En la 8ª edición, del Premio de pintura Delegación del Gobierno, tengo el placer de comunicaros que he sido seleccionado para formar parte de la exposición que se inaugura el día 17 de diciembre en el Museo Camón Aznar de Zaragoza con la obra "El secreto de la libélula". La libélula, ese ser mágico y misterioso a los ojos de cualquier niño -al menos lo resultaba para mi-, con sus vivos colores y ese peculiar vuelo que recuerda al de un helicóptero. Con esta obra he querido plasmar la visión inversa, es decir, cómo una libélula ve a un par de niños absortos en sus juegos sin más preocupación que el presente de la manera más inocente, sin contaminaciones ni perturbaciones mentales. La magia de la inocencia infantil, que no estupidez, llena de ilusiones, curiosidad, descubrimientos y colorido.
La exposición la podéis ver todos aquellos que estéis interesados entre el 17 de diciembre y el 31 de enero en el mencionado museo de Zaragoza. La obra ganadora es de otra artista zaragozana que ya hemos nombrado en este blog, se trata de Ana Maorad, y causalmente de temática muy similar con la obra "Mares de sueño". La exposición tendrá su continuidad a lo largo del año entrante en Huesca y Teruel.
Si tenéis interés en ver el catálogo con las obras seleccionadas, he puesto un enlace arriba, que lo disfrutéis.
Para cerrar este artículo lo vamos a hacer con unos versos del libro "Las 100 vistas del Monte interior" de Vicente Pascual:
"Que sube y que baja, de aquel reino a éste, de los sentidos doloridos. De un mundo de formas sensibles hacia aquella Hurqalya, tan famosa"
Simbología mágica en Lorca, algo que surge de manera natural; sólo asequible a seres hipersensibles y especiales, "cosas de artistas" de locos, truhanes y gente de mal vivir, bohemios e incómodos seres pensantes.
Así era Federico y lo pagó caro en una época turbia, estanque en el que se reflejaba a la luz de la luna un jinete incómodo cabalgando un negro caballo.
Tenía ganas de poner en el blog algún poema de Federico, difícil tarea elgir uno, ya no digamos un extracto de este creador, este mago y alquimista de la metáfora.
Me he decidido finalmente por un extracto de "los encuentros de un caracol aventurero", en el que se desarrolla una discusión metafísica sin importancia, la existencia después de la muerte de ... Una crítica magistral al pensamiento unívoco y teledirigido que algunos pretenden imponer.
No sólo escritor y amante de la música, era Federico, también, dibujante de sentimientos y emociones. Un tanto naif en su facturación, dibujos que parecieran salir de la mano de un niño inquieto, travieso. Dibujos en los que plasmaba su realidad mágica y simbólica, corceles negros que simbolizan la muerte, la luna símbolo de la receptividad femenina y también de la llegada de la muerte, el sol creador y dador de vida, la metamorfosis y resurrección simbólica de la mariposa.
LOS ENCUENTROS DE UN CARACOL AVENTURERO
Ante el bosque sombrío el caracol se aterra. Quiere gritar. No puede. Las ranas se le acercan.
"¿Es una mariposa?", dice la casi ciega. "Tiene dos cuernecitos -la otra rana contesta-. Es el caracol. ¿Vienes, caracol, de otras tierras?"
"Vengo de mi casa y quiero volverme muy pronto a ella". "Es un bicho muy cobarde -exclama la rana ciega-. ¿No cantas nunca?" "No canto", dice el caracol. "¿Ni rezas?" "Tampoco: nunca aprendí". "¿Ni crees en la vida eterna?" "¿Qué es eso? "Pues vivir siempre en el agua más serena, junto a una tierra florida que a un rico manjar sustenta".
"Cuando niño a mí me dijo un día mi pobre abuela que al morirme yo me iría sobre las hojas más tiernas de los árboles más altos".
"Una hereje era tu abuela. La verdad te la decimos nosotras. Creerás en ella", dicen las ranas furiosas. "¿Por qué quise ver la senda? -gime el caracol-. Sí creo por siempre en la vida eterna que predicáis..." Las ranas, muy pensativas, se alejan. y el caracol, asustado, se va perdiendo en la selva.
Las dos ranas mendigas como esfinges se quedan. Una de ellas pregunta: "¿Crees tú en la vida eterna?" "Yo no", dice muy triste la rana herida y ciega. "¿Por qué hemos dicho, entonces, al caracol que crea?" "Por qué... No sé por qué -dice la rana ciega-. Me lleno de emoción al sentir la firmeza con que llaman mis hijos a Dios desde la acequia..."
No podíamos por menos que despedir a Federico con música y lo vamos a hacer con una cantante criada en Utebo (Zaragoza), la indomable Carmen París cantando a Lorca, que lo disfrutéis.
Hoy se cumplen 10 años de la desaparición entre nosotros de Enrique Urquijo (cantante de los Secretos), ¡ cómo pasa el tiempo!. Y me he dicho, es preciso un gesto amigo mío, hay que actuar y no dormirnos en los laureles antes de que sea demasiado tarde. Una canción que habla un poco de esa inactividad social que a veces nos rodea y que precisamente reivindica un gesto por parte de todos es un tema, que compuso Erasmo Carlos en 1971, titulado “E preciso dar um jeito meu amigo” del disco “Mesmo que seja eu” y que junto con Céu podemos escuchar a continuación en una versión actualizada al "modo" trip hop en directo.
La letra de la canción dice más o menos así:
"He venido desde muy lejos, y el viaje fue tan largo,
tantos obstáculos en el camino,
pero finalmente aquí estoy
Me avergüenzo de las cosas que vi
pero no voy a estar callado en mi comodidad,
al igual que muchos por ahí
Tiene que haber una forma en que amigo mío,
es preciso un gesto amigo mío
El descanso no ayuda cuando nos levantamos
cuantas cosas han sucedido
..."
