SOUL TRAVELER

En el Centro de Estudios del Bajo Martín de Híjar (Teruel), entre los días 12 de abril y 10 de mayo, bajo el título de "Soul Traveler" se presenta una nueva exposición de J. L. Borra. 


Una metáfora del viaje interior a través de las vistas e inspiraciones producidas a través de diferentes viajes por el mundo en el que pueden apreciarse deconstrucciones y transfiguraciones de escenas urbanas cotidianas.

EVANESCENCIAS

Nueva exposición de J.L.Borra en el Club Náutico de Zaragoza, entre los días 21 de noviembre y 20 de diciembre, con el sugerente título de "EVANESCENCIAS". Un viaje por el mundo onírico de las ensoñaciones y transmutaciones de escenas urbanas cotidianas. 

Es un tríptico expositivo compuesto por las series "sociedad líquida", "transmutaciones" y "haikus". Tres visiones o puntos de vista distintos y complentarios de la realidad social que nos circunda.

Si quereis profundizar más en la exposición sólo teneis que pincha es la palabra "EVANESCENCIAS" y os conducirá a la página dedicada a la exposición creada por el artista.

SE VA EL AMOR

"Paisajes imaginados." JLBorra

En esta ocasión me apetece poner un hermoso cuento zen que me he encontrado, se trata del cuento titulado "Se va el amor" extrtaído del libro "Los más bellos cuentos zen" de Henri Brunel. Que cada cual saque su propia interpretación

Las fotografías son cuadros de una serie de trabajos que vengo realizando de inspiración oriental y más concretamente de la cultura japonesa.
 

 "Un hombre joven y pobre llamado Iruka amaba con toda la locura de su corazón a una muchacha rica y bella a más no poder. Puesto que era letrado, Iruka escribió a su amada una carta de amor cada día durante tres largos años sin fallar una sola vez. Al tercer año, se atrevió a sugerirle que le hiciera un signo durante la fiesta del bon. Pero la amada no respondió, ni siquiera lo miró, ni le mostró nunca el menor interés. Entonces el corazón de Iruka se cansó. Pensó hacerse monje, y lo hizo. Y pasó el tiempo ...

Una mañana de primavera, iba a buscar el agua a un pozo situado cerca de su ermita, cuando Iruka se encontró a Chujo por primera y última vez en su vida. Ella se echó a sus pies:

¡Iruka! exclamó, ¡He caminado durante meses antes de encontrarte, y por fin te veo, admirable Iruka! Tu amor, del que dan testimonio mil cartas, ha terminado por tocarme el corazón.

 Al decir aquellas palabras, descubrió su rostro, hasta aquel momento cubierto por un velo de seda, y era tanta su belleza que hacía palidecer la luz del día.

"Haiku00". JLBorra

Soy tuya, Iruka, ahora te amo como me amabas tú entonces. Es demasidado tarde, Chujo, he cortado todos los lazos con esta clase de amor. Soy monje.

Y sin una mirada, la dejó. 
 

Chujo, desesperada, se tiró al río y se ahogó.

Enterado de la noticia, Iruka compuso este poema:

No queda en la rama,

la flor de cerezo,

antes del verano muere. 

Esta historia pertenece ahora al pasado. Todo lo que nace muere. Todo lo que viene se va, y no permanece más que el eterno Atma."
 

XXVI - CONCURSO DE PINTURA FRANCISCO PRADILLA

"Taxi", autor JLBorra

Uno de los pocos concursos de pintura que quedan en la cominidad de Aragón (España) es el dedicado al prestigioso pintor Francisco Pradilla natural de la localidad organizadora y que da nombre al concurso en su ya XXVI edición. Ha sido precisamente en él en el que he tenido el honor de haber sido seleccionado con mi pintura "Taxi" una serie de pinturas en la que muestro un trabajo de encuentros desenfocados, distorsionados e impresionistas de la realidad cotidiana que me encuentro por las calles en mis viajes en una faceta absolutamente "flaneur" que reconozco practicar de manera entusiasta. Un afán observador de la realidad que me rodea y que me lleva a la realización de  estas obras en una de las múltiples líneas de trabajo que desarrollo. La exposición puede verse en Villanueva de Gállego (Zaragoza) de vierne a sábado en horario de 17h a 20h en la sala Francisco Pradilla de la Casa de Cultura del Ayuntamiento.

