JLBorra, nueva página profesional en Facebook

Como el tiempo no para, no queda otra que adaptarse y regenerarse así que he creado un nuevo perfil, exclusivamente profesional, en una las múltiples redes sociales que nos invaden. Facebook es la plataforma y en esta dirección http://www.facebook.com/JuanLuisBorraLopez. Podrán verse en dicha plataforma las novedades y el diverso trajo que voy desarrollando.

Del buen uso de la lentitud

"Fugacidad de lo Vivo III", autor JL Borra

Releyendo el libro "del buen uso de la lentitud" de Pierre Sansot, me han venido algunas reflexiones sobre la lentitud en el arte actual y la necesidad de la comercialización de la obra, un aspecto que entra en serias contradiccones.

En él se encuentran algunos pensamientos al respecto:

"La exposisición según Warhol parece esencial. Sin ella, el objeto no pertenecería al ámbito del arte. De ahí el papel esencial de las galerías. de los museos, de algunos lugares públicos. El artista debería demostrar su competencia como organizador de eventos culturales. Si una obra con gran calidad fuera solamente conocida por algunos aficionados, no tendría demasiado valor....Por el contrario, los artistas preocupados por su interioridad sienten ecrúpulos a la hora de exponer;por lo tanto, a mostrarse desnudos, a sufrir el asalto de las miradas indiscretas.

... Un arista así habrá tenido que escoger a menudo entre el dinero, el éxito social y la búsqueda de lo que piensa es esencial en él y en el mundo. No desea la pobreza, pero cuando ésta existe, le tranquiliza sobre su fidelidad a ciertos valores inestimables (carísimos). Para Warhol, en cambio, ganar dinero es arte. Trabajar es arte y hacer buenos negocios es la cumbre de las artes."

Me reconozco artista de la lentitud, intimista, y desde luego no reconozco "el hacer buenos negocios" como la cumbre de las artes, sino más bien la máxima expresión de la decadencia de una sociedad, en la que parece perderse los valores de la generosidad, la solidaridad o el amor universal.

Por otro lado es necesario el negocio para poder sobrevivir dignamente, y es evidente que una obra de arte sin espectadores que la contemplen está muerta. Supongo que, como siempre en la máxima budista del "camino medio" se encuentra la solución. Un equilibrio delicado en el que nos encontramos muchos artistas.

Como momento muscal os dejo a una de las bandas más relevantes del panorama "indie" actual norteamericano con claras influencias psicodélicas y postpunk, originarios de Atlanta, Deerhunter nos presentan "Strange Lights"

Saul Leiter

Saul Leiter siempre se ha considerado pintor además de fotógrafo, uno de los pioneros de la fotografía en color. Ya en 1946, mucho antes que los llamados "padres de la fotografia en color" William Eggleston o Stephen Shore, Saul Leiter incorporó el color a sus imágenes de fotografía callejera, a pesar del desprecio de los artistas del momento.

Aves y cenizas, 1940

En sus pinturas y sus fotografías hay una tendencia clara a la abstracción y una cualidad matérica. Una ausencia deliberada de detalle, un movimiento difuso y una consciente reducción de la profundidad de campo y de la iluminación.  Son imágenes que no presentan al fotografiado como un individuo, sino como un impulso borroso de color; tras cristaleras empañadas, entre edificios, detrás de una señal de tráfico... 

En sus instantáneas los géneros de fotografía de calle, retrato, moda y arquitectura se mezclan convirtiendo su obra en algo imnótico, consigue atrapar al espectador dentro de sus ensoñaciones conscientes y siempre urbanas con New York conmo protagonista; algo con lo que reconozco me identifico plenamente dentro de mi labor creativa, si bien lo hago extensible a cualquier ciudad que me llame especialmente la atención.

Aquí dejo un pequeño vídeo con música de Miles Davis y fotografías de  Leiter
 

Kenneth Anger

De vez en cuando me apetece hacer alguna incursión en el mundo más subterráneo y olvidado del séptimo arte y esta vez le ha tocado el turno a Kennet Anger, el artista de la luz y uno de los personajes más influyentes en el mundo artístico del videocip musical.. 

En un capítulo titulado “The Magus” (“El mago”), P. Adams Sitney escribe:

“En las películas de [Kenneth] Anger, su imagen de sí mismo, la del ser, es la de un Mago y no la de un cineasta. Él se mantiene en la tradición de Jean Cocteau, por quien sentía una gran estima y quien, con La sangre del poeta, hizo de la búsqueda estética un tema legítimo para el cine. Es interesante que Cocteau haya usado el cine para estudiar el funcionamiento de la poesía, absteniéndose de lo reflexivo absoluto de una película sobre el cine mismo. Anger y otros cineastas de la vanguardia americana tomaron de Cocteau su fascinación por los medios tradicionales del arte – la poesía, la música, la escultura - contrapuestos al cine; así como su fusión de la búsqueda de lo estético con la búsqueda de lo erótico. […]
Para Anger, el quehacer estético es una categoría de la magia [NT: En este caso la palabra “Magick” con “k”, hace referencia a creencias neopaganas específicas]. Su forma de imaginar el ser es particularmente compleja porque involucra tantas distinciones como grados hay para el mago”.

