrío
el caracol se aterra.
Quiere gritar. No puede.
Las ranas se le acercan.

"¿Es una mariposa?",
dice la casi ciega.
"Tiene dos cuernecitos
-la otra rana contesta-.
Es el caracol. ¿Vienes,
caracol, de otras tierras?"

"Vengo de mi casa y quiero
volverme muy pronto a ella".
"Es un bicho muy cobarde
-exclama la rana ciega-.
¿No cantas nunca?" "No canto",
dice el caracol. "¿Ni rezas?"
"Tampoco: nunca aprendí".
"¿Ni crees en la vida eterna?"
"¿Qué es eso?
"Pues vivir siempre
en el agua más serena,
junto a una tierra florida
que a un rico manjar sustenta".

"Cuando niño a mí me dijo
un día mi pobre abuela
que al morirme yo me iría
sobre las hojas más tiernas
de los árboles más altos".

"Una hereje era tu abuela.
La verdad te la decimos
nosotras. Creerás en ella",
dicen las ranas furiosas.

"¿Por qué quise ver la senda?
-gime el caracol-. Sí creo
por siempre en la vida eterna
que predicáis..."
Las ranas,
muy pensativas, se alejan.
y el caracol, asustado,
se va perdiendo en la selva.

Las dos ranas mendigas
como esfinges se quedan.
Una de ellas pregunta:
"¿Crees tú en la vida eterna?"
"Yo no", dice muy triste
la rana herida y ciega.
"¿Por qué hemos dicho, entonces,
al caracol que crea?"
"Por qué... No sé por qué
-dice la rana ciega-.
Me lleno de emoción
al sentir la firmeza
con que llaman mis hijos
a Dios desde la acequia..."

No podíamos por menos que despedir a Federico con música y lo vamos a hacer con una cantante criada en Utebo (Zaragoza), la indomable Carmen París cantando a Lorca, que lo disfrutéis.

Erasmo Carlos versus Enrique Urquijo

2009-11-17T19:21:00.028+01:00

Hoy se cumplen 10 años de la desaparición entre nosotros de Enrique Urquijo (cantante de los Secretos), ¡ cómo pasa el tiempo!. Y me he dicho, es preciso un gesto amigo mío, hay que actuar y no dormirnos en los laureles antes de que sea demasiado tarde. Una canción que habla un poco de esa inactividad social que a veces nos rodea y que precisamente reivindica un gesto por parte de todos es un tema, que compuso Erasmo Carlos en 1971, titulado “E preciso dar um jeito meu amigo” del disco “Mesmo que seja eu” y que junto con Céu podemos escuchar a continuación en una versión actualizada al "modo" trip hop en directo.

La letra de la canción dice más o menos así:

"He venido desde muy lejos, y el viaje fue tan largo,
tantos obstáculos en el camino,
pero finalmente aquí estoy
Me avergüenzo de las cosas que vi
pero no voy a estar callado en mi comodidad,
al igual que muchos por ahí
Tiene que haber una forma en que amigo mío,
es preciso un gesto amigo mío
El descanso no ayuda cuando nos levantamos
cuantas cosas han sucedido
..."

Y como no podía ser de otra manera, teníamos que poner algo del malogrado Enrique, así que ahí va este aunque tu no lo sepas cantado por el mismo Enrique Urquijo.

VENECIA

2009-11-03T11:54:00.009+01:00

Imagina una ciudad sin coches, en donde los bomberos en lugar de camiones utilizan barcas, sin más ruido que el de la gente paseando y el volar de las palomas. Venecia, una ciudad sin igual y que por mucho que se halla visto a través de las pantallas, fotografías o cuadros y parecernos tan familiar como si fuera nuestra, siempre sorprende. En donde se respira arte por los cuatro costados, llena de hermosas y generosas galerías de arte privadas amén de sus muy prestigiosos museos y como no sus hermosas iglesias renacentistas.

Venecia ha inspirado a grandes artistas como al pintor romántico William Turner a quien inspiró para realizar unas hermosas acuarelas, igualmente sedujo la ciudad de los canales al suizo Paul Klee y como no al pintor clásico por exelencia de esta ciudad, con sus perspectivas imposibles, capaz de alterar la perspectiva de los edificios para que pareciera más hermoso si cabe el paisaje retratado, el veneciano Canaletto (Giovani Antonio Canal) por ejemplo.

Girare Venezia es Rodar en Venecia, filmar Venecia, recorrer Venecia a través del cine, es un gran placer que os invito todos a realizar. Mi película recomendada es sin lugar a dudas "Locuras de Verano" (Summertime) dirigida en 1955 por el maestro David Leen y protagonizada por una magistral Katharine Hepburn, una hermosa historia de amor en la incipiente madurez de una turista americana Jane Hudson (Hepburn) en un viaje turístico por la ciudad de los canales.