Y como no podía ser de otra manera, teníamos que poner algo del malogrado Enrique, así que ahí va este aunque tu no lo sepas cantado por el mismo Enrique Urquijo.
Imagina una ciudad sin coches, en donde los bomberos en lugar de camiones utilizan barcas, sin más ruido que el de la gente paseando y el volar de las palomas. Venecia, una ciudad sin igual y que por mucho que se halla visto a través de las pantallas, fotografías o cuadros y parecernos tan familiar como si fuera nuestra, siempre sorprende. En donde se respira arte por los cuatro costados, llena de hermosas y generosas galerías de arte privadas amén de sus muy prestigiosos museos y como no sus hermosas iglesias renacentistas.
Venecia ha inspirado a grandes artistas como al pintor romántico William Turner a quien inspiró para realizar unas hermosas acuarelas, igualmente sedujo la ciudad de los canales al suizo Paul Klee y como no al pintor clásico por exelencia de esta ciudad, con sus perspectivas imposibles, capaz de alterar la perspectiva de los edificios para que pareciera más hermoso si cabe el paisaje retratado, el veneciano Canaletto(Giovani Antonio Canal) por ejemplo.
Girare Venezia es Rodar en Venecia, filmar Venecia, recorrer Venecia a través del cine, es un gran placer que os invito todos a realizar. Mi película recomendada es sin lugar a dudas "Locuras de Verano" (Summertime) dirigida en 1955 por el maestro David Leen y protagonizada por una magistral Katharine Hepburn, una hermosa historia de amor en la incipiente madurez de una turista americana Jane Hudson (Hepburn) en un viaje turístico por la ciudad de los canales.
Aquí os dejo una relación no exhaustiva de películas que tienen de algún modo como protagonista a la ciudad de Venecia:
* 1950 - El ladrón de Venecia * 1954 - La gran noche de Casanova * 1954 - Senso * 1955 - Locuras de verano * 1957 - El destino de Sissi * 1958 - Venecia, la luna y tu * 1962 - Romance en Venecia * 1963 - El león de San Marcos * 1963 - El verdugo de Venecia * 1967 - Intriga en Venecia * 1967 - Mujeres en Venecia * 1970 - Anónimo veneciano * 1971 - Muerte en Venecia * 1973 - Amenaza en la sombra * 1979 - Moonraker * 1979 - Un pequeño romance * 1985 - La Venexiana * 1989 - Indiana Jones y la última cruzada * 1990 - El placer de los extraños * 1991 - Échale la culpa al botones * 1992 - El regreso de Casanova * 1996 - Todos dicen I love you * 1997 - Las alas de la paloma * 1998 - Mas fuerte que su destino * 1999 - Confesiones íntimas de una mujer * 1999 - Historia de lo nuestro * 2000 - Pan y tulipanes * 2002 - Lunedi mattina * 2003 - The italian job * 2004 - El mercader de Venecia * 2004 - La Tempestad * 2005 - Casanova * 2006 - A few days in September * 2006 - Casino Royale * 2006 - El príncipe de los ladrones * 2006 - Vivaldi, un príncipe en Venecia * 2008 - El Greco
The Whitest Boy Alive son un grupo de música techno-pop afincados en Berlín, se estrenaron en el año 2006 con Dream y este año han sacado un magnífico disco titulado Rules y que mejor para saborearlo que escuchar alguna de sus canciones. He seleccionado en primer lugar la canción High on the Hils, canción ligera que nos muestra la esencia del más puro pop aderezado de sintetizadores y moderadamente danzarín.
Para terminar con esta breve anotación musical, otra canción de este disco Rules, precisamente la que cierra el mismo. Se trata del inquietante tema Island y pone sonido en este vídeo a una no menos atormentada película del cineasta chino (Hong Kong) Womg Kar Wai, "Happy Together" de 1997 y en cuya última película "Cenizas del tiempo" hace un magnífico uso del "no tiempo", lentitud imaginaria realizada con la máxima inteligencia y sensibilidad, película atemporal llena de hermosos y delicados momentos visuales que nadie debería perderse, eso sí no apta para amantes del estrés pese a que hay grandes luchas de artes marciales.
El 16 de octubre se cumple el 155 aniversario del nacimiento de Oscar Wilde. Nació en el seno de una acomodada familia dublinesa en el año 1854, el segundo de tres hermanos si bien su hermana pequeña murió a temprana edad, en el momento del nacimiento de Oscar su madre deseaba una niña así que Wilde durante los primeros años fue vestido asiduamente con ropas de niña conformando así el primer apéndice estrambótico en la personalidad de la vida del escritor.
El arte por el arte era la premisa básica del comportamiento vital y profesional de Wilde llevado a coleccionar cosas tan curiosas como porcelana china azul o plumas de pavo real. Pero no vamos ahondar en su biografía, documentación hay abundante ya sobre el tema.
Una forma de homenajear a tan insigne artista es a través del cine. La tentación de llevar a la gran pantalla obras de Wilde surgió pronto, ya en 1925, en los albores del cine mudo, el gran director Ernst Lubitsch rodó una adaptación en "El abanico de Lady Windermere" de la obra del mismo título, en la que se representa en clave de comedia el mal gusto y la mediocridad conservadora de la sociedad victoriana (algo que perdura en nuestra sociedad, ¿será consustancial al ser humano en gneral?). Años más tarde el discípulo de Lubitsch, Otto Preminger retomó la misma obra en otra adaptación realizada en el año 1949.