Hay que entrar en las fauces más profundas del cine underground y provocar un incomodo momento, un momento de realidad, de subrealidad, de hiperealidad, de todas las desfiguraciones que la realidad tenga en lo mítico, en lo oculto, en lo místico para ver el cine de Anger. Icono del mundo subterráneo, el maestro del cine más bajo y pecaminoso. Desde 1937 sus cortos  se han fusionado en diversas corrientes de surrealismo y homoerotismo, con lo oculto; lo infernal. La mayoría contienen elementos de erotismo, documental, psicodrama y espectáculo circense. Ha causado un impacto profundo en el trabajo de muchos otros cineastas y artistas como Martin Scorsese, David Lynch y John Waters. También es el autor del controvertido libro  “Hollywood Babilonia” y su secuela “Hollywood Babilonia II”, en el que afirma  exponer muchos de los rumores y los secretos de las celebridades de Hollywood. , ha logrado que géneros como el vídeo musical se transformaran en una forma de arte emergente, integrando secuencias del sueño, danza, la fantasía y narrativa.

Durante la década de los 60 y 70 se asoció y trabajó con diferentes figuras de la cultura popular y el ocultismo, incluyendo la Iglesia de Satán de Anton LaVey su fundador, el sexólogo Alfred Kinsey, el artista Jean Cocteau, el dramaturgo Tennessee Williams, el director Alejandro Jodorowsky, Andy Warhol, músicos como Mick Jagger y Keith Richards, Jimmy Page, Tom Waits y Marianne Faithfull.

“Soy un artista trabajando con la luz y sólo eso me interesa de verdad. Lucifer es el dios de la Luz y no el diablo, eso es una difamación cristiana. El diablo siempre es el dios de los otros. Lucifer aparece en otras películas mías; no lo llamé así, pero siempre hay una figura o un momento en esas películas que es mi “momento Lucifer”…”

La última cena y la sincronicidad

Muchas son las anécdotas y teorías ocultistas que acompañan a la obra del Maestro Da Vinci, pero hay una en particular que simepre me ha emocionado mucho y es la que a continuación voy a exponer. 

Se trata de la teoría de la sincronicidad de Jung llevada a un ejemplo práctico real que le ocurrió al maestro al pintar "La última cena".

Aquí pongo para los despistados una síntesis de la teoría. Sincronicidad (sin-, del griego συν-, unión, y χρόνος, tiempo) es el término elegido por Carl Gustav Jung para aludir a «la simultaneidad de dos sucesos vinculados por el sentido pero de manera acausal -sin ninguna relación causal aparente-».

Tardó 20 años en hacer realidad "La Última Cena", Leonardo Da Vinci, debido a que era muy exigente al buscar a las personas que servirían de modelos para su pintura. Tuvo problemas en iniciar la pintura porque no encontraba al modelo para representar a Jesús, quien tenía que reflejar en su rostro pureza, nobleza y los más bellos sentimientos. Así mismo debía poseer una extraordinaria belleza varonil. Por fin, encontró a un joven con esas características, fue el primero que pintó. Después fue localizando a los 11 apóstoles, a quienes pintó juntos, dejando pendiente a Judas Iscariote, pues no daba con el modelo adecuado. Éste debía ser una persona de edad madura y mostrar en el rostro las huellas de la traición y la avaricia. Por lo que el cuadro quedó inconcluso por largo tiempo, hasta que le hablaron de un terrible criminal que habían apresado. Fue a verlo y era exactamente el Judas que él quería para terminar su obra, por lo que solicitó al alcalde le permitiera al reo que posara para él. 

El alcalde conociendo la fama del maestro Da Vinci, aceptó gustoso y llevaron al reo custodiado por dos guardias y encadenado al estudio del pintor. Durante todo el tiempo el reo no dio muestra de emoción alguna de que había sido elegido para modelo, mostrándose demasiado callado y distante. 

Judas a la izquierda señalando con la mano a Jesús en el centro.