Aquí os dejo una relación no exhaustiva de películas que tienen de algún modo como protagonista a la ciudad de Venecia:

* 1950 - El ladrón de Venecia
* 1954 - La gran noche de Casanova
* 1954 - Senso
* 1955 - Locuras de verano
* 1957 - El destino de Sissi
* 1958 - Venecia, la luna y tu
* 1962 - Romance en Venecia
* 1963 - El león de San Marcos
* 1963 - El verdugo de Venecia
* 1967 - Intriga en Venecia
* 1967 - Mujeres en Venecia
* 1970 - Anónimo veneciano
* 1971 - Muerte en Venecia
* 1973 - Amenaza en la sombra
* 1979 - Moonraker
* 1979 - Un pequeño romance
* 1985 - La Venexiana
* 1989 - Indiana Jones y la última cruzada
* 1990 - El placer de los extraños
* 1991 - Échale la culpa al botones
* 1992 - El regreso de Casanova
* 1996 - Todos dicen I love you
* 1997 - Las alas de la paloma
* 1998 - Mas fuerte que su destino
* 1999 - Confesiones íntimas de una mujer
* 1999 - Historia de lo nuestro
* 2000 - Pan y tulipanes
* 2002 - Lunedi mattina
* 2003 - The italian job
* 2004 - El mercader de Venecia
* 2004 - La Tempestad
* 2005 - Casanova
* 2006 - A few days in September
* 2006 - Casino Royale
* 2006 - El príncipe de los ladrones
* 2006 - Vivaldi, un príncipe en Venecia
* 2008 - El Greco

The Whitest Boy Alive

2009-10-25T13:34:00.003+01:00

The Whitest Boy Alive son un grupo de música techno-pop afincados en Berlín, se estrenaron en el año 2006 con Dream y este año han sacado un magnífico disco titulado Rules y que mejor para saborearlo que escuchar alguna de sus canciones. He seleccionado en primer lugar la canción High on the Hils, canción ligera que nos muestra la esencia del más puro pop aderezado de sintetizadores y moderadamente danzarín.

Para terminar con esta breve anotación musical, otra canción de este disco Rules, precisamente la que cierra el mismo. Se trata del inquietante tema Island y pone sonido en este vídeo a una no menos atormentada película del cineasta chino (Hong Kong) Womg Kar Wai, "Happy Together" de 1997 y en cuya última película "Cenizas del tiempo" hace un magnífico uso del "no tiempo", lentitud imaginaria realizada con la máxima inteligencia y sensibilidad, película atemporal llena de hermosos y delicados momentos visuales que nadie debería perderse, eso sí no apta para amantes del estrés pese a que hay grandes luchas de artes marciales.

OSACAR WILDE

2009-10-07T18:52:00.012+02:00

El 16 de octubre se cumple el 155 aniversario del nacimiento de Oscar Wilde. Nació en el seno de una acomodada familia dublinesa en el año 1854, el segundo de tres hermanos si bien su hermana pequeña murió a temprana edad, en el momento del nacimiento de Oscar su madre deseaba una niña así que Wilde durante los primeros años fue vestido asiduamente con ropas de niña conformando así el primer apéndice estrambótico en la personalidad de la vida del escritor.

El arte por el arte era la premisa básica del comportamiento vital y profesional de Wilde llevado a coleccionar cosas tan curiosas como porcelana china azul o plumas de pavo real. Pero no vamos ahondar en su biografía, documentación hay abundante ya sobre el tema.

Una forma de homenajear a tan insigne artista es a través del cine. La tentación de llevar a la gran pantalla obras de Wilde surgió pronto, ya en 1925, en los albores del cine mudo, el gran director Ernst Lubitsch rodó una adaptación en "El abanico de Lady Windermere" de la obra del mismo título, en la que se representa en clave de comedia el mal gusto y la mediocridad conservadora de la sociedad victoriana (algo que perdura en nuestra sociedad, ¿será consustancial al ser humano en gneral?). Años más tarde el discípulo de Lubitsch, Otto Preminger retomó la misma obra en otra adaptación realizada en el año 1949.

Otro gran clásico es "El fantasma de Canterville" realizada en 1944 por Jules Dassin (el fantasma era Charles Laughton). "El retrato de Dorian Grey" es otra obra llevada al cine en diferentes ocasiones quizás la más elegante adaptación sea la realizada por Albert Lewin en 1945 una gran película llena de mensajes secretos y subliminales que a todos recomiendo. "La importancia de llamarse Ernesto", una producción británica de 1952 dirigida por Anthony Asquitch o la bíblica "Salomé" llevada en diversas ocasiones a la pantalla, a destacar la versión de 1953 (Willian Dieterle). Estas son sólo algunas de las adaptaciones que se han realizado sobre obras de Oscar Wilde.

También han sido llevados, a películas de dibujos animados, algunos cuentos como "El Príncipe Feliz" o "El Gigante egoísta", cuento éste último en el que su hijo Vyvyan, también escritor y que firmaba con el apellido “Holland”, recordaba como su padre cada vez que les leía este cuento lloraba y al ser peguntado el porqué de sus lágrimas, respondía que las cosas bellas siempre le hacían llorar.

Para terminar con esta incursión en el cine, vamos a hacerlo con una referencia a películas biográficas sobre Wilde y así nos encontramos por ejemplo "Oscar Wilde" de 1960 “biopic” británico de Gregory Ratoff o la más reciente de 1997, protagonizada por Stephen Fry y dirigida por Brian Gilbet titulada "Oscar", centrada en el episodio más escabroso de la vida del artista protagonizado con Bosie (Lord Alfred Douglas) al ser acusado por prácticas homosexuales –sodomita- y que acabarían con el provocador Oscar en la cárcel, episodio que también fue llevado a las pantallas en 1960 por Ken Hughes en "The Trials of Oscar Wilde" y que llevó al artista a escribir su último y más desgarrador poema de su vida, "Balada de cárcel de Reading" y que dos años y medio más tarde, en 1900 le llevaría a la tumba en París.