Como momento musical os dejo un maravilloso tema psudolisérgico de Gap Dream, "58th St. Fingers"

Toshio Saeki

Nacido en 1945 y conocido como el “padrino de la erótica japonesa” cuya obra se ha intentado censurar en repetidas ocasiones en su país natal, ha sabido conjugar a la perfección el clasicismo tradicional pictórico y del grabado japonés con su particular y contemporáneo imaginario.

Toshio Saeki es uno de los ilustradores más aclamados en Japón y con mayor proyección internacional, maestro de la ilustración erótica japonesa, en el reino de los sentidos tejedor de ensoñaciones psicosexcuales, devora e invade el mundo cotidiano circundante con sus imágenes decadentes y un tanto dementes de sexo lujurioso, sensual, perturbador, oscuro y luminoso por partes iguales. 

Practica la impresión Chinto, una versión moderna del ukiyo-e, un género tradicional de grabado japonés en madera (xilografía), "pinturas del mundo flotante" o estampa japonesa surgido en el siglo XVII y se extiende hasta el siglo XX con diferentes escuelas y entre cuyos artistas más representativos se e encuentran Utamaro, Hokusai o Hiroshige por ejemplo.

La originalidad de Toshio radica en la temática de la obra de arte que vomita monstruos, colegialas perturbadoras, pesadillas de tinte sádico que chocan, seducen y provocan reacciones psíquicas y físicas en los espectadores. Todo ello sin abandonar ese sentido y sensibilidad particular de la armonía oriental.

En él, hombres, mujeres, monstruos, niños y animales se mezclan para mostrarnos su propia visión interior del mundo. Busca premeditadamente impresionar al espectador, también quiere hacernos reflexionar sobre nuestros deseos ocultos y mostrarlos abiertamente al público. 

Aquí dejamos un pequeño vídeo con la imaginería de este artista acompñado de la música de Béla Bartók tan inquietante como las estampas de Toshio.

Arte Zen

La filosofía Zen siempre me ha atraido, esa búsqueda de la paz interior y de la serenidad y como no, su aplicación a las artes plásticas.

Las artes zen buscan expresar la verdadera “mismidad” -la esencia última y primeigenia- de un fenómeno o situación, su misterioso “espíritu” viviente que forma parte de la esencia siempre cambiante de la existencia.

 Esto exige una intuición que fluya libremente y que surja del estado de no-pensamiento. Cuando se crea verdadero arte zen, no se le considera obra humana, sino más bien la expresión de la naturaleza fluyendo espontáneamente a través del artista

Existe un larga tradición, que en forma de cuentos  y haikus -relatos breves como pequeños dardos intelectuales, poesía tradicional japonesa- en los que se expresa de manera magistral este estado de pensamiento. 

Como muestra aquí dejo el cuento de "La taza vacía", así como una muestra musical zen con la flauta tradicional de bambú  -Shakuhachi-.

La taza vacía

Según una vieja leyenda, un famoso guerrero, va de visita a la casa de un maestro Zen.  Al llegar se presenta a éste, contándole de todos los títulos y aprendizajes que ha obtenido en años de sacrificados y largos estudios.

Después de tan sesuda presentación, le explica que ha venido a verlo para que le enseñe los secretos del conocimiento Zen.

Por toda respuesta el maestro se limita a invitarlo a sentarse y ofrecerle una taza de té.

Aparentemente distraído, sin dar muestras de mayor preocupación, el maestro vierte té en la taza del guerrero, y continúa vertiendo té aún después de que la taza está llena.

Consternado, el guerrero le advierte al maestro que la taza ya está llena, y que el té se escurre por la mesa.

El maestro le responde con tranquilidad "Exactamente señor. Usted ya viene con la taza llena, ¿cómo podría usted aprender algo?