Otro gran clásico es "El fantasma de Canterville" realizada en 1944 por Jules Dassin (el fantasma era Charles Laughton). "El retrato de Dorian Grey" es otra obra llevada al cine en diferentes ocasiones quizás la más elegante adaptación sea la realizada por Albert Lewin en 1945 una gran película llena de mensajes secretos y subliminales que a todos recomiendo. "La importancia de llamarse Ernesto", una producción británica de 1952 dirigida por Anthony Asquitch o la bíblica "Salomé" llevada en diversas ocasiones a la pantalla, a destacar la versión de 1953 (Willian Dieterle). Estas son sólo algunas de las adaptaciones que se han realizado sobre obras de Oscar Wilde.
También han sido llevados, a películas de dibujos animados, algunos cuentos como "El Príncipe Feliz" o "El Gigante egoísta", cuento éste último en el que su hijo Vyvyan, también escritor y que firmaba con el apellido “Holland”, recordaba como su padre cada vez que les leía este cuento lloraba y al ser peguntado el porqué de sus lágrimas, respondía que las cosas bellas siempre le hacían llorar.
Para terminar con esta incursión en el cine, vamos a hacerlo con una referencia a películas biográficas sobre Wilde y así nos encontramos por ejemplo "Oscar Wilde" de 1960 “biopic” británico de Gregory Ratoff o la más reciente de 1997, protagonizada por Stephen Fry y dirigida por Brian Gilbet titulada "Oscar", centrada en el episodio más escabroso de la vida del artista protagonizado con Bosie (Lord Alfred Douglas) al ser acusado por prácticas homosexuales –sodomita- y que acabarían con el provocador Oscar en la cárcel, episodio que también fue llevado a las pantallas en 1960 por Ken Hughes en "The Trials of Oscar Wilde" y que llevó al artista a escribir su último y más desgarrador poema de su vida, "Balada de cárcel de Reading" y que dos años y medio más tarde, en 1900 le llevaría a la tumba en París.
"No vistió su chaqueta escarlata porque el vino y la sangre ya son rojos,
y sangre y vino había en sus manos cuando lo hallaron con la muerta,
la pobre que él amó y a quien en su lecho asesinara.
Caminó entre los jueces vistiendo el gris raídocon gorra en la cabeza y paso alegre y leve.
Pero jamás vi a nadie que mirara el día con igual ansiedad. Jamás vi a nadie que mirara con ojos tan ansiosos
la pequeña tienda azul que los presos llaman cielo,
y a cada nube fugitiva que cruzaba con velamen de plata.
Confinado en otros patios con otras almas en pena me preguntaba
si había hecho algo grande o algo insignificante,
cuando una voz me susurró al oído «ese hombre va a la horca».
¡Cristo! Los muros de la prisión de pronto parecían tambalearse
y sobre mi cabeza era el cielo un casco de quemante acero.
Y aunque era yo un alma en pena, mi pena sentir no podía.
Supe qué pensamiento perseguido su paso apresuraba;
supe por quémiraba el día brillante con ojos tan ansiosos.
Había matado aquello que él amaba y tenía que morir.”
Fragmento con el que comienza el poema más desgarrador de Wilde, un grito del alma, en definitiva arte en estado puro con la realización de una obra magistral de alquimia, transformando lo oscuro, horrible y tenebroso en algo luminoso, hermoso y deslumbrante, algo sin otro lugar que el olvido en algo digno de ser recordado para la eternidad. Tras escribir estos versos el alma de Wilde se vació al punto de no volver a escribir nunca más y esperar morir, lo que aconteció el 30 de noviembre de 1900.
Maria do Céu Whitaker Poças, o simplemente Céu (São Paulo, 17 de abril de 1980) es una “cantora” -como dicen en Brasil - y compositora brasileña de música popular, que a uno hace reconciliarse con los nuevos creadores en esos momentos en los que, de vez en cuando, nos embargan oscuros pensamientos del tipo “lo que se hace ahora...¡¡¡vaya mierda!!!”.
Pues bien, Céu es una ARTISTA que inauguró su carrera en el año 2002 con un disco de título homónimo en el que ya apuntaba “maneras”, mezclando los ritmos y músicas propias de su tierra “samba”o “bosa” con ritimos y usos más contemporáneos trip hop, afrobeat, jazz, dub..., en una combinación realmente apabullante.
Con su último trabajo “Vagarosa” parece afianzarse y poder alcanzar un lugar en el Olimpo de los artistas. Un excelente trabajo altísimamente recomendable en el que se pueden encontrar temas llenos de magia como “comadi” a ritmo de un sutil y sugerente reggae y con unos teclados realmente lisérgicos en un claro homenaje a Os Mutantes . Tema que podéis escuchar en directo y en segunda opción os presento el tema "Bubia", un tema realmente hipnótico que espero sea de vuestro agrado.
Os Mutantes -grupo de referencia en la sicodelia de los años 60 en Brasil-, tras 30 años de ausencia, vuelven a aparecer con “haih or amortecedor” y presentan su nuevo trabajo en este vídeo promocional que podéis ver a contibuación.
El final del verano, el verano se va y pronto la nieve extenderá su blanco manto sobre la hierba y el hielo pintará de blanco todos los árboles. Me gustaría despedir el verano con música, "Two sunsets" es el último regalo que nos ofrecen los chicos de Glasgow (Escocia) The Pastels y los japoneses Tenniscoats en una maravillosa combinación de colores musicales y que queda hermosamente plasmada en esta delicada obra de orfebrería pop titulada "Vivid Youth".
El grupo The Beatles parece volver a la carga con nuevas reediciones remasterizadas de sus discos, juegos para consolas,... y aprovechando la coyuntura vamos a recordar un bonito tema que compuso Paul McCartney en 1969 en unas bonitas vacaciones que pasó en Portugal. El tema lo popularizó Carlos Mendes y se titula Penina (en el vídeo podéis escuchar en primer lugar la canción "Come and get it" interpretada por Badfinger, después la canción Penina y para finalizar el tema "Goodbye -McCartney 1969-" en la voz de Mary Hopkins ).