"No vistió su chaqueta escarlata porque el vino y la sangre ya son rojos,

y sangre y vino había en sus manos cuando lo hallaron con la muerta,

la pobre que él amó y a quien en su lecho asesinara.

Caminó entre los jueces vistiendo el gris raídocon gorra en la cabeza y paso alegre y leve.

Pero jamás vi a nadie que mirara el día con igual ansiedad.
Jamás vi a nadie que mirara con ojos tan ansiosos

la pequeña tienda azul que los presos llaman cielo,

y a cada nube fugitiva que cruzaba con velamen de plata.

Confinado en otros patios con otras almas en pena me preguntaba

si había hecho algo grande o algo insignificante,

cuando una voz me susurró al oído «ese hombre va a la horca».

¡Cristo! Los muros de la prisión de pronto parecían tambalearse

y sobre mi cabeza era el cielo un casco de quemante acero.

Y aunque era yo un alma en pena, mi pena sentir no podía.

Supe qué pensamiento perseguido su paso apresuraba;

supe por quémiraba el día brillante con ojos tan ansiosos.

Había matado aquello que él amaba y tenía que morir.”

Fragmento con el que comienza el poema más desgarrador de Wilde, un grito del alma, en definitiva arte en estado puro con la realización de una obra magistral de alquimia, transformando lo oscuro, horrible y tenebroso en algo luminoso, hermoso y deslumbrante, algo sin otro lugar que el olvido en algo digno de ser recordado para la eternidad. Tras escribir estos versos el alma de Wilde se vació al punto de no volver a escribir nunca más y esperar morir, lo que aconteció el 30 de noviembre de 1900.

CÉU "VAGAROSA"

2009-09-29T17:38:00.013+02:00

Maria do Céu Whitaker Poças, o simplemente Céu (São Paulo, 17 de abril de 1980) es una “cantora” -como dicen en Brasil - y compositora brasileña de música popular, que a uno hace reconciliarse con los nuevos creadores en esos momentos en los que, de vez en cuando, nos embargan oscuros pensamientos del tipo “lo que se hace ahora...¡¡¡vaya mierda!!!”.

Pues bien, Céu es una ARTISTA que inauguró su carrera en el año 2002 con un disco de título homónimo en el que ya apuntaba “maneras”, mezclando los ritmos y músicas propias de su tierra “samba”o “bosa” con ritimos y usos más contemporáneos trip hop, afrobeat, jazz, dub..., en una combinación realmente apabullante.

Con su último trabajo “Vagarosa” parece afianzarse y poder alcanzar un lugar en el Olimpo de los artistas. Un excelente trabajo altísimamente recomendable en el que se pueden encontrar temas llenos de magia como “comadi” a ritmo de un sutil y sugerente reggae y con unos teclados realmente lisérgicos en un claro homenaje a Os Mutantes . Tema que podéis escuchar en directo y en segunda opción os presento el tema "Bubia", un tema realmente hipnótico que espero sea de vuestro agrado.

Os Mutantes -grupo de referencia en la sicodelia de los años 60 en Brasil-, tras 30 años de ausencia, vuelven a aparecer con “haih or amortecedor” y presentan su nuevo trabajo en este vídeo promocional que podéis ver a contibuación.

EL FINAL DEL VERANO

2009-09-20T18:30:00.011+02:00

El final del verano, el verano se va y pronto la nieve extenderá su blanco manto sobre la hierba y el hielo pintará de blanco todos los árboles. Me gustaría despedir el verano con música, "Two sunsets" es el último regalo que nos ofrecen los chicos de Glasgow (Escocia) The Pastels y los japoneses Tenniscoats en una maravillosa combinación de colores musicales y que queda hermosamente plasmada en esta delicada obra de orfebrería pop titulada "Vivid Youth".

El grupo The Beatles parece volver a la carga con nuevas reediciones remasterizadas de sus discos, juegos para consolas,... y aprovechando la coyuntura vamos a recordar un bonito tema que compuso Paul McCartney en 1969 en unas bonitas vacaciones que pasó en Portugal. El tema lo popularizó Carlos Mendes y se titula Penina (en el vídeo podéis escuchar en primer lugar la canción "Come and get it" interpretada por Badfinger, después la canción Penina y para finalizar el tema "Goodbye -McCartney 1969-" en la voz de Mary Hopkins ).

Adiós al verano.

FRANCISCO PRADILLA

2009-09-18T21:07:00.011+02:00

Francisco Pradilla Ortiz (Villanueva de Gállego, Zaragoza, 1848 - Madrid, 1921), pintor, director de la Academia Española de Bellas Artes en Roma y del Museo de El Prado. Es uno de esos pintores que por desgracia pasan desapercibidos para el gran público y que sin embargo sus obras o al menos algunas de ellas son muy conocidas.

Tenía ganas de hablar de alguno de los muchos y grandes pintores que ha dado Aragón (España) y cuyo máximo exponente es sin lugar a dudas Don Francisco de Goya, finalmente me he decido por Pradilla porque dentro de mis múltiples paseos por el Museo provincial de Zaragoza estuvo durante mucho tiempo una exposición de pintura española de finales del siglo XIX y comienzos del XX (la pintura que se hizo entre dos de los grandes genios que dio España, Goya y Picasso) y entre ellos había dos cuadros que me llamaban especialmente la atención uno correspondiente a Santiago Rusiñol y otro –un autorretrato maravilloso- de Pradilla, exposición que desapareció tras la reforma del museo y espero se reponga de nuevo.