Ante la expresión incrédula del guerrero el maestro enfatizó: " A menos que su taza esté vacía, no podrá aprender nada"

Segundo Chomón

Segundo Chomón Ruiz (Teruel, 1871-París, 1929), pionero del cine junto a los hermanos Lumière, George Méliès y Charles Pathé al que me apetecía dedicrle unas líneas en esta pequeña abadía.

Se trasladó a París a mediados de 1895, pocos meses antes de la presentación oficial del cinematógrafo Lumière, en donde se casó con la actriz de teatro y vodevil Julienne Alexandre Mathieu que había intervenido como actriz en algunas películas y trabajaba en el taller de coloreado a mano de películas fotograma a fotograma fundado por Georges Méliès en 1897.

Chomón empezó a trabajar en el taller de manera casi inmediata, preludio de la que será una de sus obsesiones más grandes hasta el momento de su muerte: el cine en color. Su habilidad y dedicación le llevaron a idear poco tiempo después un revolucionario sistema de coloreado a mano conocido con el nombre de «pochoir», que después, con ligeras evoluciones, fue patentado por Charles Pathé con la denominación Pathécolor.

A su vuelta a Barcelona fundó un estudio para la coloración de películas. En 1906 fue contratado por la empresa francesa Pathé, para la que realizó más de 100 cortometrajes. Fué precisamente an la Pathé Frères en donde utilizó el primer travelling y en esta misma cinematografica rodó su famosa obra  Hotel Eléctrico. Chomón trabajó incansablemente en nuevos descubrimientos técnicos y efectos especiales que luego aplicaba a sus películas fantásticas. Sus colaboraciones en mitos del cine mudo como Cabiria de Pastrone o Napoleón de Gance le hicieron ganarse el apodo de «el Méliès español».

Aquí os dejo Viaje a la luna (Le voyage dns la line) de 1902 que fue presentada en Cannes restaurada en el año 2011, una pequeña gran maravilla.

 

Ciclos

Creation

Earth

The Doors of perception

Masao Yamamoto

Comenzamos un nuevo año y lo hacemos con energías renovadas. Me apetecía empezar de una manera especial y dada la negatividad que parece asolarnos con esta crisis que parce que nunca acaba, quería introducir en nuestros corazones un poco de paz y armonía. 

De ahí que haya elegido a este fotógtafo japonés. Masao Yamamoto, podía haber sido cualquier otro artista japonés como Mitsuko Nagone y esa visón pop llena de color, o la visión suburbana de Tomoyuki Sakaguchi o esa visión un tanto inquietante femenina de Izima Kaoru, Pero me he decidido por Masao porque representa en imágenes esos haikus -pequeños pomas llenos de sabiduría- tradicionales de la cultura zen y transmite esa paz y armonía tan maravillosa, como sólo la cultura oriental es capaz de hacer.

Masao Yamamoto es un fotógrafo japonés nacido en 1957. Imágenes, las suyas llenas de hermosas metáforas que nos incitan a meditar y a observar el mundo desde un equilibrio poético zen. Un universo lleno de vida y luz, imágenes inspiradas en la naturaleza y el cerpo humano, usa la fotografía para capturar imágenes que puedan evocar recuerdos. Desdibuja el límite entre la pintura y la fotografía experimentando con las superficies impresas, tiñendo y pintando con té, rasgandolas...

Sus fotografías son pequeñas y parecen viejas Las lleva consigo en caminatas, las frota con sus manos, hasta que consigue el resultado deseado. Llama a esto el proceso del olvido o la producción de recuerdos. Porque en las fotografías viejas los recuerdos se manipulan totalmente y es eso lo que le interesa y la razón por la que hace este trabajo.

La última oportunidad de ver la obra de este artista en España fue  el año pasado en el que tuvo lugar una exposición retrospectiva de su obra (con más de 200 fotografías) en la galería Valid Foto en Barcelona. 

Belleza y salud para todos

Aquí podéis ver un pequeño vídeo con algunas de sus obras:

JLBorra, nueva página profesional en Facebook

Como el tiempo no para, no queda otra que adaptarse y regenerarse así que he creado un nuevo perfil, exclusivamente profesional, en una las múltiples redes sociales que nos invaden. Facebook es la plataforma y en esta dirección http://www.facebook.com/JuanLuisBorraLopez. Podrán verse en dicha plataforma las novedades y el diverso trajo que voy desarrollando.