Francisco Pradilla Ortiz (Villanueva de Gállego, Zaragoza, 1848 - Madrid, 1921), pintor, director de la Academia Española de Bellas Artes en Roma y del Museo de El Prado. Es uno de esos pintores que por desgracia pasan desapercibidos para el gran público y que sin embargo sus obras o al menos algunas de ellas son muy conocidas.
Tenía ganas de hablar de alguno de los muchos y grandes pintores que ha dado Aragón (España) y cuyo máximo exponente es sin lugar a dudas Don Francisco de Goya, finalmente me he decido por Pradilla porque dentro de mis múltiples paseos por el Museo provincial de Zaragoza estuvo durante mucho tiempo una exposición de pintura española de finales del siglo XIX y comienzos del XX (la pintura que se hizo entre dos de los grandes genios que dio España, Goya y Picasso) y entre ellos había dos cuadros que me llamaban especialmente la atención uno correspondiente a Santiago Rusiñol y otro –un autorretrato maravilloso- de Pradilla, exposición que desapareció tras la reforma del museo y espero se reponga de nuevo. Su obra —óleos, acuarelas y dibujos— fue amplia, pero se halla dispersa en colecciones particulares españolas, sobre todo de familias nobiliarias, y en diferentes países europeos y sudamericanos. Y precisamente esta circunstancia sigue obstaculizando su conocimiento adecuado y una imprescindible catalogación que permitiría valorar con mayor justeza la calidad. De los géneros pictóricos que cultivó, incluida la ilustración gráfica para publicaciones literarias, hay que destacar el de la pintura de historia que fue el que más fama le proporcionó. Hay que decir que en Villanueva de Gállego hay un museo reciente dedicado a Pradilla en el que están adquiriendo obras del artista. Entre los cuadros de este último género cabe destacar “Doña Juana la Loca”, “Capitulación de Granada” o el maravilloso “Bautizo del Príncipe Juan” en el que puede apreciarse un genial uso del tratamiento de la luz. Por encargo del Ayuntamiento de Zaragoza, realizó los cuadros de Alfonso I el Batallador y de Alfonso X el Sabio.
Finalmente os dejo un vídeo en el que podéis ver más obras de este genial artista.
Desde que el psicólogo británico HumphryOsmond inventara la palabra psicodélico("que manifiesta el alma"), aludiendo a las experiencias alucinógenas producidas por ciertas sustancias y fuera aplicada a cierta música aparecida a mediados de los sesenta y asociada al movimiento hippie a grupos como PinkFloyd, TheGratifulDead, 13thFloorElevators o JeffersonAirplane por ejemplo ha llovido mucho.
Experiencias oníricas, letras esotéricas, ritmos hipnóticos que todavía siguen vivos en el panorama musical actual.
La neopsicodelia ha tomado diferentes rumbos con la irrupción de la música electrónica y así encontramos una psicodelia renovada en subestilos como el psytrance o goa trance (en el que se hace más hincapié al ritmo , nacido en los 90 con la influencia del Reve), el indieelctronicpsicodélico o el psybient que es el subestilo al que nos vamos referir en esta ocasión.
El psybient o ambientpsy es un genero de música electrónica de vanguardia que combina elementos del trance psicodelico, ambient, "worldmusic"o del dub por ejemplo. Quizás en estos grupos una de las bandas que más ha podido influir son los PinkFloyd y entre las bandas más representativas del género encontramos a Shpongle, Entheogenic, Bluetech, Shulman o KickBong por ejemplo.
Como lo mejor es escuchar la música y si quieres experimentar una alteración de la percepción del tiempo así como del sentido de la identidad vamos a introducirnos de lleno con lo que hasta ahora es el último trabajo de Jean-BenoîtDunckel y NicolasGodin o lo que es lo mismoAir y el tema "Do thejoy" todo un viaje alucinante al subconsciente que viene en el sexto trabajo de la banda titulado "Love 2"
Otro trabajo interesante es el correspondiente a Shongle, proyecto musical del británico SimonPosford y el australiano Raja Ram. Lo que podemos ver es una actuación de la banda en Tokyo.
Otra banda realmente interesante es Entheogenicde la que podemos ver elvídeode la canción "kashmirdaytrip"en la que se pueden apreciar claras influencias de la música hindú
Imagina a toda la gente viviendo el hoy, seamos soñadores siquiera sea por un día e imaginemos un mundo en el que prime la tolerancia sobre la estupidez de la intransigencia.
Ángel González (1925-2008), uno de los mayores y más representativos poetas de la generación del 50, escribió en un hermoso poema:
Al lector se le llenaron de pronto los ojos de lágrimas,
y una voz cariñosa le susurró al oído:
-¿Por qué lloras, si todo
en ese libro es de mentira?
Y él respondió:
- lo sé;
pero lo que yo siento es de verdad.
Bien pues, hay veces en que esto ocurre también con canciones y, en ocasiones se produce ese pequeño milagro, según el cual se juntan culturas muy diferentes (o quizás no tanto), pero sin duda sí enfrentadas para cantar y es lo que hacen Khaled (argelino) y Noa (israelí) realizando una estupenda versión de Imagine, de John Lennon. El tema en un ejemplo de absoluta tolerancia viene cantado en árabe, hebreo e inglés y la versión salió en el disco de Khaled "Kenza" de 1999.
Continuando en la misma línea de tolerancia, otro argelino, Rachid Taja se atrevió a hacer una versión de un tema de una del as bandas más emblemáticas del punk británico, The Clash y el tema en cuestión Rock El Casbah.