Al final, Da Vinci, satisfecho del resultado, llamó al reo y le mostró la obra, cuando el reo la vio, sumamente impresionado, cayó de rodillas llorando. Da Vinci, extrañado, le preguntó el por qué de su actitud, a lo que el preso respondió: '¿Maestro Da Vinci, es que acaso no me recuerda?' Da Vinci observándolo le contesta: 'No, nunca antes lo había visto'. Llorando y pidiendo perdón a Dios el reo le dijo: 'Maestro, yo soy aquel joven que hace 19 años usted escogió para representar a Jesús en este mismo cuadro'.

El Perro Blanco, edición primavera 2012

En la revista de artes y letras internacional "El Perro Blanco" de la editorial "Libros del Innombrable", aparece en portada una de mis obras pictóricas, la titulada "Five Basball Players". 

El perro blanco nº 13.4
Revista internacional, primavera 2012

Sumario:

Portada de Juan Luis Borra

Editorial por Juan Fº Nevado

Entrada: Artículo de… Andrés Ortiz-Osés

Entrevista a Andrés Ortiz-Osés por Mariano García
Vilhelm Hammershøi och antydningens konst, por Viveca Tallgren
Voces de Brasil I. Sección dirigida por Alicia Silvestre
Poemas de Anderson Braga
Artes Plásticas. Sección dirigida por Andrés Rubio
Pinturas de Jaime Asensi
Filosofía Sección dirigida por Antonio Muñoz Ballesta
Poesía Sección dirigida por José Antonio Conde,
poemas de… Almudena Vidorreta
La desaparición de Dr. Nulla, por Christian T. Arjona
ANATHO Viaje y quiebre de un cuerpo III, Por Andrea González
Música Sección dirigida por Joan Pere Bonfill (Soler) Gil
La negación de San Pedro. Poema de José Antonio Conde inspirado en el lienzo del mismo título de Raúl Herrero.

Si el lector está interesado en adquirir un ejemplar de la edición limitada en papel pueden hacerlo a través del siguiente enlace:

http://www.librosdelinnombrable.com/novedades/novedades.asp

También se puede ojear de manera gratuita desde aquí

Arrabal 80

El pasado 11 de agosto Fernando Arrabal cumplió 80 años. Con este pretexto el escritor, pintor y edtor además de amigo, Raúl Herrero en su editorial Libros de Innombrable le ha hecho un hermoso regalo, la publicación de un libro, "Arrabal 80". En él ha reunido artículos, poemas, pinturas, motages,...muchos de ellos inéditos, realizados por prsonalidades tan importantes del mundo de la cultura como Samuel Beckett, Alejandro Jodorowsky, Antonio Fernandez Molina, Fernando Sánchez Dragó, por supuesto su mujer Luce Moreau y piezas del mismo Fernando Arrabal. 

Dentro de las colaboraciones aragonesas se encuentran poetas como Mariano Esquillor, Enrique Villagrasa, José Antonio Conde, Jesús Soria; escritores y profesores como Javier Barreiro y Pablo Lorente; el escritor y director de teatro Ángel Alonso; el crítico de arte Manuel Pérez-Lizano; y pensadores como Andrés Ortiz-Osés. Entre los artistas plásticos figuran Paco Rallo, Ángela Ibáñez y un servidor -Juan Luis Borra-.

Mi colaboración consiste en un modesto retrato "panico" realizado al homenajeado como el Moisés de Miguel Angel, un tono irónico para retratar a quien siempre será coniocido como el poeta del "mileniarismo"  con aquella inolvidable intervención en telivisión en aquel irreverente programa de letras presentado por F. Sánchez Dragó, en un estado de absoluto éxtasis etílico.Genio y figura don Fernando, que no sólo nos regala exquisitos momentos de humor delirante televisivos, sino que además y fundamentalmente nos ofrece una muy extensa y GRAN obra cultural que abarca desde la literatura en toda su dimensión, al teatro o cine.

 

Fernando Arrabal, creador del movimiento "pánico" en los años 60 junto con A. Jodorowsy y el pintor Roland Topor, en referenvia al dios "Pan", el cual se manifiesta a través de tres elementos básicos: el terror, el humor y  la simultaneidad.

 Aquí dejo un extraco de la obra de teatro "Fando y Lis", de Fernando Arrabal, llevada al cine por A. Jodorowsky.

Para finalizar el mismo Fernando Arrabal a modo del marqués de Sade por momentos, nos recita un poema pánico-amoroso.

Campos de fresas

"Estoy al final de un camino y al comienzo de otro.Puedo escoger. Retroceder, para empezar de nuevo, por el primer camino, o seguir, para ver que hay en este. Siento que una parte de mí me empuja hacia adelante, pero otra me obliga a esperar y luchar. Como luchan ellos. 