Del buen uso de la lentitud

"Fugacidad de lo Vivo III", autor JL Borra

Releyendo el libro "del buen uso de la lentitud" de Pierre Sansot, me han venido algunas reflexiones sobre la lentitud en el arte actual y la necesidad de la comercialización de la obra, un aspecto que entra en serias contradiccones.

En él se encuentran algunos pensamientos al respecto:

"La exposisición según Warhol parece esencial. Sin ella, el objeto no pertenecería al ámbito del arte. De ahí el papel esencial de las galerías. de los museos, de algunos lugares públicos. El artista debería demostrar su competencia como organizador de eventos culturales. Si una obra con gran calidad fuera solamente conocida por algunos aficionados, no tendría demasiado valor....Por el contrario, los artistas preocupados por su interioridad sienten ecrúpulos a la hora de exponer;por lo tanto, a mostrarse desnudos, a sufrir el asalto de las miradas indiscretas.

... Un arista así habrá tenido que escoger a menudo entre el dinero, el éxito social y la búsqueda de lo que piensa es esencial en él y en el mundo. No desea la pobreza, pero cuando ésta existe, le tranquiliza sobre su fidelidad a ciertos valores inestimables (carísimos). Para Warhol, en cambio, ganar dinero es arte. Trabajar es arte y hacer buenos negocios es la cumbre de las artes."

Me reconozco artista de la lentitud, intimista, y desde luego no reconozco "el hacer buenos negocios" como la cumbre de las artes, sino más bien la máxima expresión de la decadencia de una sociedad, en la que parece perderse los valores de la generosidad, la solidaridad o el amor universal.

Por otro lado es necesario el negocio para poder sobrevivir dignamente, y es evidente que una obra de arte sin espectadores que la contemplen está muerta. Supongo que, como siempre en la máxima budista del "camino medio" se encuentra la solución. Un equilibrio delicado en el que nos encontramos muchos artistas.

Como momento muscal os dejo a una de las bandas más relevantes del panorama "indie" actual norteamericano con claras influencias psicodélicas y postpunk, originarios de Atlanta, Deerhunter nos presentan "Strange Lights"

Saul Leiter

Saul Leiter siempre se ha considerado pintor además de fotógrafo, uno de los pioneros de la fotografía en color. Ya en 1946, mucho antes que los llamados "padres de la fotografia en color" William Eggleston o Stephen Shore, Saul Leiter incorporó el color a sus imágenes de fotografía callejera, a pesar del desprecio de los artistas del momento.

Aves y cenizas, 1940

En sus pinturas y sus fotografías hay una tendencia clara a la abstracción y una cualidad matérica. Una ausencia deliberada de detalle, un movimiento difuso y una consciente reducción de la profundidad de campo y de la iluminación.  Son imágenes que no presentan al fotografiado como un individuo, sino como un impulso borroso de color; tras cristaleras empañadas, entre edificios, detrás de una señal de tráfico... 

En sus instantáneas los géneros de fotografía de calle, retrato, moda y arquitectura se mezclan convirtiendo su obra en algo imnótico, consigue atrapar al espectador dentro de sus ensoñaciones conscientes y siempre urbanas con New York conmo protagonista; algo con lo que reconozco me identifico plenamente dentro de mi labor creativa, si bien lo hago extensible a cualquier ciudad que me llame especialmente la atención.

Aquí dejo un pequeño vídeo con música de Miles Davis y fotografías de  Leiter
 

Kenneth Anger

De vez en cuando me apetece hacer alguna incursión en el mundo más subterráneo y olvidado del séptimo arte y esta vez le ha tocado el turno a Kennet Anger, el artista de la luz y uno de los personajes más influyentes en el mundo artístico del videocip musical.. 