Para finalizar este alegato musical a la tolerancia lo vamos a hacer con un grupo procedente de Senegal, un grupo de hip hop que en el año 2002 realizó un gran disco titulado "Esperanza" y cuyo tema homónimo podéis escuchar a continuación, se trata del grupo Daara J.
A veces, las palabras se posan sobre las cosas como una mariposa
sobre una flor, y las recubren de colores nuevos.
Sin embargo, cuando pienso tu nombre, eres tú quien le da
a la palabra color. aroma, vida.
¿Qué sería tu nombre sin tí?
igual que la palabra rosa sin la rosa:
un ruido incomprensible, torpe, hueco.
Así despedimos este pequeño artículo, con otro poema de Ángel González. Pensemos en las palabras tolerancia y esperanza y cubrámoslas de nuevos colores dándoles todo el sentido.
He tenido la oportunidad y el privilegio de asistir o mejor dicho de mirar , ver y contemplar la exposición retrospectiva que, Vicente Pascual Rodrigo , tiene actualmente en el Palacio de Sástago de Zaragoza, "Opusculum, 1989-2008", a través de 108 obras que reflejan la última etapa de este artista (pintor y poeta-filósofo) y que podéis visitar hasta el 20 de septiembre.
Vicente Pascual nació en 1955 en Zaragoza y murió en Utebo en 2008, fundó junto con su hermano Ángel la Hermandad pictórica y bajo esta denominación fue presentando su trabajo hasta 1989. Comenzó introduciéndose en el pop-art ("Goering macho", "los heterodoxos aragoneses", "el coche de Rene"...).
Tras su contacto con oriente, transformó su pintura a través de una mirada más pausada y profunda ( "La práctica diaria del recuerdo constante", "el comienzo de un largo viaje",...), como ralentizada en el tiempo cuan si de una película del maestro Ozu se tratara, en paisajes pausados reducidos poco a poco a la mínima expresión hasta llegar al final a la "reconstrucción" de los mismos a través de las más simples geometrías, cuadrados, triángulos y círculos ("Imitatio I", "Fons Viate III", las series sobre "Turris Eburnea"...) en una síntesis sólo al alcance de aquel que ha entrado en plena comunión con su yo más íntimo y la naturaleza que le rodea, en definitiva de un místico.
Un exposición que recomiendo fervorosamente para todos aquellos que gustéis del arte en estado puro, sin contaminaciones paracomerciales ni exclavismos a una moda. Poesía llevada al lienzo de la mano magistral de este gran "artesano" del pincel, un alquimista que nos muestra su alma desnuda, llena de sensibilidad y amor a todo lo que le rodeaba. Prescripciones, abandonen las prisas , déjense seducir por lo allí expuesto e intenten ver o mejor dicho sentir lo que el artista ha plasmado.
Para finalizar no puedo por menos que hacerlo con alguno de sus escritos y un vídeo en el que podéis ver al artista recitando uno de estos hermosos poemas.
De su libro "de la vida y la muerte":
I
Quizás, no sé, yo que no sé, aquel cuyo nombre en el agua escribió, salvó su mejor vida por aquel tan solo acto.
Qué mis huesos se evaporen, en el aire muy inmenso. Qué mis carnes alimenten muy menudas criaturas.
Y qué mi espíritu muriendo encuentre el sendero de retorno, de retorno a ese lugar del que, al nacer, ya fuí exiliado.
II
Hay un ver que es sólo ver y un mirar dentro del ver, de ese ver que sólo ve.
Pero luego hay otro ver que es atar y contemplar. Que comprende lo mirado, la mirada y al que mira.
Uno es este y aquel ver, son lo mismo, son lo mismo.
"—Dijo que bailaría conmigo si le llevaba una rosa roja —se lamentaba el joven estudiante—, pero no hay una solo rosa roja en todo mi jardín.
Desde su nido de la encina, le oyó el ruiseñor. Miró por entre las hojas asombrado.
—¡No hay ni una rosa roja en todo mi jardín! —gritaba el estudiante.
Y sus bellos ojos se llenaron de llanto.
—¡Ah, de qué cosa más insignificante depende la felicidad! He leído cuanto han escrito los sabios; poseo todos los secretos de la filosofía y encuentro mi vida destrozada por carecer de una rosa roja.
—He aquí, por fin, el verdadero enamorado —dijo el ruiseñor—. Le he cantado todas las noches, aún sin conocerlo; todas las noches les cuento su historia a las estrellas, y ahora lo veo. Su cabellera es oscura como la flor del jacinto y sus labios rojos como la rosa que desea; pero la pasión lo ha puesto pálido como el marfil y el dolor ha sellado su frente.
—El príncipe da un baile mañana por la noche —murmuraba el joven estudiante—, y mi amada asistirá a la fiesta. Si le llevo una rosa roja, bailará conmigo hasta el amanecer. Si le llevo una rosa roja, la tendré en mis brazos, reclinará su cabeza sobre mi hombro y su mano estrechará la mía. Pero no hay rosas rojas en mi jardín. Por lo tanto, tendré que estar solo y no me hará ningún caso. No se fijará en mí para nada y se destrozará mi corazón.
—He aquí el verdadero enamorado —dijo el ruiseñor—. Sufre todo lo que yo canto: todo lo que es alegría para mí es pena para él. Realmente el amor es algo maravilloso: es más bello que las esmeraldas y más raro que los finos ópalos. Perlas y rubíes no pueden pagarlo porque no se halla expuesto en el mercado. No puede uno comprarlo al vendedor ni ponerlo en una balanza para adquirirlo a peso de oro......".
Así comienza el cuento del ruiseñor y la rosa de Oscar Wilde con el que quiero recordar a Willy Deville fallecido el pasado 6 de agosto y al que nunca olvidaré, en varios de los conciertos a los que pude asistir. Un dandi de New Orleans, romántico y que gustaba de lanzar rosas al público en sus mejores tiempos.