Su obra —óleos, acuarelas y dibujos— fue amplia, pero se halla dispersa en colecciones particulares españolas, sobre todo de familias nobiliarias, y en diferentes países europeos y sudamericanos. Y precisamente esta circunstancia sigue obstaculizando su conocimiento adecuado y una imprescindible catalogación que permitiría valorar con mayor justeza la calidad. De los géneros pictóricos que cultivó, incluida la ilustración gráfica para publicaciones literarias, hay que destacar el de la pintura de historia que fue el que más fama le proporcionó. Hay que decir que en Villanueva de Gállego hay un museo reciente dedicado a Pradilla en el que están adquiriendo obras del artista.

Entre los cuadros de este último género cabe destacar “Doña Juana la Loca”, “Capitulación de Granada” o el maravilloso “Bautizo del Príncipe Juan” en el que puede apreciarse un genial uso del tratamiento de la luz. Por encargo del Ayuntamiento de Zaragoza, realizó los cuadros de Alfonso I el Batallador y de Alfonso X el Sabio.

Finalmente os dejo un vídeo en el que podéis ver más obras de este genial artista.

PSICODELIA (psychedelic experience)

2009-09-06T14:12:00.006+02:00

Desde que el psicólogo británico Humphry Osmond inventara la palabra psicodélico("que manifiesta el alma"), aludiendo a las experiencias alucinógenas producidas por ciertas sustancias y fuera aplicada a cierta música aparecida a mediados de los sesenta y asociada al movimiento hippie a grupos como Pink Floyd, The Gratiful Dead, 13th Floor Elevators o Jefferson Airplane por ejemplo ha llovido mucho.

Experiencias oníricas, letras esotéricas, ritmos hipnóticos que todavía siguen vivos en el panorama musical actual.

La neopsicodelia ha tomado diferentes rumbos con la irrupción de la música electrónica y así encontramos una psicodelia renovada en subestilos como el psytrance o goa trance (en el que se hace más hincapié al ritmo , nacido en los 90 con la influencia del Reve), el indie elctronic psicodélico o el psybient que es el subestilo al que nos vamos referir en esta ocasión.

El psybient o ambient psy es un genero de música electrónica de vanguardia que combina elementos del trance psicodelico, ambient, "world music"o del dub por ejemplo. Quizás en estos grupos una de las bandas que más ha podido influir son los Pink Floyd y entre las bandas más representativas del género encontramos a Shpongle, Entheogenic, Bluetech, Shulman o Kick Bong por ejemplo.

Como lo mejor es escuchar la música y si quieres experimentar una alteración de la percepción del tiempo así como del sentido de la identidad vamos a introducirnos de lleno con lo que hasta ahora es el último trabajo de Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin o lo que es lo mismo Air y el tema "Do the joy" todo un viaje alucinante al subconsciente que viene en el sexto trabajo de la banda titulado "Love 2"

Otro trabajo interesante es el correspondiente a Shongle, proyecto musical del británico Simon Posford y el australiano Raja Ram. Lo que podemos ver es una actuación de la banda en Tokyo.

Otra banda realmente interesante es Entheogenic de la que podemos ver el vídeo de la canción "kashmir day trip" en la que se pueden apreciar claras influencias de la música hindú

IMAGINA (imagine)

2009-08-30T23:08:00.004+02:00

Imagina a toda la gente viviendo el hoy, seamos soñadores siquiera sea por un día e imaginemos un mundo en el que prime la tolerancia sobre la estupidez de la intransigencia.

Ángel González (1925-2008), uno de los mayores y más representativos poetas de la generación del 50, escribió en un hermoso poema:

Al lector se le llenaron de pronto los ojos de lágrimas,
y una voz cariñosa le susurró al oído:
-¿Por qué lloras, si todo
en ese libro es de mentira?
Y él respondió:
- lo sé;
pero lo que yo siento es de verdad.

Bien pues, hay veces en que esto ocurre también con canciones y, en ocasiones se produce ese pequeño milagro, según el cual se juntan culturas muy diferentes (o quizás no tanto), pero sin duda sí enfrentadas para cantar y es lo que hacen Khaled (argelino) y Noa (israelí) realizando una estupenda versión de Imagine, de John Lennon. El tema en un ejemplo de absoluta tolerancia viene cantado en árabe, hebreo e inglés y la versión salió en el disco de Khaled "Kenza" de 1999.

Continuando en la misma línea de tolerancia, otro argelino, Rachid Taja se atrevió a hacer una versión de un tema de una del as bandas más emblemáticas del punk británico, The Clash y el tema en cuestión Rock El Casbah.

Para finalizar este alegato musical a la tolerancia lo vamos a hacer con un grupo procedente de Senegal, un grupo de hip hop que en el año 2002 realizó un gran disco titulado "Esperanza" y cuyo tema homónimo podéis escuchar a continuación, se trata del grupo Daara J.

A veces, las palabras se posan sobre las cosas como una mariposa
sobre una flor, y las recubren de colores nuevos.

Sin embargo, cuando pienso tu nombre, eres tú quien le da
a la palabra color. aroma, vida.