Todos están ahí abajo, junto a mi cuerpo, tratando de salvarme, de conseguir que ese yo que ahora flota vuelva a mi otro yo físico. Los veo desesperarse, me inyectan cosas, se gritan unos a otros dándose órdenes, manipulan aparatos. No saben que la decisión es mía.

Tengo la paz tan cerca... 

Sin embargo, no quiero que sufran, y sé que están sufriendo. Papá, mamá, Norma, Eloy...

Tal vez debiera luchar. Siempre habrá una paz, pero no tengo más que una vida. Esta vida. 

Recuerdo la partida del último campeonato. ¡ Oh, sí, sí, fue genial! ¡Qué maravilla! No solo fue la victoria, sino cómo la conseguí. Me sentí orgullosa de mi misma. Acorralada sin mi reina, sin torres, sin el alfil blanco y sin el caballo negro, con un alfil y un caballo, y tres peones. Mi rival tenía todas las de ganar, pero resistí, paciente. Ella cometió un error, provocado por mí y tras él....

Puede que sea la clave: luchar. 

Sí, la paz estará siempre ahí, al final del camino,  pero antes he de pasar por muchas batallas.

Ese es el sentido de la vida, de la partida. No rendirse. No rendirse jamás. Esperad... ¡esperad! ¿Quién ha dicho que me estáis perdiendo?

Quiero volver. Aún no es el momento.Quiero seguir con vosotros, mientras decido cuál ha de ser mi próximo movimiento.

Esperad... he vuelto, estoy aquí, ¿notáis mi pulso?

Esperad..." (Jordi Sierra i Fabra, "Campos de fresas")

The Beatles: Strawberry Fields Forever - Campos de fresas para siempre

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre

Es fácil vivir con los ojos cerrados
Sin comprender nada de lo que ves
Resulta difícil ser alguien
Pero todo sale bien
A mí no me importa demasiado

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre

Creo que no hay nadie en mi árbol
O sea que debe de ser alto o bajo
Para que no puedas sintonizar
Pero está bien
Es decir, creo que no está del todo mal

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre

Siempre, no a veces, creo que soy yo
Pero sé cuando es un sueño
Creo que sé cuando quiero decir " sí"
Pero es totalmente falso  
Es decir, no creo estar de acuerdo

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de fresas por siempre

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Let me take you down,
cause I’m going to strawberry fields.
Nothing is real and nothing to get hungabout.
Strawberry fields forever.

Living is easy with eyes closed,
misunderstanding all you see.
Its getting hard to be someone
but it all works out,
it doesn’t matter much to me.

Let me take you down,
cause I’m going to strawberry fields.
Nothing is real and nothing to get hungabout.
Strawberry fields forever.

No one I think is in my tree,
I mean it must be high or low.
Nhat is you cant
you know tune in but its all right,
that is I think
its not too bad.

Let me take you down,
cause im going to strawberry fields.
Nothing is real and nothing to get hungabout.
Strawberry fields forever.

Always, no sometimes,
think its me, but you know i know
when its a dream.
I think I know I mean a yes
but its all wrong, that is i think
I disagree.

let me take you down,
cause I’m going to strawberry fields.
Nothing is real and nothing to get hungabout.
Strawberry fields forever.
Strawberry fields forever.

Nu Jazz

En los años 80, grupos como Brand New Heavies, Jamiroquai o Incognito se dedicaron a fusionar desde el Reino Unido Jazz con otros estilos musicales de procedencia negra como el soul, la música disco o el groove y...¡bingo! un nuevo género musical surgió lleno de vida, color y mucho ritmo de baile elegante, fue el Acid Jazz. 

A finales de los 90 y casi adentrándonos ya en el presente siglo XXI, se da una vuelta de tuerca más y a la mencinada fusión se añade el funk, la música electrónica, lalibre improvisación y últimamente los DJs con sus scrayching, es el Nu Jazz también conocido como e-jazz, electro-jazz, jazz-house...

Es aquí donde entran grupos como el colectivo internacional Nu Jazz Project con sede repartida entre Bruselas y Londres. Este grupo se puso en marcha en Bruselas por el baterista y productor de Sylvio Iascio François Legrain, diseñado para permitir a los músicos y artistas del grupo expresarse a través de la música. 

El grupo está integrado hoy en día no sólo músicos sino también por diseñadores gráficos, ilustradores, fotógrafos ... Elegancia y buen gusto son el sello inequívoco de Nu Jazz Project.

Aquí os dejo el tema "Keep me in mind" de este hermoso proyecto.

Otro ejemplo de Nu-Jazz elegante nos loencontramos con este hermoso vídeo y tema muy veraniego, "Abstract summer" del mismo proyecto.