Amante de París llegó a decir :"París es, para mí, como una hembra espléndida que jamás podré hacer mía. Ella tuvo a los mejores: Picasso, Dalí, Cocteau. Es muy excitante cortejar a una dama que ha tenido los mejores amantes. Es todo un desafío."
Me gustaría recordar a este gran artista, que tan hermosos momentos nos ha regalado con un par de vídeos correspondientes a sendos temas contenidos en su album Le chat bleu (en clara alusión al mítico cabaret-espectáculo chat noir en la época dorada del cabaret parisino y del Moulin Rouge en el mítico barrio de Monmatre inaugurado en 1881 en el boulevard Rouchechouart por el artista Rodolphe Salis y clausurado en 1891 para decepción de Picasso cuando fue a la Exposición Universal de 1900), album que grabara en París con el arreglista de Edith Piaf. Un cáncer nos lo ha arrebatado, descanse en paz Willy Deville , una rosa roja siempre nos acompañará.
Tim Burton va a estrenar en 2010 una adaptación al cine del libro Las aventuras Alicia en el país de las maravillas (creada por el matemático, sacerdote anglicano y escritor británico Charles Lutwidge Dodgson, bajo el más conocido seudónimo de Lewis Carroll).
La historia de todos conocida ha influido e inspirado a muchos artistas. Así por ejemplo en las artes plásticas, Salvador Dalí realizó una serie de trece ilustraciones en 1969 y aquí podéis ver alguna de ellas.
Pero donde quería realmente llegar, era a la influencia en la música, que ,como es evidente, con la llegada de la psicodelia en los años 60, se hizo patente en artistas como Jefferson Airplane con la excelente experiencia psicodélica "White Rabit".
Jhon Lennon reconoció haberse inspirado en el poema "The Walrus and the Carpenter" (La morsa y el carpintero) para escribir una de mis canciones preferidas de todos los tiempos "I´m the walrus". Este poema trata en esencia sobre una morsa que deja al carpintero sin ostras, comiéndoselas todas ellas y engordando; es una especie de alegoría a la nocividad del capitalismo, Lennon dijo en 1980: " La idea la saqué de La Morsa y el Carpintero, de Alicia en el País de las Maravillas. A mí me parecía un poema hermoso. Nunca se me ocurrió que Lewis Carroll se refiriera al sistema capitalista. Nunca intenté descifrar el significado, que es lo que hace la gente con la obra de The Beatles. Al cabo de un tiempo volví a leer el poema y me di cuenta de que la Morsa era la mala y el Carpintero el bueno. Pensé: «Oh, mierda, me he equivocado de personaje».Pero entonces no habría sido lo mismo, ¿no? «I am the carpenter...".
Así mismo la canción "Lucy in the Sky with Diamonds" de the Beatles también hace referencia al libro cunado habla del "hombre huevo".
Tom Petty & the Heartbreakers en 1985 en su album "Southern Accents" incluyeron el éxito "Don't Come Around Here No More" en cuyo vídeo hacen una incursión caníbal al final zampándose a Alicia sacando de ella dulces pedacitos de tarta.
Más recientemente el francés Ridan hace alusión, aunque en esta ocasión a modo de desengaño, al cuento de Carroll en el tema "Passe à ton Voisin" (el estribillo dice: "La belle Alice nous a menti sur les merveilles de son pays"- La bella Alicia nos ha mentido con las maravillas de su país).
En España no han podido sucumbir a la tentación y también encontramos temas que hacen alusión al cuento con mayor o menor fortuna como por ejemplo "el té de los locos" de el Hombre burbuja o "Alicia", de Bunbury, del álbum Radical Sonora.
Son multitud los artistas que han hecho alusión a Alicia, por si tenéis interés en profundizar más en el tema aquí os proporciono un enlace en la tan denostada a veces wikipediahttp://en.wikipedia.org/wiki/Works_based_on_Alice_in_Wonderland, donde podéis encontrar una extensa relación a cerca de la influencia de este libro en las diferentes facetas del arte.
Finalmente o s dejo la primera versión de Alice in wondrland en un hermoso corto de 1903 bajo la dirección del inglés Cecil Hepworth y música Debussy "Prelude to the Afternoon of a Faun" así como un avance de la película de Burton.
¿Hubo pintoras en los comienzos de la historia de arte?, la respuesta es obvia ahora bien ¿quienes fueron estas mujeres pioneras en la historia?. Esta respuesta por desgracia ya no es tan conocida. En el Renacimiento encontramos pintoras de reconocido prestigio como por ejemplo:
* SofonisbaAnguissola(nacida en Cremona alrededor de 1530 - Palermo alrededor de 1625), fue a España llamada por el rey Felipe II.
* LaviniaFontana(Bolonia, 1552 - Roma 1614) marchó a Roma por invitación del papa Clemente VIII.
* FedeGalizia (Milán o Trento, 1578 - Milán 1630) pintó bodegones y una Judith con la cabeza de Holofernes.
Pero no es hasta el barroco cuando aparece, la que es considerada la primera mujer pintora de la historia por la calidad de sus obras y porque consiguió vivir del arte y firmaba us obras -algo realmente insólito hasta entonces-, se trata de ArtemisiaGentileschi.
ArtemisiaLomiGentileschi (Roma, 8 de julio de 1597 - Nápoles, hacia 1654) fue una pintora italiana, hija del pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639). Su depurada técnica la convirtió en la mejor pintora del Barroco italiano.