En un capítulo titulado “The Magus” (“El mago”), P. Adams Sitney escribe:

“En las películas de [Kenneth] Anger, su imagen de sí mismo, la del ser, es la de un Mago y no la de un cineasta. Él se mantiene en la tradición de Jean Cocteau, por quien sentía una gran estima y quien, con La sangre del poeta, hizo de la búsqueda estética un tema legítimo para el cine. Es interesante que Cocteau haya usado el cine para estudiar el funcionamiento de la poesía, absteniéndose de lo reflexivo absoluto de una película sobre el cine mismo. Anger y otros cineastas de la vanguardia americana tomaron de Cocteau su fascinación por los medios tradicionales del arte – la poesía, la música, la escultura - contrapuestos al cine; así como su fusión de la búsqueda de lo estético con la búsqueda de lo erótico. […]
Para Anger, el quehacer estético es una categoría de la magia [NT: En este caso la palabra “Magick” con “k”, hace referencia a creencias neopaganas específicas]. Su forma de imaginar el ser es particularmente compleja porque involucra tantas distinciones como grados hay para el mago”.

Hay que entrar en las fauces más profundas del cine underground y provocar un incomodo momento, un momento de realidad, de subrealidad, de hiperealidad, de todas las desfiguraciones que la realidad tenga en lo mítico, en lo oculto, en lo místico para ver el cine de Anger. Icono del mundo subterráneo, el maestro del cine más bajo y pecaminoso. Desde 1937 sus cortos  se han fusionado en diversas corrientes de surrealismo y homoerotismo, con lo oculto; lo infernal. La mayoría contienen elementos de erotismo, documental, psicodrama y espectáculo circense. Ha causado un impacto profundo en el trabajo de muchos otros cineastas y artistas como Martin Scorsese, David Lynch y John Waters. También es el autor del controvertido libro  “Hollywood Babilonia” y su secuela “Hollywood Babilonia II”, en el que afirma  exponer muchos de los rumores y los secretos de las celebridades de Hollywood. , ha logrado que géneros como el vídeo musical se transformaran en una forma de arte emergente, integrando secuencias del sueño, danza, la fantasía y narrativa.

Durante la década de los 60 y 70 se asoció y trabajó con diferentes figuras de la cultura popular y el ocultismo, incluyendo la Iglesia de Satán de Anton LaVey su fundador, el sexólogo Alfred Kinsey, el artista Jean Cocteau, el dramaturgo Tennessee Williams, el director Alejandro Jodorowsky, Andy Warhol, músicos como Mick Jagger y Keith Richards, Jimmy Page, Tom Waits y Marianne Faithfull.

“Soy un artista trabajando con la luz y sólo eso me interesa de verdad. Lucifer es el dios de la Luz y no el diablo, eso es una difamación cristiana. El diablo siempre es el dios de los otros. Lucifer aparece en otras películas mías; no lo llamé así, pero siempre hay una figura o un momento en esas películas que es mi “momento Lucifer”…”

La última cena y la sincronicidad

Muchas son las anécdotas y teorías ocultistas que acompañan a la obra del Maestro Da Vinci, pero hay una en particular que simepre me ha emocionado mucho y es la que a continuación voy a exponer. 

Se trata de la teoría de la sincronicidad de Jung llevada a un ejemplo práctico real que le ocurrió al maestro al pintar "La última cena".

Aquí pongo para los despistados una síntesis de la teoría. Sincronicidad (sin-, del griego συν-, unión, y χρόνος, tiempo) es el término elegido por Carl Gustav Jung para aludir a «la simultaneidad de dos sucesos vinculados por el sentido pero de manera acausal -sin ninguna relación causal aparente-».

Tardó 20 años en hacer realidad "La Última Cena", Leonardo Da Vinci, debido a que era muy exigente al buscar a las personas que servirían de modelos para su pintura. Tuvo problemas en iniciar la pintura porque no encontraba al modelo para representar a Jesús, quien tenía que reflejar en su rostro pureza, nobleza y los más bellos sentimientos. Así mismo debía poseer una extraordinaria belleza varonil. Por fin, encontró a un joven con esas características, fue el primero que pintó. Después fue localizando a los 11 apóstoles, a quienes pintó juntos, dejando pendiente a Judas Iscariote, pues no daba con el modelo adecuado. Éste debía ser una persona de edad madura y mostrar en el rostro las huellas de la traición y la avaricia. Por lo que el cuadro quedó inconcluso por largo tiempo, hasta que le hablaron de un terrible criminal que habían apresado. Fue a verlo y era exactamente el Judas que él quería para terminar su obra, por lo que solicitó al alcalde le permitiera al reo que posara para él. 