Para finalizar os dejo algunos grupos que os invito a que descubrais si no tenéis el gusto de conocerlos todavía. "Electro Deluxe Point G", "Moca", "The Herbaliser" o "Mop Mop", por ejemplo. Y aquí dejo un último vídeo en el que puede apreciarse en directo el uso también del video-arte comoo herramienta complementaria a la música, se trata de Green Monkey.

El arte de lo efímero: "tableau vivant"

El carácter efímero de ciertas expresiones artísticas es ante todo un concepto subjetivo supeditado a la propia definición del arte, término controvertido y abierto a múltiples significados, que han ido oscilando y evolucionando con el tiempo y el espacio geigráfico, ya que no en todas las épocas y todos los lugares se ha entendido lo mismo con el vocablo «arte».

No es la primera vez que abordamos el tema en este pequeño espacio. Con Sachiko Kodama y sus incursiones en el mundo del electromagnetismo como medio de expresión artística ya hizmos una pequeña introducción. 

Jardín zen japonés

Se trata de una disciplina que tiene cabida en casi cualquier ámbito social que se nos pueda ocurrir: en la arquitectura por ejemplo con la tour Eifel concebida originalmente no como un elemento artístico ni tampoco como algo permanente, es un claro ejemplo que afortunadamente para nosostros ha perdurado, los jardines zen en japón son otro ejemplo de arte efímero y mutante.

Tableau vivant after Ivanhoe by Walter Scott, anónimo, c. 1863

En estra ocasión quiero centrarme en una disciplina que ya viene practicándose desde finales del siglo XIX con la incursión de la fotografía y el cine en el arte, se trata del "Tableau vivant" o cudro viviente en castellano.  Directores de cine como don Luis Buñuel, en su película Viridiana hizo un pequeño juego escénico en un "tablau vivant" absolútamente magistral en la escena de los mendigos en derredor de la mesa imitando de manera clara y muy irónicamente la escena de "la última cena" de Leonardo Da Vinci.

Un juego con las fronteras que existen entre la pintura, el videoarte y el performance y que artistas como Adad Hannah han adoptado y adaptado como medio de expresión artística absolutamente contemporáneo. Adad propone distintas escenas y cuadros vivientes que juegan con la percepción del espectador.

Aquí os dejo un vídeo con diferentes creaciones de este artista:

Premio de Pintura La Mútua de Granollers

El pasado viernes 15 tuve la oportunidad de asistir como finalista con mi obra "Subterráneo" a la entrega del premio de pintura La Mútua, dotado con la nada despreciable cantidad de 12.000 euros -convirtiéndose en uno de los premios con mayor prestigio de la península, que en su 3ª edición ha recaído en el artista barcelonés Sacris con un desnudo "desestructurado" de título "Estigmas". 

Subterráneo, autor juan Luis Borra

Obra ganadora

Un total de 15 artistas fuimos seleccionados de entre más de 200 presentados por un prestigioso jurado compuesto por críticos de arte, directores de museos y catedráticos de la facultad de bellas artes de Barcelona.

Me encontré con una calurosa bienvenida, y una gran selección de obras pictóricas de artistas como el madrileño Emilio Fornieles y un sugerente paisaje marítimo, del barcelonés Pol Borrás con una muy sugerente perspectiva llena de espejos en "La Barbería" en un marcado tono pop o Cisco (Francisco Colominas) con la contemplación zen de un sereno paisaje campestre hiperrealista por ejemplo.

La exposición puede visitarse durante este mes  en el CEMAV de Granollers -Barcelona-, C/ Aguastí Vinyamata, 7-9.

Reflexiones sobre el arte contemporáneo y el arte conceptual

Las obras que se auto-llaman conceptuales, lo son porque es el concepto lo que les da el sentido como arte, en todas son las ideas y el discurso el único peso intelectual que poseen. Bajo este pretexto se han creado y se siguen creando verdaderas obras-basura. Una obra de arte para que pueda ser considerada como tal, simpmplemente debemos reconocerla como algo bello, nos transmite por sí sóla algo, un sentimiento, una emoción, un...no se qué, no necesita ser explicada. Por supuesto que puede haber un discurso intelectual detrás de la misma y a buen seguro que existe en la mayor parte de los casos pero si una obra de arte al ser despojada de esas ideas, de ese discurso o concepto, pierde su sentido como arte, entonces no es arte. Este es un mal que aqueja, entre otros muchos, al arte contemporáneo.

Trabajo de Fang Lijun: Li Xianting está nadando.