¿Qué sería tu nombre sin tí?

igual que la palabra rosa sin la rosa:
un ruido incomprensible, torpe, hueco.

Así despedimos este pequeño artículo, con otro poema de Ángel González. Pensemos en las palabras tolerancia y esperanza y cubrámoslas de nuevos colores dándoles todo el sentido.

VICENTE PASCUAL, la mirada pausada del samurai

2009-08-17T17:25:00.016+02:00

He tenido la oportunidad y el privilegio de asistir o mejor dicho de mirar , ver y contemplar la exposición retrospectiva que, Vicente Pascual Rodrigo , tiene actualmente en el Palacio de Sástago de Zaragoza, "Opusculum, 1989-2008", a través de 108 obras que reflejan la última etapa de este artista (pintor y poeta-filósofo) y que podéis visitar hasta el 20 de septiembre.

Vicente Pascual nació en 1955 en Zaragoza y murió en Utebo en 2008, fundó junto con su hermano Ángel la Hermandad pictórica y bajo esta denominación fue presentando su trabajo hasta 1989. Comenzó introduciéndose en el pop-art ("Goering macho", "los heterodoxos aragoneses", "el coche de Rene"...).

Tras su contacto con oriente, transformó su pintura a través de una mirada más pausada y profunda ( "La práctica diaria del recuerdo constante", "el comienzo de un largo viaje",...), como ralentizada en el tiempo cuan si de una película del maestro Ozu se tratara, en paisajes pausados reducidos poco a poco a la mínima expresión hasta llegar al final a la "reconstrucción" de los mismos a través de las más simples geometrías, cuadrados, triángulos y círculos ("Imitatio I", "Fons Viate III", las series sobre "Turris Eburnea"...) en una síntesis sólo al alcance de aquel que ha entrado en plena comunión con su yo más íntimo y la naturaleza que le rodea, en definitiva de un místico.

Un exposición que recomiendo fervorosamente para todos aquellos que gustéis del arte en estado puro, sin contaminaciones paracomerciales ni exclavismos a una moda. Poesía llevada al lienzo de la mano magistral de este gran "artesano" del pincel, un alquimista que nos muestra su alma desnuda, llena de sensibilidad y amor a todo lo que le rodeaba. Prescripciones, abandonen las prisas , déjense seducir por lo allí expuesto e intenten ver o mejor dicho sentir lo que el artista ha plasmado.

Para finalizar no puedo por menos que hacerlo con alguno de sus escritos y un vídeo en el que podéis ver al artista recitando uno de estos hermosos poemas.

De su libro "de la vida y la muerte":

Quizás, no sé, yo que no sé,
aquel cuyo nombre
en el agua escribió,
salvó su mejor vida
por aquel tan solo acto.

Qué mis huesos se evaporen,
en el aire muy inmenso.
Qué mis carnes alimenten
muy menudas criaturas.

Y qué mi espíritu
muriendo encuentre
el sendero de retorno,
de retorno a ese lugar
del que, al nacer, ya fuí exiliado.

Hay un ver que es sólo ver
y un mirar dentro del ver,
de ese ver que sólo ve.

Pero luego hay otro ver
que es atar y contemplar.
Que comprende lo mirado,
la mirada y al que mira.

Uno es este y aquel ver,
son lo mismo, son lo mismo.

WILLY DEVILLE, el hombre de la rosa

2009-08-10T11:34:00.019+02:00

"—Dijo que bailaría conmigo si le llevaba una rosa roja —se lamentaba el joven estudiante—, pero no hay una solo rosa roja en todo mi jardín.
Desde su nido de la encina, le oyó el ruiseñor. Miró por entre las hojas asombrado.
—¡No hay ni una rosa roja en todo mi jardín! —gritaba el estudiante.
Y sus bellos ojos se llenaron de llanto.
—¡Ah, de qué cosa más insignificante depende la felicidad! He leído cuanto han escrito los sabios; poseo todos los secretos de la filosofía y encuentro mi vida destrozada por carecer de una rosa roja.
—He aquí, por fin, el verdadero enamorado —dijo el ruiseñor—. Le he cantado todas las noches, aún sin conocerlo; todas las noches les cuento su historia a las estrellas, y ahora lo veo. Su cabellera es oscura como la flor del jacinto y sus labios rojos como la rosa que desea; pero la pasión lo ha puesto pálido como el marfil y el dolor ha sellado su frente.
—El príncipe da un baile mañana por la noche —murmuraba el joven estudiante—, y mi amada asistirá a la fiesta. Si le llevo una rosa roja, bailará conmigo hasta el amanecer. Si le llevo una rosa roja, la tendré en mis brazos, reclinará su cabeza sobre mi hombro y su mano estrechará la mía. Pero no hay rosas rojas en mi jardín. Por lo tanto, tendré que estar solo y no me hará ningún caso. No se fijará en mí para nada y se destrozará mi corazón.
—He aquí el verdadero enamorado —dijo el ruiseñor—. Sufre todo lo que yo canto: todo lo que es alegría para mí es pena para él. Realmente el amor es algo maravilloso: es más bello que las esmeraldas y más raro que los finos ópalos. Perlas y rubíes no pueden pagarlo porque no se halla expuesto en el mercado. No puede uno comprarlo al vendedor ni ponerlo en una balanza para adquirirlo a peso de oro......".