Fue la primera mujer en pintar motivos o escenas religiosas, la primera en ser admitida en la Academia de Arte de Florencia (1616), la primera en ganarse la vida a través de la pintura. Fue además la primera y única mujer en adoptar el carabaggismo (es una corriente pictórica dentro del barroco que designa el estilo de los artistas que se inspiraron en la obra de Caravaggio). Pero lo más importante es que fue una de las más grandes artistas del Barroco Italiano. Dejó 34 obras maestras firmadas y aunque hay otras que se cree que también son suyas, se adjudicaron a distintos autores coetáneos.
En su tiempo su pintura se cotizaba en las cortes europeas como una de las mejores entre sus contemporáneos y su influencia se hacía sentir ampliamente en la pintura napolitana, italiana y europea. Sin embargo, tras su muerte cayó inexplicablemente en el olvido y la mayoría de su obras se perdieron.
Uno de los temas favoritos de Artemisia Gentileschi es el de la historia bíblica de Judit, la viuda virtuosa que seduce y asesina al malvado Holofernes con su propia espada. Judit y Holofernes (c.1620, Galería de los Uffizi, Florencia) es uno de los ejemplos de cómo trata este tema.
Entre sus obras, caracterizadas por su hábil manejo del claroscuro (contraste de luces y sombras) y su dramática interpretación del tema narrativo, se encuentran El nacimiento de san Juan Bautista (1635, Museo del Prado, Madrid) y María Magdalena (Palacio Pitti, Florencia).
La verdad es que cuando era más joven me intrigaban esos personajes tan "raros" anclados en el pasado, un tiempo que nunca más va volver, con sus tupés, zapatos de gamuza o vestiditos con tul y esos peinados de chicas "pin up". Eran los rockers y las primeros personajes retro que se cruzaron en mi vida, me hacían gracia pero no acababa de entender ese afán por revivir el pasado cuando había un presente realmente fascinate -eran los tiempos del punk y la nueva ola-.
Sigo pensando que hay que vivir el presente, pero me apetece realizar ese encuentro fascinante del presente con el pasado mediante algunos vídeos que me sirven para presentar a grupos actuales y de paso recordar tiempos pasados.
Para comenzar vamos con un vídeo de un dúo de música electrónica llamado Röyksopp presentando el tema "Remind me" en una excelente experiencia "pseudo-revival" cuya imaginería recuerda a los libros de divulgación científica de los años 60 y emulando en la música a los padres la música electrónica, los alemanes Kraftwerk.
Otro grupo de música electrónica interesante es Shakedown llevándonos al mundo lego, sí esas piececitas de plástico con las que se pueden construir mundos con el único límite de la imaginación de un niño, eso sí en esta ocasión proponiéndonos un juego adulto "love game".
Para finalizar esta incursión en el pasado vamos a hacerlo como comenzábamos el artículo, precisamente emulando los años 50 y rayando la parte más casposa de aquella época en USA, de la mano de la inglesa Lily Allen practicando un country-pop realmente divertido en el tema "not fair"
NormanMcLaren (1914,1987), escocés que estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow (Escocia) se trasladó a Canadá en 1941 a trabajar para el NationalFilmBoard. Un visionario de la animación y la inclusión de sonidos electrónicos en sus películas.
Dedicó toda su vida a la experimentación en el Arte del cine de animación. En 1951 realizó las primeras películas tridimensionales : " Aroundisaround" y "Nowisthe time".
La danza fue otro elemento importante en su búsqueda constante, y en sus últimos años de vida realizó tres cortometrajes, con la participación de destacados bailarines, que resultaron ser verdaderos poemas: "Adagio", "Pas de deux" y "Narciso" (su ultimo film, en 1983). Por si tenéis interés en profundizar más en los trabjos de este artista aquí os dejo este enlace.
El motivo por el que se me ha ocurrido hablar de este creador es que por casualidad me encontré un montaje de una de sus películas, concretamente "Pas de deux", con la melodía de otro genio adelantado a su época ErikSatie y su obra Ginopedia Nº 1.
El primer vídeo es Neighbours (1952)una película con un fuerte mensaje social y una crítica contra la violencia en una brillante combinación de sonidos e imágenes
El siguiente vídeo es precisamente la pieza que os he comentado antes de ErikSatie con el vídeo "Pas de deux" de Norman y que en el enlace anterior podéis ver en su formato y con la música original (una pieza realmente delicada y una gran exibición de danza clásica)
Finalmente ahí va esta entrañable y delicada visión futurista de una pieza de 1888, que es cuando compuso la Ginopedia el señor Satie, realizada con tecnología del siglo XXI y llena de simbolismo mágico.
Para todos aquellos que gustéis del exotismo "cult-groove" de los 70 os presento un veterano músico etíope llamado Mr. Mulatu Astatké que es a Etiopía lo que Fela Kuti a Nigeria. Ambos tienen en común la influencia del Jazz y del Funky y si Fela fué el crador del "afrobeat" y que de manera muy digna continúa su hijo Femi con el desarrollo del mismo, es Astatké creador de lo que él mismo denominó "ethiojazz". Una música compleja, llena de exquisitos matices y que ha estado oculta, hasta que reciéntemente bandas sonoras de películas como "Flores rotas" de Jim Jarmush , película a través de la cual reconozco mi descubrimiento de este artista y una serie de discos recopilatorios denominados Ethiopiques nos la han dado a conocer al común de los mortales. esta música que parecía permanecer oculta en Etiopía.
Desde que fundara en New York la Ethiopian Quintet hasta su reciente unión al grupo inglés de funk electrónico y acid jazz The Heliocentrics . Astatké tiene una dilatada carrera a la que combiene echarle un vistazo y que en el volumen 4 de la serie Ethiopiques podéis encontrar una muestra de la enigmática, hipnótica y sugerente música de este gran artista.