Por otra parte ¿qué es arte contemporáneo y moderno? Picasso, Kandinsky, Tàpies,..., éste es un arte que lleva haciéndose ya más de 100 años. No tiene sentido la diferencia rupturista entre abstracción y figuración en el momento presente bajo mi humilde opinión. Algo es contemporáneo porque se está realizando en el momento presente estricto desde un punto de vista etimológico.Si se quiere realizar la Venus de Milo, por ejemplo, como la hicieron nuestros antepasados griegos, como mucho conseguirá hacer una muy buena imitación o un suvenir para turistas, le falta la esencia original, la visión vital, intelectual y religiosa de la cultura griega y nunca será una obra de arte. Para que pase a ser arte, debe trascender cualquier moda o prejuicio intelectual, debe ser verdadera y representar el sentir vital y cultural del momento en que se está viviendo.

Escultura representativa, de Yue Minjun.

 Un camino difícil el que tenemos entre manos los artistas, pero no creo que sea mucho más difícil que en otras épocas, estoy convencido que siempre ha existido esa sensación por parte del creador de que todo está ya inventado. ¡Viva el arte!.

Un pequeño momento musical de la mano de Gonjasufi, músico experimental californiano que mezcla psicodelia, elctrónica, tradiciones sufís y orientales..., con el tema "Yogananda Swami"

Mr. Solomon y el encuentro con Nueva York, Encuentros en las dos orillas

Todo comenzó una mañana, muy calurosa, de domingo cuando me dirigía al profundo Harlem al encuentro del mejor coro de gospel de la ciudad. No pude entrar pero a mi regreso me encontré  con  Mr. Solomon. Él es el personaje que me inspiró esta exposición. Posa de manera espontánea, natural, cuan Príncipe renacentista sentado en su trono con su túnica-traje bermellón del siglo XXI, sus lustrosos zapatos y su corona blanca; exaltación de la belleza, del color y de la luz.

El calor de aquella mañana de verano perturbó mi mente y en aquellos delirios las imágenes se tornaron difusas, como desenfocadas y se fundían con el colorista entorno, un juego de luces, colores y formas se gestó..

Siempre he creído en la belleza como elemento curativo e intento plasmarlo en mi pintura. Si en algún tiempo la belleza ha gozado de adeptos entre las élites gobernantes, éste ha sido sin duda el Renacimiento en la Florencia de los Medicci, momento mágico en el que los escultores y pintores pasaron de ser artesanos anónimos a denominarse ARTISTAS y firmar sus obras.

En estos tiempos que corrren, la belleza no parece estar entre las preferencias de patronos, banqueros y las élites dirigentes. La belleza no tiene bandera conocida, la belleza no cotiza en bolsa, la belleza no es un combustible ni una materia prima. Su misterio radica en su inutilidad, en ser un camino que viene de ninguna parte y a ninguna parte conduce. Pero entonces me pregunto humildemente ¿para qué sirven tantas y tantas obras de arte expuestas en esos lugares, no sé muy bien si denominarlos santuarios o mausoleos, llamados MUSEOS o en pequeñas salas como la que nos encontramos?.
 

Y humildemente respondo que, como la música, la literatura, esas obras sirven para conosolar, para liberarnos de la aflicción de un mundo en el que la dignidad humana es crucificada todos y cada uno de los días.

Paul Klee dijo una vez que "El arte no reproduce aquello que es visible sino que hace visible aquello que no siempre lo es", en la esperanza de haber conseguido mínimamente alguno de estos objetivos, deseo que disfrutéis de los "encuentros en las dos orillas", Nueva York, Zaragoza y sus gentes anónimas nos saludan. Hasta el próxima día 26 de mayo podréis disfrutar, de ésta, mi exposición en el Espacio Cultural Adolfo Dominguez -Puerta Cinegia-, Plaza de España, Zaragoza.

Sunny, es la canción elegida para terminar. Una canción de Bobby Heb -el único éxito que tuvo- y que viene interpretada por el gran James Brown y la Dee Fellece Trío, genial versión que funde de manera magistral el jazz y el soul.

Encuentros en las dos orillas

El Espacio Cultural Adolfo Dominguez -ECAD-, a través de su coordinador Eugenio Mateo, ha tenido la gentileza y generosidad de otorgarme la posibilidad de exponer en sus instalacuiones este proyecto -inacabado-. Un encuentro entre dos ciudades, Zaragoza y New York, un encuentro en el que el color , la luz y la belleza cobran el máximo protagonismo, "Encuentros en las dos orillas".

La exposición tendrá lugar entre los días 25 de abril y el 26 de mayo, en el citado espacio, en la ciudad de Zaragoza, a cuya inauguración quedan todos invitados a partir de las 7:30 de la tarde del próximo día 25 en la planta baja del citado espacio sito en el pasaje Puerta Cinegia de la Plaza de España.