Así comienza el cuento del ruiseñor y la rosa de Oscar Wilde con el que quiero recordar a Willy Deville fallecido el pasado 6 de agosto y al que nunca olvidaré, en varios de los conciertos a los que pude asistir. Un dandi de New Orleans, romántico y que gustaba de lanzar rosas al público en sus mejores tiempos.

Amante de París llegó a decir :"París es, para mí, como una hembra espléndida que jamás podré hacer mía. Ella tuvo a los mejores: Picasso, Dalí, Cocteau. Es muy excitante cortejar a una dama que ha tenido los mejores amantes. Es todo un desafío."

Me gustaría recordar a este gran artista, que tan hermosos momentos nos ha regalado con un par de vídeos correspondientes a sendos temas contenidos en su album Le chat bleu (en clara alusión al mítico cabaret-espectáculo chat noir en la época dorada del cabaret parisino y del Moulin Rouge en el mítico barrio de Monmatre inaugurado en 1881 en el boulevard Rouchechouart por el artista Rodolphe Salis y clausurado en 1891 para decepción de Picasso cuando fue a la Exposición Universal de 1900), album que grabara en París con el arreglista de Edith Piaf. Un cáncer nos lo ha arrebatado, descanse en paz Willy Deville , una rosa roja siempre nos acompañará.

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS (Alice in wonderland)

2009-08-09T21:18:00.011+02:00

Tim Burton va a estrenar en 2010 una adaptación al cine del libro Las aventuras Alicia en el país de las maravillas (creada por el matemático, sacerdote anglicano y escritor británico Charles Lutwidge Dodgson, bajo el más conocido seudónimo de Lewis Carroll).

La historia de todos conocida ha influido e inspirado a muchos artistas. Así por ejemplo en las artes plásticas, Salvador Dalí realizó una serie de trece ilustraciones en 1969 y aquí podéis ver alguna de ellas.

Pero donde quería realmente llegar, era a la influencia en la música, que ,como es evidente, con la llegada de la psicodelia en los años 60, se hizo patente en artistas como Jefferson Airplane con la excelente experiencia psicodélica "White Rabit".

Jhon Lennon reconoció haberse inspirado en el poema "The Walrus and the Carpenter" (La morsa y el carpintero) para escribir una de mis canciones preferidas de todos los tiempos "I´m the walrus". Este poema trata en esencia sobre una morsa que deja al carpintero sin ostras, comiéndoselas todas ellas y engordando; es una especie de alegoría a la nocividad del capitalismo,
Lennon dijo en 1980: " La idea la saqué de La Morsa y el Carpintero, de Alicia en el País de las Maravillas. A mí me parecía un poema hermoso. Nunca se me ocurrió que Lewis Carroll se refiriera al sistema capitalista. Nunca intenté descifrar el significado, que es lo que hace la gente con la obra de The Beatles. Al cabo de un tiempo volví a leer el poema y me di cuenta de que
la Morsa era la mala y el Carpintero el bueno. Pensé: «Oh, mierda, me he equivocado de personaje».Pero entonces no habría sido lo mismo, ¿no? «I am the carpenter...".

Así mismo la canción "Lucy in the Sky with Diamonds" de the Beatles también hace referencia al libro cunado habla del "hombre huevo".

Tom Petty & the Heartbreakers en 1985 en su album "Southern Accents" incluyeron el éxito "Don't Come Around Here No More" en cuyo vídeo hacen una incursión caníbal al final zampándose a Alicia sacando de ella dulces pedacitos de tarta.

Más recientemente el francés Ridan hace alusión, aunque en esta ocasión a modo de desengaño, al cuento de Carroll en el tema "Passe à ton Voisin" (el estribillo dice: "La belle Alice nous a menti sur les merveilles de son pays"- La bella Alicia nos ha mentido con las maravillas de su país).

En España no han podido sucumbir a la tentación y también encontramos temas que hacen alusión al cuento con mayor o menor fortuna como por ejemplo "el té de los locos" de el Hombre burbuja o "Alicia", de Bunbury, del álbum Radical Sonora.

Son multitud los artistas que han hecho alusión a Alicia, por si tenéis interés en profundizar más en el tema aquí os proporciono un enlace en la tan denostada a veces wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Works_based_on_Alice_in_Wonderland, donde podéis encontrar una extensa relación a cerca de la influencia de este libro en las diferentes facetas del arte.

Finalmente o s dejo la primera versión de Alice in wondrland en un hermoso corto de 1903 bajo la dirección del inglés Cecil Hepworth y música Debussy "Prelude to the Afternoon of a Faun" así como un avance de la película de Burton.

ARTEMISIA GENTILESCHI, LA PRIMERA MUJER PINTORA

2009-08-03T19:54:00.014+02:00

¿Hubo pintoras en los comienzos de la historia de arte?, la respuesta es obvia ahora bien ¿quienes fueron estas mujeres pioneras en la historia?. Esta respuesta por desgracia ya no es tan conocida. En el Renacimiento encontramos pintoras de reconocido prestigio como por ejemplo:

* Sofonisba Anguissola (nacida en Cremona alrededor de 1530 - Palermo alrededor de 1625), fue a España llamada por el rey Felipe II.
* Lavinia Fontana (Bolonia, 1552 - Roma 1614) marchó a Roma por invitación del papa Clemente VIII.
* Fede Galizia (Milán o Trento, 1578 - Milán 1630) pintó bodegones y una Judith con la cabeza de Holofernes.