El alcalde conociendo la fama del maestro Da Vinci, aceptó gustoso y llevaron al reo custodiado por dos guardias y encadenado al estudio del pintor. Durante todo el tiempo el reo no dio muestra de emoción alguna de que había sido elegido para modelo, mostrándose demasiado callado y distante. 

Judas a la izquierda señalando con la mano a Jesús en el centro.

Al final, Da Vinci, satisfecho del resultado, llamó al reo y le mostró la obra, cuando el reo la vio, sumamente impresionado, cayó de rodillas llorando. Da Vinci, extrañado, le preguntó el por qué de su actitud, a lo que el preso respondió: '¿Maestro Da Vinci, es que acaso no me recuerda?' Da Vinci observándolo le contesta: 'No, nunca antes lo había visto'. Llorando y pidiendo perdón a Dios el reo le dijo: 'Maestro, yo soy aquel joven que hace 19 años usted escogió para representar a Jesús en este mismo cuadro'.

El Perro Blanco, edición primavera 2012

En la revista de artes y letras internacional "El Perro Blanco" de la editorial "Libros del Innombrable", aparece en portada una de mis obras pictóricas, la titulada "Five Basball Players". 

El perro blanco nº 13.4
Revista internacional, primavera 2012

Sumario:

Portada de Juan Luis Borra

Editorial por Juan Fº Nevado

Entrada: Artículo de… Andrés Ortiz-Osés

Entrevista a Andrés Ortiz-Osés por Mariano García
Vilhelm Hammershøi och antydningens konst, por Viveca Tallgren
Voces de Brasil I. Sección dirigida por Alicia Silvestre
Poemas de Anderson Braga
Artes Plásticas. Sección dirigida por Andrés Rubio
Pinturas de Jaime Asensi
Filosofía Sección dirigida por Antonio Muñoz Ballesta
Poesía Sección dirigida por José Antonio Conde,
poemas de… Almudena Vidorreta
La desaparición de Dr. Nulla, por Christian T. Arjona
ANATHO Viaje y quiebre de un cuerpo III, Por Andrea González
Música Sección dirigida por Joan Pere Bonfill (Soler) Gil
La negación de San Pedro. Poema de José Antonio Conde inspirado en el lienzo del mismo título de Raúl Herrero.

Si el lector está interesado en adquirir un ejemplar de la edición limitada en papel pueden hacerlo a través del siguiente enlace:

http://www.librosdelinnombrable.com/novedades/novedades.asp

También se puede ojear de manera gratuita desde aquí

Arrabal 80

El pasado 11 de agosto Fernando Arrabal cumplió 80 años. Con este pretexto el escritor, pintor y edtor además de amigo, Raúl Herrero en su editorial Libros de Innombrable le ha hecho un hermoso regalo, la publicación de un libro, "Arrabal 80". En él ha reunido artículos, poemas, pinturas, motages,...muchos de ellos inéditos, realizados por prsonalidades tan importantes del mundo de la cultura como Samuel Beckett, Alejandro Jodorowsky, Antonio Fernandez Molina, Fernando Sánchez Dragó, por supuesto su mujer Luce Moreau y piezas del mismo Fernando Arrabal. 

Dentro de las colaboraciones aragonesas se encuentran poetas como Mariano Esquillor, Enrique Villagrasa, José Antonio Conde, Jesús Soria; escritores y profesores como Javier Barreiro y Pablo Lorente; el escritor y director de teatro Ángel Alonso; el crítico de arte Manuel Pérez-Lizano; y pensadores como Andrés Ortiz-Osés. Entre los artistas plásticos figuran Paco Rallo, Ángela Ibáñez y un servidor -Juan Luis Borra-.