Como muestra aquí os dejo unos vídeos para que podáis disfrutar del "ethiojazz" en dos vídeos el primero correspondiente Astatké y el segundo con los ya mencionados Helicpters en directo. Por supuesto no he podido resistir a la tentación de poner una canción del gran Fela Kuti para finalizar el artículo.
Deme cuarto y mitad de esos tomates tan..., así es como parece, en ciertos certámentenes-concursos-mercadillos del arte, se cataloga la naturaleza de una pintura. Se encuentran metros cuadrados y más metros de telas pintadas, no en función de su calidad (sensibilidad, belleza, emociones transmitidas, representación del tiempo presente...), sino atendiendo al espacio de pared que cubren. Se seleccionan y premian pinturas por los metros cuadrados que ocupan independientemente de su calidad como si de simples piezas de decoración se trataran ¿pegarán esos colores con la tapicería del despacho?.
¿Originalidad?, ¿Modernidad?, acaso una vulgar imitación de una pintura de Tapies o Chillida es ser "modelno". La verdad es que la cultura y en concreto la pequeña porción de la misma a la que pertenece la pintura como arte, parece atravesar por unos momentos bastante pobres y poco audaces, lamentablemente. Salvo, afortunadamente, honrosas excepciones y que en Zaragoza muy bien podrían representar artistas jóvenes como Eduardo Lozano Chavarría, Juan Zurita o Ana Maoraz por ejemplo.
Estoy más que harto de ver vulgares imitaciones absolutamentetrasnochodas de Saura o de cualquier otro pintor del Gurpo "el Paso" o "Pórtico" que sin duda abrieron camino en su día y fueron vanguardia, pero los tiempos cambian, la sociedad cambia y la forma de expresarlo debe adaptarse al cambio, lo que ayer fue vanguardia y rompedor hoy no lo es. ¿Dónde se encuentran los signos de nuestros tiempos (La informática, lo digital., la nueva figuración, las fusiones abstractas más imaginativas...) ¿Qué concursos de pintura son éstos, en los que lo digital o la nueva figuración ,lejos de ensalzarse como signo de modernidad, en su sentido más noble y positivo de "vida presente" y actualidad que no moda efímera), se considera como algo negativo, "eso, ¡con un ordenador lo hace cualquiera!". ¿Acaso nos imaginamos que los artistas del Renacimiento hubieran desechado por el mismo motivo el uso de las nuevas perspectivas cónicas, o en los siglos XVI y XVII artistas como JohannesWermeer -del que podéis ver a la derecha su obra "Mujer con una jarra de agua" realizada hacia 1662 y de paso recomendaros la película "la joven de la perla" dirigida por Peter Webber en 2003- hubieran sido despreciados por el uso de cámaras oscuras que dieron a sus cuadros nuevas perspectivas y visiones más consonantes con la fotografía actual, por ejemplo?.
Esto me recuerda a cuando se empezó a implantar el tratamiendo digital de la imagen, cómo "artesanos caducos" rechazaban su uso argumentando que "no era lo mismo, el ordenador -lo hace solito- mientras que en el laboratorio...", estos mismos artesanos ahora sueltan bendiciones sobre las nuevas técnicas. En definitiva argumentaciones pobres para pobres espíritus. Estamos gobernados por miopes, tristes y grises mentalidades sin capacidad para asumir que los tiempos cambian, que hay que asimilar las nuevas tecnologías y hay que estar abiertos a las innovaciones. Se me olvidaba apostillar una pequeña tontería, hay más mundo aparte del comandado por ilustres galeristas, no todos sucumbimos a las leoninas condiciones impuestas por muchos de ellos que acaban por axfisiar la creatividad del artista. Sí a los mecenas, no a los vulgares mercaderes.
Cuadros de derecha a izquierda correspondientes a los artistas aragoneses Eduardo Lozano, Juan Luis Borra y Juan Zurita, tres visones diferentes y complementarias de la modernidad urbana.
En la 8ª edición, del Premio de pintura Delegación del Gobierno, tengo el placer de comunicaros que he sido seleccionado para formar parte de la exposición que se inaugura el día 17 de diciembre en el Museo Camón Aznar de Zaragoza con la obra "El secreto de la libélula". La libélula, ese ser mágico y misterioso a los ojos de cualquier niño -al menos lo resultaba para mi-, con sus vivos colores y ese peculiar vuelo que recuerda al de un helicóptero. Con esta obra he querido plasmar la visión inversa, es decir, cómo una libélula ve a un par de niños absortos en sus juegos sin más preocupación que el presente de la manera más inocente, sin contaminaciones ni perturbaciones mentales. La magia de la inocencia infantil, que no estupidez, llena de ilusiones, curiosidad, descubrimientos y colorido.
mbre y el 31 de enero en el mencionado museo de Zaragoza. La obra ganadora es de otra artista zaragozana que ya hemos nombrado en este blog, se trata de Ana Maorad, y causalmente de temática muy similar con la obra "Mares de sueño". La exposición tendrá su continuidad a lo largo del año entrante en Huesca y Teruel.
mbre y el 31 de enero en el mencionado museo de Zaragoza. La obra ganadora es de otra artista zaragozana que ya hemos nombrado en este blog, se trata de Ana Maorad, y causalmente de temática muy similar con la obra "Mares de sueño". La exposición tendrá su continuidad a lo largo del año entrante en Huesca y Teruel.
El 16 de octubre se cumple el 155 aniversario del nacimiento de Oscar Wilde. Nació en el seno de una acomodada familia dublinesa en el año 1854, el segundo de tres hermanos si bien su hermana pequeña murió a temprana edad, en el momento del nacimiento de Oscar su madre deseaba una niña así que Wilde durante los primeros años fue vestido asiduamente con ropas de niña conformando así el primer apéndice estrambótico en la personalidad de la vida del escritor. 