Aprovecho la ocasión para mencionar mi participación en dos exposiciones colectivas más, la primera se encuentra actualmente en Alagón -Zaragoza- y está organizada por la Asociación de Artistas Plásticos Goya-Aragón. Se encuentra en Centro Cívico Fernandez Molina y prermanecerá hasta el 20 de abril. En la fotografía cedida por la Asociación aparecen las dos obras pictóricas con las que colaboro, "Fugacidad de lo vivo" y "Kaleidos", correspondientes a una misma serie de reflejos en diferentes espejos de la vida cotidiana en la ciudad. 

La segunda tendrá lugar en el Hotel Tryp de Zaragoza a partir del próximo día 14 de abril con motivo de la Memoria Histórica por la Guerra Civil en Aragón, en la que particicipo con la obra "Mutatis Mutandis", una obra en la que el máximo protagonismo lo ostenta la Paz, a través del símbolo colombino universalmente  aceptado de ésta y que también podría representar la ascensión y transformación en ese mundo espiritual de las almas de bien fallecidaas de forma injusta tanto en esa contienda como en cualquier otra. Un elemento, el de la guerra, realmente abominable y que nunca debería darse.

El perro blanco

En la revista de artes y letras  "El Perro Blanco" aparecen publicadas unas fotografías de algunas de mis obras, además podéis encontrar lo que en el sumario viene relatado más adelante. Abajo tenéis a vuestra disposición unos enlaces para poder bajaros de manera gratuita la revista o comprarla en papel.

Estimados amigos:

La editorial Libros del Innombrable y el Colectivo de librepensadores  y patafísicos "Antístenes" tienen el placer de presentarles, a vuesas  mercedes, el último perrazo;

El perro blanco nº 12.3
Revista internacional, invierno 2011-12


Sumario:

En portada: Paco Rallo con la obra "Pienso, luego estorbo"
Editorial de Juan Francisco Nevado: Mujer estrella
Entrada: Poemas de... Carlos Barbarito
Cuatro poemas de Juan Carlos Dávalos
Guión: Cuadro con retrato de cine por dentro de Ángela Ibáñez
"Voces de Brasilia (y VIII)" Sección dirigida por Alicia Silvestre
Última entrega de esta sección.
Poemas de Nicolas Behr
"Artes plásticas". Sección dirigida por Andrés Rubio
Pinturas de Juan Luis Borra
Poemas: Anatho Viaje y quiebra de un cuerpo, II de Andrea González
"Filosofía": Sección escrita y dirigida por Antonio Muñoz Ballesta
"Poesía". Sección dirigida por José Antonio Conde.
Poemas de Antón Castro.
Relato: Un Cristo saliendo del armario de Exequias Blanco
Relato: Mi inocente hija de Francisco Enríquez
"Música". Sección escrita y dirigida por Joan Pere Bonfill (Soler) Gil
Poemas: "Epistolario gris" de Rubén Fernández


Si desean leer la revista gratuitamente pueden hacerlo en el siguiente enlace:

http://issuu.com/librosdelinnombrable/docs/el_perro_blanco_n_12

Si, con mejor criterio, están interesados en adquirir un ejemplar de  la edición limitada en papel pueden hacerlo a través del siguiente  enlace:

http://www.librosdelinnombrable.com/novedades/novedades.asp

Pintando el silencio

En el arte moderno, la belleza importa, el shock importa y también la nada importa. Lienzos en blanco, formas minimalistas. En 1915 Kazimir Malevich (1878,1935), en Rusia con un movimiento paralelo al "Constructivimo", inició lo que se denominaría el "Suprematismo"; quería que el arte fuera espiritual, las figuras humanas o animales, la naturaleza, las cosas que vemos todos los días no servían para expresar el mundo interior en su estado más puro. 

 Ascenso de los bienaventurados al Paraíso Celeste (detalle), El Bosco, ca. 1490; Círculo negro, Kasimir Malevich, 1915

Rothko Chapel 1971

Era la abstracción revolucionaria futurista y espiritual, la luz sale del cuadro mismo y no de la cara del Cristo redentor. Esta línea ha perdurado hasta el momento presente y así artistas como Mark Rothko (EEUU, 1903-1970) toman el relevo, imprimiéndole un matiz más trágico y cuya máxima expresión viene dada en la Rothko Chapel.

 Vicente Pascual 2004

Robert Ryman, Untitled, 1958

Vicente Pascual , pintor aragonés al que ya hemos dedicado más de un rinconcito en nuestra abadía, en su obra "Las 100 vistas del Monte Interior" retoma esta visión espiritual mediante la geometría en su estado más puro y simple, círculos y cuadrados, empleando en esta ocasión tonalidades más terrosas y ocres como colores, y otros artistas contemporáneos como Eric Dever (Los Angeles, 1962)  o el también norteamericano Robert Ryman (1930) continúan con la tradición. Pintar el silencio, la nada, todo reto y un encuentro con la vida interior en su estado más puro.