Pero no es hasta el barroco cuando aparece, la que es considerada la primera mujer pintora de la historia por la calidad de sus obras y porque consiguió vivir del arte y firmaba us obras -algo realmente insólito hasta entonces-, se trata de Artemisia Gentileschi.

Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1597 - Nápoles, hacia 1654) fue una pintora italiana, hija del pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639). Su depurada técnica la convirtió en la mejor pintora del Barroco italiano.

Fue la primera mujer en pintar motivos o escenas religiosas, la primera en ser admitida en la Academia de Arte de Florencia (1616), la primera en ganarse la vida a través de la pintura. Fue además la primera y única mujer en adoptar el carabaggismo (es una corriente pictórica dentro del barroco que designa el estilo de los artistas que se inspiraron en la obra de Caravaggio). Pero lo más importante es que fue una de las más grandes artistas del Barroco Italiano. Dejó 34 obras maestras firmadas y aunque hay otras que se cree que también son suyas, se adjudicaron a distintos autores coetáneos.

En su tiempo su pintura se cotizaba en las cortes europeas como una de las mejores entre sus contemporáneos y su influencia se hacía sentir ampliamente en la pintura napolitana, italiana y europea. Sin embargo, tras su muerte cayó inexplicablemente en el olvido y la mayoría de su obras se perdieron.

Uno de los temas favoritos de Artemisia Gentileschi es el de la historia bíblica de Judit, la viuda virtuosa que seduce y asesina al malvado Holofernes con su propia espada. Judit y Holofernes (c.1620, Galería de los Uffizi, Florencia) es uno de los ejemplos de cómo trata este tema.

Entre sus obras, caracterizadas por su hábil manejo del claroscuro (contraste de luces y sombras) y su dramática interpretación del tema narrativo, se encuentran El nacimiento de san Juan Bautista (1635, Museo del Prado, Madrid) y María Magdalena (Palacio Pitti, Florencia).

AIRES RETROS

2009-07-27T20:50:00.007+02:00

La verdad es que cuando era más joven me intrigaban esos personajes tan "raros" anclados en el pasado, un tiempo que nunca más va volver, con sus tupés, zapatos de gamuza o vestiditos con tul y esos peinados de chicas "pin up". Eran los rockers y las primeros personajes retro que se cruzaron en mi vida, me hacían gracia pero no acababa de entender ese afán por revivir el pasado cuando había un presente realmente fascinate -eran los tiempos del punk y la nueva ola-.

Sigo pensando que hay que vivir el presente, pero me apetece realizar ese encuentro fascinante del presente con el pasado mediante algunos vídeos que me sirven para presentar a grupos actuales y de paso recordar tiempos pasados.

Para comenzar vamos con un vídeo de un dúo de música electrónica llamado Röyksopp presentando el tema "Remind me" en una excelente experiencia "pseudo-revival" cuya imaginería recuerda a los libros de divulgación científica de los años 60 y emulando en la música a los padres la música electrónica, los alemanes Kraftwerk.

Otro grupo de música electrónica interesante es Shakedown llevándonos al mundo lego, sí esas piececitas de plástico con las que se pueden construir mundos con el único límite de la imaginación de un niño, eso sí en esta ocasión proponiéndonos un juego adulto "love game".

Para finalizar esta incursión en el pasado vamos a hacerlo como comenzábamos el artículo, precisamente emulando los años 50 y rayando la parte más casposa de aquella época en USA, de la mano de la inglesa Lily Allen practicando un country-pop realmente divertido en el tema "not fair"

NORMAN McLAREN, PIONERO DE LA ANIMACIÓN

2009-07-20T15:20:00.010+02:00

Norman McLaren (1914,1987), escocés que estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow (Escocia) se trasladó a Canadá en 1941 a trabajar para el National Film Board. Un visionario de la animación y la inclusión de sonidos electrónicos en sus películas.

Dedicó toda su vida a la experimentación en el Arte del cine de animación. En 1951 realizó las primeras películas tridimensionales : " Around is around" y "Now is the time".

La danza fue otro elemento importante en su búsqueda constante, y en sus últimos años de vida realizó tres cortometrajes, con la participación de destacados bailarines, que resultaron ser verdaderos poemas: "Adagio", "Pas de deux" y "Narciso" (su ultimo film, en 1983). Por si tenéis interés en profundizar más en los trabjos de este artista aquí os dejo este enlace.

El motivo por el que se me ha ocurrido hablar de este creador es que por casualidad me encontré un montaje de una de sus películas, concretamente "Pas de deux", con la melodía de otro genio adelantado a su época Erik Satie y su obra Ginopedia Nº 1.

El primer vídeo es Neighbours (1952) una película con un fuerte mensaje social y una crítica contra la violencia en una brillante combinación de sonidos e imágenes

El siguiente vídeo es precisamente la pieza que os he comentado antes de Erik Satie con el vídeo "Pas de deux" de Norman y que en el enlace anterior podéis ver en su formato y con la música original (una pieza realmente delicada y una gran exibición de danza clásica)

Finalmente ahí va esta entrañable y delicada visión futurista de una pieza de 1888, que es cuando compuso la Ginopedia el señor Satie, realizada con tecnología del siglo XXI y llena de simbolismo mágico.