Mi colaboración consiste en un modesto retrato "panico" realizado al homenajeado como el Moisés de Miguel Angel, un tono irónico para retratar a quien siempre será coniocido como el poeta del "mileniarismo"  con aquella inolvidable intervención en telivisión en aquel irreverente programa de letras presentado por F. Sánchez Dragó, en un estado de absoluto éxtasis etílico.Genio y figura don Fernando, que no sólo nos regala exquisitos momentos de humor delirante televisivos, sino que además y fundamentalmente nos ofrece una muy extensa y GRAN obra cultural que abarca desde la literatura en toda su dimensión, al teatro o cine.

 

Fernando Arrabal, creador del movimiento "pánico" en los años 60 junto con A. Jodorowsy y el pintor Roland Topor, en referenvia al dios "Pan", el cual se manifiesta a través de tres elementos básicos: el terror, el humor y  la simultaneidad.

 Aquí dejo un extraco de la obra de teatro "Fando y Lis", de Fernando Arrabal, llevada al cine por A. Jodorowsky.

Para finalizar el mismo Fernando Arrabal a modo del marqués de Sade por momentos, nos recita un poema pánico-amoroso.

Campos de fresas

"Estoy al final de un camino y al comienzo de otro.Puedo escoger. Retroceder, para empezar de nuevo, por el primer camino, o seguir, para ver que hay en este. Siento que una parte de mí me empuja hacia adelante, pero otra me obliga a esperar y luchar. Como luchan ellos. 

Todos están ahí abajo, junto a mi cuerpo, tratando de salvarme, de conseguir que ese yo que ahora flota vuelva a mi otro yo físico. Los veo desesperarse, me inyectan cosas, se gritan unos a otros dándose órdenes, manipulan aparatos. No saben que la decisión es mía.

Tengo la paz tan cerca... 

Sin embargo, no quiero que sufran, y sé que están sufriendo. Papá, mamá, Norma, Eloy...

Tal vez debiera luchar. Siempre habrá una paz, pero no tengo más que una vida. Esta vida. 

Recuerdo la partida del último campeonato. ¡ Oh, sí, sí, fue genial! ¡Qué maravilla! No solo fue la victoria, sino cómo la conseguí. Me sentí orgullosa de mi misma. Acorralada sin mi reina, sin torres, sin el alfil blanco y sin el caballo negro, con un alfil y un caballo, y tres peones. Mi rival tenía todas las de ganar, pero resistí, paciente. Ella cometió un error, provocado por mí y tras él....

Puede que sea la clave: luchar. 

Sí, la paz estará siempre ahí, al final del camino,  pero antes he de pasar por muchas batallas.

Ese es el sentido de la vida, de la partida. No rendirse. No rendirse jamás. Esperad... ¡esperad! ¿Quién ha dicho que me estáis perdiendo?

Quiero volver. Aún no es el momento.Quiero seguir con vosotros, mientras decido cuál ha de ser mi próximo movimiento.

Esperad... he vuelto, estoy aquí, ¿notáis mi pulso?

Esperad..." (Jordi Sierra i Fabra, "Campos de fresas")

The Beatles: Strawberry Fields Forever - Campos de fresas para siempre

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre

Es fácil vivir con los ojos cerrados
Sin comprender nada de lo que ves
Resulta difícil ser alguien
Pero todo sale bien
A mí no me importa demasiado

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre

Creo que no hay nadie en mi árbol
O sea que debe de ser alto o bajo
Para que no puedas sintonizar
Pero está bien
Es decir, creo que no está del todo mal

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre

Siempre, no a veces, creo que soy yo
Pero sé cuando es un sueño
Creo que sé cuando quiero decir " sí"
Pero es totalmente falso  
Es decir, no creo estar de acuerdo

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de fresas por siempre

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Let me take you down,
cause I’m going to strawberry fields.
Nothing is real and nothing to get hungabout.
Strawberry fields forever.

Living is easy with eyes closed,
misunderstanding all you see.
Its getting hard to be someone
but it all works out,
it doesn’t matter much to me.

Let me take you down,
cause I’m going to strawberry fields.
Nothing is real and nothing to get hungabout.
Strawberry fields forever.

No one I think is in my tree,
I mean it must be high or low.
Nhat is you cant
you know tune in but its all right,
that is I think
its not too bad.