 Eric Dever-Zinc_White_on_Burlap_No7

LUC XIV, Eric Dever, 2010

Julie Driscoll con un tema de 1968 titulado "This Whel's On Fire" nos sirve como una despedida perfecta.

José Val del Omar

Figura única de la historia del cine y de las vanguardias españolas que murió en el olvido rodeado de sus inventos. Cineasta, artista, poeta, visionario... ninguna etiqueta basta para definir a José Val del Omar (Granada, 1904-Madrid, 1982). "Soy una criatura enamorada de la creación, que vibra entre la teoría y la práctica", decía este genio olvidado.

Quería rendir un pequeño homenaje a este gran creador al que acompaña una larguísima labor de investigación y creación: la patente de una enorme lista de aparatos de proyección y de sonido: lentes de ángulo variable y de proyección apanorámica, Sistema Diafónico, Sistema VDO Bi-Standard 35, Laserfonía, Picto-Lumínica-Audio-Tactil; y una lista aún mayor de proyectos aparentemente delirantes y nunca llevados a la práctica a excepción del terreno de pruebas de su propio laboratorio: Óptica Biónica Energética Ciclo-Tactil, Relieve Psico-abstracto, Pantalla Corpórea, Fara-tacto, efectos de cero-gravedad…

 

Aproximarnos a la obra de José Val del Omar nunca ha sido y nunca será fácil: la sigilosa pero constante onda expansiva de una producción cinematográfica relativamente escasa -apenas una decena de cortometrajes a lo largo de toda su vida, y varios de ellos inacabados o completamente ilocalizables por los investigadores de su obra hasta hace muy poco.

Val del Omar optó por la concentración de sus esfuerzos creativos, de modo que sus cintas más logradas se reducen a tres únicos cortometrajes: Aguaespejo Granadino (1955), Fuego en Castilla (1961) y Acariño Galaico (pieza póstuma), que conforman lo que él llamó Tríptico Elemental de España.

Precisamente quiero piner aquí el vídeo correspondiente a Fuego en Castilla -film experimental de José Val del Omar, que logró una mención especial en el Festival de Cannes por sus logros técnicos. Y ciertamente es fascinante el modo en que utiliza la imaginería de la Semana Santa castellana, las tallas de Berruguete, Almagro, Juan de Juni..., con unos efectos lumínicos increíbles, difíciles de describir, las imágenes parecen como animadas, otras veces parecen querer salirse de la pantalla, siempre ardientes, como el fuego, donde introducía sus ideas de unir la imagen y lo táctil, además de contar con una banda sonora propia que exploraba lo más avanzado en técnicas de sonido electroacústico-.

Martin Newell

Para ser sincero descubrí a Martin Newell en el año 1993 cuando sacó el fantástico disco "The Greatest Living Englishman" facturado con el nunca mi bien ponderado Andy Partridge de los XTC.  

Encargado de trasmitir las historias, leyendas y poemas de su tierra; ejemplificando durante todos estos años esa cualidad de ser el excéntrico almacén de toda la esencia pop inglesa heredada de los Beatles, Kinks, Syd Barret…; buenas canciones hechas espontáneamente, sin estar sobreproducidas, y con letras llenas de modestas viñetas de todas esas pequeñas cosas de la vida británica que son salvables y que están desapareciendo, cada vez más rápidamente: la cortesía, la campiña y la vida rural , el cambio de las estaciones…  

Una discografía complicada de seguir la de este maravilloso y honesto artisa debido a que grababa su material en cintas que distribuía en el mercado alternativo y el mundo fanzine de los 80 con su grupo Cleaner from Venus y no fué hasta el año 87 en el que grabó su primer EP en vinilo "Mind How You Go as Cleaners from Venus". 

Disfruten de la aparente sencillez de las canciones de este gran artista, aquí va la gran canción  "Before the Hurricane" contenida en el mencionado album del comienzo de este árticulo. Una pieza llena de sutiles y delicadas melodías. POP con mayúsculas con el que muy bien se podría hacer una sinfonía.

Finalmente una actuación en el Colchester Arts Centre realizada en el verano del año 2003, se trata del tema "Clarendon Lane" en el que se puede ver a este artista en su medio.

Sala virtual J.L. Borra

Comenzamos esta nueva singladura un año más en nuestra pequeña Abadía, con la inauguración de una pequeña exposición en una nueva sala virtual en la que se puede contemplar parte de mi obra, disfrútenla.
 

Feliz Año Nuevo a todos