MULATU ASTATKÉ CREADOR DEL ETHIO JAZZ

2009-07-20T11:20:00.010+02:00

Para todos aquellos que gustéis del exotismo "cult-groove" de los 70 os presento un veterano músico etíope llamado Mr. Mulatu Astatké que es a Etiopía lo que Fela Kuti a Nigeria. Ambos tienen en común la influencia del Jazz y del Funky y si Fela fué el crador del "afrobeat" y que de manera muy digna continúa su hijo Femi con el desarrollo del mismo, es Astatké creador de lo que él mismo denominó "ethiojazz". Una música compleja, llena de exquisitos matices y que ha estado oculta, hasta que reciéntemente bandas sonoras de películas como "Flores rotas" de Jim Jarmush , película a través de la cual reconozco mi descubrimiento de este artista y una serie de discos recopilatorios denominados Ethiopiques nos la han dado a conocer al común de los mortales. esta música que parecía permanecer oculta en Etiopía.

Desde que fundara en New York la Ethiopian Quintet hasta su reciente unión al grupo inglés de funk electrónico y acid jazz The Heliocentrics . Astatké tiene una dilatada carrera a la que combiene echarle un vistazo y que en el volumen 4 de la serie Ethiopiques podéis encontrar una muestra de la enigmática, hipnótica y sugerente música de este gran artista.

Como muestra aquí os dejo unos vídeos para que podáis disfrutar del "ethiojazz" en dos vídeos el primero correspondiente Astatké y el segundo con los ya mencionados Helicpters en directo. Por supuesto no he podido resistir a la tentación de poner una canción del gran Fela Kuti para finalizar el artículo.

Fela Kuti "2000 Blacks got to be free"

CUARTO Y MITAD DE LIENZO PINTADO

2009-07-13T15:11:00.038+02:00

Deme cuarto y mitad de esos tomates tan..., así es como parece, en ciertos certámentenes-concursos-mercadillos del arte, se cataloga la naturaleza de una pintura. Se encuentran metros cuadrados y más metros de telas pintadas, no en función de su calidad (sensibilidad, belleza, emociones transmitidas, representación del tiempo presente...), sino atendiendo al espacio de pared que cubren. Se seleccionan y premian pinturas por los metros cuadrados que ocupan independientemente de su calidad como si de simples piezas de decoración se trataran ¿pegarán esos colores con la tapicería del despacho?.

¿Originalidad?, ¿Modernidad?, acaso una vulgar imitación de una pintura de Tapies o Chillida es ser "modelno". La verdad es que la cultura y en concreto la pequeña porción de la misma a la que pertenece la pintura como arte, parece atravesar por unos momentos bastante pobres y poco audaces, lamentablemente. Salvo, afortunadamente, honrosas excepciones y que en Zaragoza muy bien podrían representar artistas jóvenes como Eduardo Lozano Chavarría, Juan Zurita o Ana Maoraz por ejemplo.

Estoy más que harto de ver vulgares imitaciones absolutamente trasnochodas de Saura o de cualquier otro pintor del Gurpo "el Paso" o "Pórtico" que sin duda abrieron camino en su día y fueron vanguardia, pero los tiempos cambian, la sociedad cambia y la forma de expresarlo debe adaptarse al cambio, lo que ayer fue vanguardia y rompedor hoy no lo es. ¿Dónde se encuentran los signos de nuestros tiempos (La informática, lo digital., la nueva figuración, las fusiones abstractas más imaginativas...) ¿Qué concursos de pintura son éstos, en los que lo digital o la nueva figuración ,lejos de ensalzarse como signo de modernidad, en su sentido más noble y positivo de "vida presente" y actualidad que no moda efímera), se considera como algo negativo, "eso, ¡con un ordenador lo hace cualquiera!". ¿Acaso nos imaginamos que los artistas del Renacimiento hubieran desechado por el mismo motivo el uso de las nuevas perspectivas cónicas, o en los siglos XVI y XVII artistas como Johannes Wermeer -del que podéis ver a la derecha su obra "Mujer con una jarra de agua" realizada hacia 1662 y de paso recomendaros la película "la joven de la perla" dirigida por Peter Webber en 2003- hubieran sido despreciados por el uso de cámaras oscuras que dieron a sus cuadros nuevas perspectivas y visiones más consonantes con la fotografía actual, por ejemplo?.

Esto me recuerda a cuando se empezó a implantar el tratamiendo digital de la imagen, cómo "artesanos caducos" rechazaban su uso argumentando que "no era lo mismo, el ordenador -lo hace solito- mientras que en el laboratorio...", estos mismos artesanos ahora sueltan bendiciones sobre las nuevas técnicas. En definitiva argumentaciones pobres para pobres espíritus. Estamos gobernados por miopes, tristes y grises mentalidades sin capacidad para asumir que los tiempos cambian, que hay que asimilar las nuevas tecnologías y hay que estar abiertos a las innovaciones. Se me olvidaba apostillar una pequeña tontería, hay más mundo aparte del comandado por ilustres galeristas, no todos sucumbimos a las leoninas condiciones impuestas por muchos de ellos que acaban por axfisiar la creatividad del artista. Sí a los mecenas, no a los vulgares mercaderes.

Cuadros de derecha a izquierda correspondientes a los artistas aragoneses Eduardo Lozano, Juan Luis Borra y Juan Zurita, tres visones diferentes y complementarias de la modernidad urbana.