Let me take you down,
cause im going to strawberry fields.
Nothing is real and nothing to get hungabout.
Strawberry fields forever.

Always, no sometimes,
think its me, but you know i know
when its a dream.
I think I know I mean a yes
but its all wrong, that is i think
I disagree.

let me take you down,
cause I’m going to strawberry fields.
Nothing is real and nothing to get hungabout.
Strawberry fields forever.
Strawberry fields forever.

Nu Jazz

En los años 80, grupos como Brand New Heavies, Jamiroquai o Incognito se dedicaron a fusionar desde el Reino Unido Jazz con otros estilos musicales de procedencia negra como el soul, la música disco o el groove y...¡bingo! un nuevo género musical surgió lleno de vida, color y mucho ritmo de baile elegante, fue el Acid Jazz. 

A finales de los 90 y casi adentrándonos ya en el presente siglo XXI, se da una vuelta de tuerca más y a la mencinada fusión se añade el funk, la música electrónica, lalibre improvisación y últimamente los DJs con sus scrayching, es el Nu Jazz también conocido como e-jazz, electro-jazz, jazz-house...

Es aquí donde entran grupos como el colectivo internacional Nu Jazz Project con sede repartida entre Bruselas y Londres. Este grupo se puso en marcha en Bruselas por el baterista y productor de Sylvio Iascio François Legrain, diseñado para permitir a los músicos y artistas del grupo expresarse a través de la música. 

El grupo está integrado hoy en día no sólo músicos sino también por diseñadores gráficos, ilustradores, fotógrafos ... Elegancia y buen gusto son el sello inequívoco de Nu Jazz Project.

Aquí os dejo el tema "Keep me in mind" de este hermoso proyecto.

Otro ejemplo de Nu-Jazz elegante nos loencontramos con este hermoso vídeo y tema muy veraniego, "Abstract summer" del mismo proyecto.

Para finalizar os dejo algunos grupos que os invito a que descubrais si no tenéis el gusto de conocerlos todavía. "Electro Deluxe Point G", "Moca", "The Herbaliser" o "Mop Mop", por ejemplo. Y aquí dejo un último vídeo en el que puede apreciarse en directo el uso también del video-arte comoo herramienta complementaria a la música, se trata de Green Monkey.

El arte de lo efímero: "tableau vivant"

El carácter efímero de ciertas expresiones artísticas es ante todo un concepto subjetivo supeditado a la propia definición del arte, término controvertido y abierto a múltiples significados, que han ido oscilando y evolucionando con el tiempo y el espacio geigráfico, ya que no en todas las épocas y todos los lugares se ha entendido lo mismo con el vocablo «arte».

No es la primera vez que abordamos el tema en este pequeño espacio. Con Sachiko Kodama y sus incursiones en el mundo del electromagnetismo como medio de expresión artística ya hizmos una pequeña introducción. 

Jardín zen japonés

Se trata de una disciplina que tiene cabida en casi cualquier ámbito social que se nos pueda ocurrir: en la arquitectura por ejemplo con la tour Eifel concebida originalmente no como un elemento artístico ni tampoco como algo permanente, es un claro ejemplo que afortunadamente para nosostros ha perdurado, los jardines zen en japón son otro ejemplo de arte efímero y mutante.

Tableau vivant after Ivanhoe by Walter Scott, anónimo, c. 1863

En estra ocasión quiero centrarme en una disciplina que ya viene practicándose desde finales del siglo XIX con la incursión de la fotografía y el cine en el arte, se trata del "Tableau vivant" o cudro viviente en castellano.  Directores de cine como don Luis Buñuel, en su película Viridiana hizo un pequeño juego escénico en un "tablau vivant" absolútamente magistral en la escena de los mendigos en derredor de la mesa imitando de manera clara y muy irónicamente la escena de "la última cena" de Leonardo Da Vinci.

Un juego con las fronteras que existen entre la pintura, el videoarte y el performance y que artistas como Adad Hannah han adoptado y adaptado como medio de expresión artística absolutamente contemporáneo. Adad propone distintas escenas y cuadros vivientes que juegan con la percepción del espectador.

Aquí os dejo un vídeo con diferentes creaciones de este artista: